BuddyPress.org

Španělský malíř (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Trénuje v Seville, pak živé centrum a obrazných kultury realistické povahy. V 1617 si otevírá vlastní obchod na Llerena, Extremadura, ale 1629 se usadil zpět do Seville a zůstal tam (s výjimkou pobytu v Madridu v roce 1634), dokud 1659 ca. Při snížené v podmínkách extrémní chudoby, se přestěhoval do Madridu, kde se snažil marně se vkládají do kulturní atmosféru města. Činnost Zurbaran esplicò je téměř výlučně na výrobu posvátné obrazy velmi vysoký počet ca. 600) a kvalita někdy není vznešené, částečně v důsledku široké využití spolupracovníků v části k chvíle krize malíř, zejména v posledních letech života při bylo považováno za přijaté jeho současníci ve prospěch Murillo. Styl Zurbaran zahrnuje jak naturalismus typické sevillian vyvinutý a vnesl do nejvyšší výsledků pro použití barev, vždy přehledná a ohromující i v tmavých tónů, disegnativa tradice manýrismus španělské, což s sebou nese malíř vyřešit jeho kompozice v číselné údaje v prvním patře, z elegantní kontury a řezáky, zřetelně odděleny od neutrální finančních prostředků nebo tmavé, mimo jakékoli historické atmosféru. Většina z jeho díla bylo provedeno v sakrálních cyklů pro kostely a kláštery v Seville a dalších španělských měst (v současné době rozptýleny mezi různými muzea) Upřímně nespojuje náboženské cítění populární (obrazy pro Merced Calzada v Seville, 1629; obrazy pro pero Senora de la Defension v Jerez de la Frontera, 1638-39). Slavný seriál svatých, kteří pierce, misticheggianti podněty k oslavě dekorativní elegantně. Kolem 1633 Zurbaran věnoval také na krátkou dobu k síti Natura morta, přičemž jedním z největších uměleckých děl žánru, absolutní čistota: misky cedrech, koš pomeranče a vnější kroužek s růžovým (1633, již ve Florencii, Contini Bonacossi sbírka od roku 1973 v Los Angeles, z Pasadeny Norton Simon Foundation). Vliv Zurbaran, spíše omezený ve Španělsku, je místo toho obrovské v Latinské Americe, zejména v Peru, kde malíř odeslané četné stavební práce v období 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Španělský malíř Seville (1617-1682). Umělecké počátky Murillo byla v zásadě souvisí s city Vánoce, nejprve jako student nevalný Juan del Castillo, pak jako nezávislý akademický malíř, citlivý na umění Ribera, Zurbarán, Velázquez; mladý děl, silná v designu a podle vzoru, ale v podstatě jen málo originálů také prokázat pro sdílení generické caravaggismo vznášejí ve španělštině a životní prostředí. Kontakty s italskými nátěr prostřednictvím B. a Lecce 1 A. Vaccari, vlámských a (snad navštívil královské sbírky během své cesty do Madridu v roce 1648, kde by mohl studovat díla Rubens a van Dycka), pobízeni původní interpretaci colorismo veneto, ke kterému připojí k lehké hluboce scenographic a barokní; tyto znaky jsou již uvedeny v jedenácti obrazy s zázraků františkánský svatých pro convent of the homonymní v Seville (1645-48), dnes roztříštěné a v narození Panny (Paříž, Louvre), triumfální počátky dlouhé činnosti ve službách confraternities a náboženských řádů ve kterých Murillo se ukázalo být upřímné a interpreteru přesvědčovat o mysticismus proti reformní. Výklad realistické jemně populární folkové a komunikativním posvátného epizodu, stále zřejmější v dílech zralé (cyklus pro Hospice charity v Seville, ca. 1670-80: hojení paralytického v bazénu, London, Národní galerie; návrat marnotratného syna, Washington, Národní galerie), se připojily k vyspělosti barvy a vysoce kvalitní formální, o složení Murillo témata nejoblíbenější náboženské oleografia (myšlení z nesčetných verzí Neposkvrněného početí, z nichž některé v Madridu Prado), které se nemění v opotřebení obrazu, skutečné a vysoké umělecké hodnoty. Cyklů obrazy rodu popolaresco (chlapci, kteří jedí ovoce, Monako, Alte pinakotéka moderny galicijská; okno, Washington, Národní galerie), účinné otvory na světě picaresque, slavnostně k žánru destinatoa velký úspěch až v osmnáctém století a portréty se nastavení naturalistické (gentleman s objímkou, Madrid, Prado) přispěje k vyjasnění nejhlubší inspirace umělce, který má za cíl zvýšit expresivní možnosti barev, někdy s compiacimenti účinný. “Prohloubit viz Gedea umění vol. 7 pp 262-269” “prohloubit viz Gedea umění vol. 7 pp 262-269”

Slovníkový
Sm. [Z francouzské rokokové, úpravám, odlehčený, rocaille]. Dekorativní styl, který se vyvinul v Paříži kolem roku 1730 a jež dominovala na jiné styly pro asi dvacet let, šíření a pak vpravo směrem na konci století v severních regionech Francie, Itálie a střední Evropy na Rusku. S hodnotou Adj. náležející do přesně tento styl: mobilní fasádní, rokokové chuti; pro rozšíření, umělé lambiccato, ale bez milosti: účes rokokové.

Art: ve Francii
Vášnivě staví proti současných classicistiche proudů a tardobarocche, rokokové byl považován za negativně na celém v devatenáctém století až do první kritické analýzy provedené bratři De Goncourt, kteří varovali jak úzký vztah s konkrétní koncepci sociálního života, jak estetické revoluční ho informoval. Ideologicky rokokový je uměleckým vyjádřením aristokratům kosmopolitní přichází na konci své historické funkce, která maskuje svědomí pokles s filozofií úniky od reality a vytvoření fiktivního světa na mýtu o věčné mládí a unruffled požitek. Sociální chování je poté upravena na koncepty vytříbenosti a elegance, dokud tomu přistupovat lehkovážně na jedné straně a filozofických volnomyšlenkářství z jiného. Únik od reality se objevuje jak na intelektuální úrovni a na existenční a každý detail a životního prostředí by měla být poskytnuta na způsob života – to vše musí být krásné, opravdu “hezké”, protože pojem krása je tvořen pouze co je citlivé a křehké, jemnými jasné, malebné. V rámci tohoto aspektu chápeme a potom “nezbytnosti” určitého typu oblečení (církevní roucho číst z hedvábí a pokryje bavlněnou tkaninou v pastelových odstínů, bílý paruku, malý kousek vhodné látky obličej a bez věku, pak věčně mladých), který odpovídá určitý typ prostředí pro život. Estetické revoluce rokokové dochází ve skutečnosti harmonický souhra všechny podrobnosti o vybavení, které přispívají ke všem umění a “malé” jsou hodnoceny samozřejmě na roveň s tradičně “noble”) přejděte k vytvoření ekologické prostředí a homogenní. Historickou skutečnost, ze které můžete začít rokokové (i když prostory jsou sledovatelné od posledních let XVII. století) je přenos soudu z Versailles v Paříži po smrti Louis XIV (1715), zadala regent vévoda Orléans skutečnost, že určené pro šlechty potřeba přebudovat soukromé paláce kapitálu, po dlouhých let obývají pouze příležitostně. Aby se zabránilo v uzavřených prostorách rychle se vyvíjela v období regency chuť pro světlé stěny, “otevřené” hojností zpětných zrcátek a illeggiadrite štukatura světla pro malé nábytku a lakovaných v pastelových odstínů, pro vedoucí pracovníky i světlými odstíny pro ozdoby minimální velikost objektu a lehkovážné, jednoznačný nesouhlas s nábytkem Louis XIV, přepychové (ale také těžké) dominuje tmavé barvy a zlacením. Vzácné byly ve Francii velké architektonické poznání, které usufruirono struktury barokní stále stejně jako velmi střízlivě a funkční zaměřené v praxi jako podporu dekorace, většinu z nich vnitřní fasády, odvozeno z celé řady perfecta de sus repertorios (je třeba připomenout, že v 1734 J. A. Meissonnier, jejichž výkresy ovlivnil hluboce na výrobu řezbářů a zlatníků epochy); tato výzdoba byla založena na nekonečný variant, lepší pokud asymetrické zakřivené linie, která definice přírodní prvky (listy, květiny, zvířat) podle duchu půvabným, bývá často exotických eleganci a skvělé na východě (mistrovská díla v tomto smyslu jsou Hôtel de Matignon č. Pineau z 1720-31 a Hôtel de Soubise z G. Boffrand, také zdobí F. Boucher, 1736). Ve francouzské architektury, jsou ve skutečnosti mnohem častěji na výstavbu malé rozměry pro parky a zahrady (někdy Ekonomická racionalita podepírající konstrukci těchto “Czech” podle kanovníků z malebné a vhodnější pro novou chuť): pavilony lovu, “Casini potěšení”, sans-soucis, monrepos, ermitages, spojené s potřebami pozemské života. Plastika byla pokuta dekorativní výhradně pro změkčení tvarů, obohacený popisné informace a obecně líčí mytologických znaků podle deklarovaný záměr erotické. Lakování, z jasné barvy a vynikající rozložit na dotek a nuance na rychlé vykreslování a rozbité, má úzký analogie s porcelánu, gravírování, tkaniny pro nábytek, protože popisuje pastorační scény, idylls, hody galanti a campestri, erotické epizody, Denní chronicles, vyjádření s nádechem ironie škodlivý nebo zásady života lehkovážné ale rafinovaný. Ve Francii je zvykem rozlišovat a první období Regency (1715-30) v generaci architekta G. M. Oppenordt na zdobení F. A. Vassé a ebanist Ch. Cressent, malíři J. A. Watteau, J. B. Pater a J. M. Nattier; období rocaille (1730-45), najde nejvyšší projevu v Meissonnier, Pineau, Boucher a Chardin, posledního období Pompadour (1745-64) involuto již v některých dekorativních nezvládnutelnou institucí a částečně ovlivněn linearismo klasicistní zastoupené architekta J. A. Gabriel, zdobení J. Verbeckt a J. H. Fragonard.

Art: v jiných evropských zemích
Mimo Francii rokokový rozšíří v krátké assolutistiche předpokládá, že jako model společenského života francouzské šlechty, idealizované jako depozitáře vědět jak žít a podle chuti. Za deset let 1730-40 umělci a francouzské řemeslníci, byly ve skutečnosti vyzvala ve všech soudů v Evropě začíná tento jev internacionalizace figurální kultury typické pro celou druhou polovinu století. Tento jev žili právě na obrázek křižování umělce (Itálie stačí si namalovaná a Rosalba davvero un che), který podnítil především rozvoji řemesel na kánony jsou společné pro celou Evropu, podle procesu řídí nejen vývoj chuti, ale také, a vyhlásil stejný vládci v souladu s právními předpisy o hospodářské expanzi. Podobné pohyby rokokové, i když ne zcela s ní, se manifestovaly v Anglii (nábytku Chippendale, přes jejichž výklady se navíc rokokové chuť byla zavedena v Americe a v určitých témat obrazová z Hogarth na Gainsborough) a ve Španělsku (churriguerismo). Pro Itálii je možné hovořit o rokokové zejména pro dekorativní umění, neidentifikovatelný v mezinárodní chuti (štuk, Serpotta; “Čínské skříň” pro palác Portici, nyní oplodí, vše v porcelánu a zpětných zrcátek), zatímco architektonických staveb na vrtošivé rostliny křivky se konaly pouze v soukromých budovách malé rozměry (Villa Palagonia v blízkosti Bagheria Palermo), stále naživu barokní tradice, který je spojen zejména s committenza církevních. Co se týká italské mobilní chuť francouzského rokokové rozvíjet prostřednictvím částečné přijetí stylové prvky Louis XV a postupné transformaci prvky barokní výzdobě (styl barokní). V Benátkách v rámci nezávislé rozvoj (a řešit je z velké části na zahraničních klientů), že malba, můžete definovat v rokokové stylu výběr témat jako rozmar, fantastický výhled na scénu života (Marco Ricci, Zais, Guardi a Longhi) a rozšířené používání pastelových a watercolor (Rosalba davvero un che). Styl rokokový splnila své hlavní vývoj v německy mluvících zemí podle dvou destinací přesné a jasně rozlišené: na jedné straně architektury a plavidla na soudy, burnett také původní formy ale vždy uvnitř francouzského modelu, na druhé straně architektury, chápat jako syntéza mezi vesmírem a dekorace, kostelů a klášterům, představuje poslední velké autonomní vyjádření tohoto odvětví architektury. V okolí četné německé soudy proliferarono hrady, noble residences, malé stavby potěšení, že se předpokládá ve velikosti důraznou nebo dokonce rétorické rostliny na zakřivené linie a eliptická soukromých stavebních francouzské (pouze královské hrady vám mů žeme o monumentalitě klasicistní Versailles) a rozvinuté dekorace v tóny více nebo méně umírněných podle přesné místní varianty (povolení k pobytu pro prince-biskupa Würzburg, 1719-44, B. Neumann, ve spolupráci s R. de vařené a J. L., Hildebrandt a freskami namalovaná; Palazzina di deka = deset; odtud také název cyklu Amalienburg z do parkovací zámek Nymphenburg v Mnichově, 1734, F. de Cuvilliés). Církevní architektura vzkvétala zejména v Bavorsku a v Čechách s bratry bratří Asamů, D. Zimmermann, Dientzenhofer a v Rakousku, zejména s Fischer von Erlach, který vyvinul prostory již existující v architektuře místní tardobarocca dospět k vybudování budovy se vyznačuje prostornosti a jas (jedinečné místo pro rostlinné elipsovitého nebo oválné, bílé zdi, velké a četné windows, štuk a zlacením, zdůraznit strukturální prvky a nastavení kompozice plátna a freskami), kde proveďte dokonalou harmonii a propojenost mezi celkem konstruktivní prvky a obrazných. Také obrazová produkce není předpokládat autonomní roli, ale s ohledem na zvláštní potřeby, byla zaměřena téměř výhradně na ilustraci historické objekty – oslava v alegorických tóny – mytologických nebo náboženských témat; pak se rozvinula do velkého plátna a fresek i přes značné lehkosti a vaporosità provedení, vyplývají z barokní výzdobou Italiana (F). A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Obecný popis
Převodovka délky řezanky. Angličtina (zkratka lidovým uměním, lidovým uměním) používané v italské jako sf. Zavedené vědce L. Flieder a R. Banham a přijal v roce 1961 kritik Czech L. Alloway termín označuje umělecké pohyb avant-garde se narodil v paralelní ve Velké Británii a Spojených státech kolem 1955 jako reakce na lakování abstraktní také expresionisté němečtí. Umělci pop art draw tvarů a jazyk z repertoáru hromadných sdělovacích prostředků, tj. na komunikační prostředky a masové kultury: televizní reklama obrázky, fotografie, komiks, spotřební materiál apod.; mohou proto sloužit obrazů a objektů, které již existují, manipulovat a v různých způsobů, můžete načíst nový expresivitu. Cílem tohoto hnutí je odečtěte umělecké činnosti svým charakterem jedinečné zkušenosti a subjektivní a namísto toho riaccostare umění pro každodenní realitou. Je z nabídek triviální a každodenní život pop art, zprostředkovávají různé zkušenosti kubismu, Futurism, Dadaism a surrealismu, měla své první definici ve Velké Británii prostřednictvím činnosti nezávislé skupiny London (1953-58). První opera Czech pop, výroba Richard Hamilton, byl zapsán na výstavě “Toto je zítra”, která se konala v Londýně v roce 1956. Ve Spojených státech se pop art vznikl z důvodu vyčerpání abstraktní zkušeností, se zastaví na konci neformální a zejména exaltations “objekt” spotřebované umělci nové Dada.
Španělský malíř (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Trénuje v Seville, pak živé centrum a obrazných kultury realistické povahy. V 1617 si otevírá vlastní obchod na Llerena, Extremadura, ale 1629 se usadil zpět do Seville a zůstal tam (s výjimkou pobytu v Madridu v roce 1634), dokud 1659 ca. Při snížené v podmínkách extrémní chudoby, se přestěhoval do Madridu, kde se snažil marně se vkládají do kulturní atmosféru města. Činnost Zurbaran esplicò je téměř výlučně na výrobu posvátné obrazy velmi vysoký počet ca. 600) a kvalita někdy není vznešené, částečně v důsledku široké využití spolupracovníků v části k chvíle krize malíř, zejména v posledních letech života při bylo považováno za přijaté jeho současníci ve prospěch Murillo. Styl Zurbaran zahrnuje jak naturalismus typické sevillian vyvinutý a vnesl do nejvyšší výsledků pro použití barev, vždy přehledná a ohromující i v tmavých tónů, disegnativa tradice manýrismus španělské, což s sebou nese malíř vyřešit jeho kompozice v číselné údaje v prvním patře, z elegantní kontury a řezáky, zřetelně odděleny od neutrální finančních prostředků nebo tmavé, mimo jakékoli historické atmosféru. Většina z jeho díla bylo provedeno v sakrálních cyklů pro kostely a kláštery v Seville a dalších španělských měst (v současné době rozptýleny mezi různými muzea) Upřímně nespojuje náboženské cítění populární (obrazy pro Merced Calzada v Seville, 1629; obrazy pro pero Senora de la Defension v Jerez de la Frontera, 1638-39). Slavný seriál svatých, kteří pierce, misticheggianti podněty k oslavě dekorativní elegantně. Kolem 1633 Zurbaran věnoval také na krátkou dobu k síti Natura morta, přičemž jedním z největších uměleckých děl žánru, absolutní čistota: misky cedrech, koš pomeranče a vnější kroužek s růžovým (1633, již ve Florencii, Contini Bonacossi sbírka od roku 1973 v Los Angeles, z Pasadeny Norton Simon Foundation). Vliv Zurbaran, spíše omezený ve Španělsku, je místo toho obrovské v Latinské Americe, zejména v Peru, kde malíř odeslané četné stavební práce v období 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Španělský malíř Seville (1617-1682). Umělecké počátky Murillo byla v zásadě souvisí s city Vánoce, nejprve jako student nevalný Juan del Castillo, pak jako nezávislý akademický malíř, citlivý na umění Ribera, Zurbarán, Velázquez; mladý děl, silná v designu a podle vzoru, ale v podstatě jen málo originálů také prokázat pro sdílení generické caravaggismo vznášejí ve španělštině a životní prostředí. Kontakty s italskými nátěr prostřednictvím B. a Lecce 1 A. Vaccari, vlámských a (snad navštívil královské sbírky během své cesty do Madridu v roce 1648, kde by mohl studovat díla Rubens a van Dycka), pobízeni původní interpretaci colorismo veneto, ke kterému připojí k lehké hluboce scenographic a barokní; tyto znaky jsou již uvedeny v jedenácti obrazy s zázraků františkánský svatých pro convent of the homonymní v Seville (1645-48), dnes roztříštěné a v narození Panny (Paříž, Louvre), triumfální počátky dlouhé činnosti ve službách confraternities a náboženských řádů ve kterých Murillo se ukázalo být upřímné a interpreteru přesvědčovat o mysticismus proti reformní. Výklad realistické jemně populární folkové a komunikativním posvátného epizodu, stále zřejmější v dílech zralé (cyklus pro Hospice charity v Seville, ca. 1670-80: hojení paralytického v bazénu, London, Národní galerie; návrat marnotratného syna, Washington, Národní galerie), se připojily k vyspělosti barvy a vysoce kvalitní formální, o složení Murillo témata nejoblíbenější náboženské oleografia (myšlení z nesčetných verzí Neposkvrněného početí, z nichž některé v Madridu Prado), které se nemění v opotřebení obrazu, skutečné a vysoké umělecké hodnoty. Cyklů obrazy rodu popolaresco (chlapci, kteří jedí ovoce, Monako, Alte pinakotéka moderny galicijská; okno, Washington, Národní galerie), účinné otvory na světě picaresque, slavnostně k žánru destinatoa velký úspěch až v osmnáctém století a portréty se nastavení naturalistické (gentleman s objímkou, Madrid, Prado) přispěje k vyjasnění nejhlubší inspirace umělce, který má za cíl zvýšit expresivní možnosti barev, někdy s compiacimenti účinný. “Prohloubit viz Gedea umění vol. 7 pp 262-269” “prohloubit viz Gedea umění vol. 7 pp 262-269”

Slovníkový
Sm. [Z francouzské rokokové, úpravám, odlehčený, rocaille]. Dekorativní styl, který se vyvinul v Paříži kolem roku 1730 a jež dominovala na jiné styly pro asi dvacet let, šíření a pak vpravo směrem na konci století v severních regionech Francie, Itálie a střední Evropy na Rusku. S hodnotou Adj. náležející do přesně tento styl: mobilní fasádní, rokokové chuti; pro rozšíření, umělé lambiccato, ale bez milosti: účes rokokové.

Art: ve Francii
Vášnivě staví proti současných classicistiche proudů a tardobarocche, rokokové byl považován za negativně na celém v devatenáctém století až do první kritické analýzy provedené bratři De Goncourt, kteří varovali jak úzký vztah s konkrétní koncepci sociálního života, jak estetické revoluční ho informoval. Ideologicky rokokový je uměleckým vyjádřením aristokratům kosmopolitní přichází na konci své historické funkce, která maskuje svědomí pokles s filozofií úniky od reality a vytvoření fiktivního světa na mýtu o věčné mládí a unruffled požitek. Sociální chování je poté upravena na koncepty vytříbenosti a elegance, dokud tomu přistupovat lehkovážně na jedné straně a filozofických volnomyšlenkářství z jiného. Únik od reality se objevuje jak na intelektuální úrovni a na existenční a každý detail a životního prostředí by měla být poskytnuta na způsob života – to vše musí být krásné, opravdu “hezké”, protože pojem krása je tvořen pouze co je citlivé a křehké, jemnými jasné, malebné. V rámci tohoto aspektu chápeme a potom “nezbytnosti” určitého typu oblečení (církevní roucho číst z hedvábí a pokryje bavlněnou tkaninou v pastelových odstínů, bílý paruku, malý kousek vhodné látky obličej a bez věku, pak věčně mladých), který odpovídá určitý typ prostředí pro život. Estetické revoluce rokokové dochází ve skutečnosti harmonický souhra všechny podrobnosti o vybavení, které přispívají ke všem umění a “malé” jsou hodnoceny samozřejmě na roveň s tradičně “noble”) přejděte k vytvoření ekologické prostředí a homogenní. Historickou skutečnost, ze které můžete začít rokokové (i když prostory jsou sledovatelné od posledních let XVII. století) je přenos soudu z Versailles v Paříži po smrti Louis XIV (1715), zadala regent vévoda Orléans skutečnost, že určené pro šlechty potřeba přebudovat soukromé paláce kapitálu, po dlouhých let obývají pouze příležitostně. Aby se zabránilo v uzavřených prostorách rychle se vyvíjela v období regency chuť pro světlé stěny, “otevřené” hojností zpětných zrcátek a illeggiadrite štukatura světla pro malé nábytku a lakovaných v pastelových odstínů, pro vedoucí pracovníky i světlými odstíny pro ozdoby minimální velikost objektu a lehkovážné, jednoznačný nesouhlas s nábytkem Louis XIV, přepychové (ale také těžké) dominuje tmavé barvy a zlacením. Vzácné byly ve Francii velké architektonické poznání, které usufruirono struktury barokní stále stejně jako velmi střízlivě a funkční zaměřené v praxi jako podporu dekorace, většinu z nich vnitřní fasády, odvozeno z celé řady perfecta de sus repertorios (je třeba připomenout, že v 1734 J. A. Meissonnier, jejichž výkresy ovlivnil hluboce na výrobu řezbářů a zlatníků epochy); tato výzdoba byla založena na nekonečný variant, lepší pokud asymetrické zakřivené linie, která definice přírodní prvky (listy, květiny, zvířat) podle duchu půvabným, bývá často exotických eleganci a skvělé na východě (mistrovská díla v tomto smyslu jsou Hôtel de Matignon č. Pineau z 1720-31 a Hôtel de Soubise z G. Boffrand, také zdobí F. Boucher, 1736). Ve francouzské architektury, jsou ve skutečnosti mnohem častěji na výstavbu malé rozměry pro parky a zahrady (někdy Ekonomická racionalita podepírající konstrukci těchto “Czech” podle kanovníků z malebné a vhodnější pro novou chuť): pavilony lovu, “Casini potěšení”, sans-soucis, monrepos, ermitages, spojené s potřebami pozemské života. Plastika byla pokuta dekorativní výhradně pro změkčení tvarů, obohacený popisné informace a obecně líčí mytologických znaků podle deklarovaný záměr erotické. Lakování, z jasné barvy a vynikající rozložit na dotek a nuance na rychlé vykreslování a rozbité, má úzký analogie s porcelánu, gravírování, tkaniny pro nábytek, protože popisuje pastorační scény, idylls, hody galanti a campestri, erotické epizody, Denní chronicles, vyjádření s nádechem ironie škodlivý nebo zásady života lehkovážné ale rafinovaný. Ve Francii je zvykem rozlišovat a první období Regency (1715-30) v generaci architekta G. M. Oppenordt na zdobení F. A. Vassé a ebanist Ch. Cressent, malíři J. A. Watteau, J. B. Pater a J. M. Nattier; období rocaille (1730-45), najde nejvyšší projevu v Meissonnier, Pineau, Boucher a Chardin, posledního období Pompadour (1745-64) involuto již v některých dekorativních nezvládnutelnou institucí a částečně ovlivněn linearismo klasicistní zastoupené architekta J. A. Gabriel, zdobení J. Verbeckt a J. H. Fragonard.

Art: v jiných evropských zemích
Mimo Francii rokokový rozšíří v krátké assolutistiche předpokládá, že jako model společenského života francouzské šlechty, idealizované jako depozitáře vědět jak žít a podle chuti. Za deset let 1730-40 umělci a francouzské řemeslníci, byly ve skutečnosti vyzvala ve všech soudů v Evropě začíná tento jev internacionalizace figurální kultury typické pro celou druhou polovinu století. Tento jev žili právě na obrázek křižování umělce (Itálie stačí si namalovaná a Rosalba davvero un che), který podnítil především rozvoji řemesel na kánony jsou společné pro celou Evropu, podle procesu řídí nejen vývoj chuti, ale také, a vyhlásil stejný vládci v souladu s právními předpisy o hospodářské expanzi. Podobné pohyby rokokové, i když ne zcela s ní, se manifestovaly v Anglii (nábytku Chippendale, přes jejichž výklady se navíc rokokové chuť byla zavedena v Americe a v určitých témat obrazová z Hogarth na Gainsborough) a ve Španělsku (churriguerismo). Pro Itálii je možné hovořit o rokokové zejména pro dekorativní umění, neidentifikovatelný v mezinárodní chuti (štuk, Serpotta; “Čínské skříň” pro palác Portici, nyní oplodí, vše v porcelánu a zpětných zrcátek), zatímco architektonických staveb na vrtošivé rostliny křivky se konaly pouze v soukromých budovách malé rozměry (Villa Palagonia v blízkosti Bagheria Palermo), stále naživu barokní tradice, který je spojen zejména s committenza církevních. Co se týká italské mobilní chuť francouzského rokokové rozvíjet prostřednictvím částečné přijetí stylové prvky Louis XV a postupné transformaci prvky barokní výzdobě (styl barokní). V Benátkách v rámci nezávislé rozvoj (a řešit je z velké části na zahraničních klientů), že malba, můžete definovat v rokokové stylu výběr témat jako rozmar, fantastický výhled na scénu života (Marco Ricci, Zais, Guardi a Longhi) a rozšířené používání pastelových a watercolor (Rosalba davvero un che). Styl rokokový splnila své hlavní vývoj v německy mluvících zemí podle dvou destinací přesné a jasně rozlišené: na jedné straně architektury a plavidla na soudy, burnett také původní formy ale vždy uvnitř francouzského modelu, na druhé straně architektury, chápat jako syntéza mezi vesmírem a dekorace, kostelů a klášterům, představuje poslední velké autonomní vyjádření tohoto odvětví architektury. V okolí četné německé soudy proliferarono hrady, noble residences, malé stavby potěšení, že se předpokládá ve velikosti důraznou nebo dokonce rétorické rostliny na zakřivené linie a eliptická soukromých stavebních francouzské (pouze královské hrady vám mů žeme o monumentalitě klasicistní Versailles) a rozvinuté dekorace v tóny více nebo méně umírněných podle přesné místní varianty (povolení k pobytu pro prince-biskupa Würzburg, 1719-44, B. Neumann, ve spolupráci s R. de vařené a J. L., Hildebrandt a freskami namalovaná; Palazzina di deka = deset; odtud také název cyklu Amalienburg z do parkovací zámek Nymphenburg v Mnichově, 1734, F. de Cuvilliés). Církevní architektura vzkvétala zejména v Bavorsku a v Čechách s bratry bratří Asamů, D. Zimmermann, Dientzenhofer a v Rakousku, zejména s Fischer von Erlach, který vyvinul prostory již existující v architektuře místní tardobarocca dospět k vybudování budovy se vyznačuje prostornosti a jas (jedinečné místo pro rostlinné elipsovitého nebo oválné, bílé zdi, velké a četné windows, štuk a zlacením, zdůraznit strukturální prvky a nastavení kompozice plátna a freskami), kde proveďte dokonalou harmonii a propojenost mezi celkem konstruktivní prvky a obrazných. Také obrazová produkce není předpokládat autonomní roli, ale s ohledem na zvláštní potřeby, byla zaměřena téměř výhradně na ilustraci historické objekty – oslava v alegorických tóny – mytologických nebo náboženských témat; pak se rozvinula do velkého plátna a fresek i přes značné lehkosti a vaporosità provedení, vyplývají z barokní výzdobou Italiana (F). A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Obecný popis
Převodovka délky řezanky. Angličtina (zkratka lidovým uměním, lidovým uměním) používané v italské jako sf. Zavedené vědce L. Flieder a R. Banham a přijal v roce 1961 kritik Czech L. Alloway termín označuje umělecké pohyb avant-garde se narodil v paralelní ve Velké Británii a Spojených státech kolem 1955 jako reakce na lakování abstraktní také expresionisté němečtí. Umělci pop art draw tvarů a jazyk z repertoáru hromadných sdělovacích prostředků, tj. na komunikační prostředky a masové kultury: televizní reklama obrázky, fotografie, komiks, spotřební materiál apod.; mohou proto sloužit obrazů a objektů, které již existují, manipulovat a v různých způsobů, můžete načíst nový expresivitu. Cílem tohoto hnutí je odečtěte umělecké činnosti svým charakterem jedinečné zkušenosti a subjektivní a namísto toho riaccostare umění pro každodenní realitou. Je z nabídek triviální a každodenní život pop art, zprostředkovávají různé zkušenosti kubismu, Futurism, Dadaism a surrealismu, měla své první definici ve Velké Británii prostřednictvím činnosti nezávislé skupiny London (1953-58). První opera Czech pop, výroba Richard Hamilton, byl zapsán na výstavě “Toto je zítra”, která se konala v Londýně v roce 1956. Ve Spojených státech se pop art vznikl z důvodu vyčerpání abstraktní zkušeností, se zastaví na konci neformální a zejména exaltations “objekt” spotřebované umělci nové Dada.
Španělský malíř (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Trénuje v Seville, pak živé centrum a obrazných kultury realistické povahy. V 1617 si otevírá vlastní obchod na Llerena, Extremadura, ale 1629 se usadil zpět do Seville a zůstal tam (s výjimkou pobytu v Madridu v roce 1634), dokud 1659 ca. Při snížené v podmínkách extrémní chudoby, se přestěhoval do Madridu, kde se snažil marně se vkládají do kulturní atmosféru města. Činnost Zurbaran esplicò je téměř výlučně na výrobu posvátné obrazy velmi vysoký počet ca. 600) a kvalita někdy není vznešené, částečně v důsledku široké využití spolupracovníků v části k chvíle krize malíř, zejména v posledních letech života při bylo považováno za přijaté jeho současníci ve prospěch Murillo. Styl Zurbaran zahrnuje jak naturalismus typické sevillian vyvinutý a vnesl do nejvyšší výsledků pro použití barev, vždy přehledná a ohromující i v tmavých tónů, disegnativa tradice manýrismus španělské, což s sebou nese malíř vyřešit jeho kompozice v číselné údaje v prvním patře, z elegantní kontury a řezáky, zřetelně odděleny od neutrální finančních prostředků nebo tmavé, mimo jakékoli historické atmosféru. Většina z jeho díla bylo provedeno v sakrálních cyklů pro kostely a kláštery v Seville a dalších španělských měst (v současné době rozptýleny mezi různými muzea) Upřímně nespojuje náboženské cítění populární (obrazy pro Merced Calzada v Seville, 1629; obrazy pro pero Senora de la Defension v Jerez de la Frontera, 1638-39). Slavný seriál svatých, kteří pierce, misticheggianti podněty k oslavě dekorativní elegantně. Kolem 1633 Zurbaran věnoval také na krátkou dobu k síti Natura morta, přičemž jedním z největších uměleckých děl žánru, absolutní čistota: misky cedrech, koš pomeranče a vnější kroužek s růžovým (1633, již ve Florencii, Contini Bonacossi sbírka od roku 1973 v Los Angeles, z Pasadeny Norton Simon Foundation). Vliv Zurbaran, spíše omezený ve Španělsku, je místo toho obrovské v Latinské Americe, zejména v Peru, kde malíř odeslané četné stavební práce v období 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Španělský malíř Seville (1617-1682). Umělecké počátky Murillo byla v zásadě souvisí s city Vánoce, nejprve jako student nevalný Juan del Castillo, pak jako nezávislý akademický malíř, citlivý na umění Ribera, Zurbarán, Velázquez; mladý děl, silná v designu a podle vzoru, ale v podstatě jen málo originálů také prokázat pro sdílení generické caravaggismo vznášejí ve španělštině a životní prostředí. Kontakty s italskými nátěr prostřednictvím B. a Lecce 1 A. Vaccari, vlámských a (snad navštívil královské sbírky během své cesty do Madridu v roce 1648, kde by mohl studovat díla Rubens a van Dycka), pobízeni původní interpretaci colorismo veneto, ke kterému připojí k lehké hluboce scenographic a barokní; tyto znaky jsou již uvedeny v jedenácti obrazy s zázraků františkánský svatých pro convent of the homonymní v Seville (1645-48), dnes roztříštěné a v narození Panny (Paříž, Louvre), triumfální počátky dlouhé činnosti ve službách confraternities a náboženských řádů ve kterých Murillo se ukázalo být upřímné a interpreteru přesvědčovat o mysticismus proti reformní. Výklad realistické jemně populární folkové a komunikativním posvátného epizodu, stále zřejmější v dílech zralé (cyklus pro Hospice charity v Seville, ca. 1670-80: hojení paralytického v bazénu, London, Národní galerie; návrat marnotratného syna, Washington, Národní galerie), se připojily k vyspělosti barvy a vysoce kvalitní formální, o složení Murillo témata nejoblíbenější náboženské oleografia (myšlení z nesčetných verzí Neposkvrněného početí, z nichž některé v Madridu Prado), které se nemění v opotřebení obrazu, skutečné a vysoké umělecké hodnoty. Cyklů obrazy rodu popolaresco (chlapci, kteří jedí ovoce, Monako, Alte pinakotéka moderny galicijská; okno, Washington, Národní galerie), účinné otvory na světě picaresque, slavnostně k žánru destinatoa velký úspěch až v osmnáctém století a portréty se nastavení naturalistické (gentleman s objímkou, Madrid, Prado) přispěje k vyjasnění nejhlubší inspirace umělce, který má za cíl zvýšit expresivní možnosti barev, někdy s compiacimenti účinný. “Prohloubit viz Gedea umění vol. 7 pp 262-269” “prohloubit viz Gedea umění vol. 7 pp 262-269”

Slovníkový
Sm. [Z francouzské rokokové, úpravám, odlehčený, rocaille]. Dekorativní styl, který se vyvinul v Paříži kolem roku 1730 a jež dominovala na jiné styly pro asi dvacet let, šíření a pak vpravo směrem na konci století v severních regionech Francie, Itálie a střední Evropy na Rusku. S hodnotou Adj. náležející do přesně tento styl: mobilní fasádní, rokokové chuti; pro rozšíření, umělé lambiccato, ale bez milosti: účes rokokové.
Art: ve Francii
Vášnivě staví proti současných classicistiche proudů a tardobarocche, rokokové byl považován za negativně na celém v devatenáctém století až do první kritické analýzy provedené bratři De Goncourt, kteří varovali jak úzký vztah s konkrétní koncepci sociálního života, jak estetické revoluční ho informoval. Ideologicky rokokový je uměleckým vyjádřením aristokratům kosmopolitní přichází na konci své historické funkce, která maskuje svědomí pokles s filozofií úniky od reality a vytvoření fiktivního světa na mýtu o věčné mládí a unruffled požitek. Sociální chování je poté upravena na koncepty vytříbenosti a elegance, dokud tomu přistupovat lehkovážně na jedné straně a filozofických volnomyšlenkářství z jiného. Únik od reality se objevuje jak na intelektuální úrovni a na existenční a každý detail a životního prostředí by měla být poskytnuta na způsob života – to vše musí být krásné, opravdu “hezké”, protože pojem krása je tvořen pouze co je citlivé a křehké, jemnými jasné, malebné. V rámci tohoto aspektu chápeme a potom “nezbytnosti” určitého typu oblečení (církevní roucho číst z hedvábí a pokryje bavlněnou tkaninou v pastelových odstínů, bílý paruku, malý kousek vhodné látky obličej a bez věku, pak věčně mladých), který odpovídá určitý typ prostředí pro život. Estetické revoluce rokokové dochází ve skutečnosti harmonický souhra všechny podrobnosti o vybavení, které přispívají ke všem umění a “malé” jsou hodnoceny samozřejmě na roveň s tradičně “noble”) přejděte k vytvoření ekologické prostředí a homogenní. Historickou skutečnost, ze které můžete začít rokokové (i když prostory jsou sledovatelné od posledních let XVII. století) je přenos soudu z Versailles v Paříži po smrti Louis XIV (1715), zadala regent vévoda Orléans skutečnost, že určené pro šlechty potřeba přebudovat soukromé paláce kapitálu, po dlouhých let obývají pouze příležitostně. Aby se zabránilo v uzavřených prostorách rychle se vyvíjela v období regency chuť pro světlé stěny, “otevřené” hojností zpětných zrcátek a illeggiadrite štukatura světla pro malé nábytku a lakovaných v pastelových odstínů, pro vedoucí pracovníky i světlými odstíny pro ozdoby minimální velikost objektu a lehkovážné, jednoznačný nesouhlas s nábytkem Louis XIV, přepychové (ale také těžké) dominuje tmavé barvy a zlacením. Vzácné byly ve Francii velké architektonické poznání, které usufruirono struktury barokní stále stejně jako velmi střízlivě a funkční zaměřené v praxi jako podporu dekorace, většinu z nich vnitřní fasády, odvozeno z celé řady perfecta de sus repertorios (je třeba připomenout, že v 1734 J. A. Meissonnier, jejichž výkresy ovlivnil hluboce na výrobu řezbářů a zlatníků epochy); tato výzdoba byla založena na nekonečný variant, lepší pokud asymetrické zakřivené linie, která definice přírodní prvky (listy, květiny, zvířat) podle duchu půvabným, bývá často exotických eleganci a skvělé na východě (mistrovská díla v tomto smyslu jsou Hôtel de Matignon č. Pineau z 1720-31 a Hôtel de Soubise z G. Boffrand, také zdobí F. Boucher, 1736). Ve francouzské architektury, jsou ve skutečnosti mnohem častěji na výstavbu malé rozměry pro parky a zahrady (někdy Ekonomická racionalita podepírající konstrukci těchto “Czech” podle kanovníků z malebné a vhodnější pro novou chuť): pavilony lovu, “Casini potěšení”, sans-soucis, monrepos, ermitages, spojené s potřebami pozemské života. Plastika byla pokuta dekorativní výhradně pro změkčení tvarů, obohacený popisné informace a obecně líčí mytologických znaků podle deklarovaný záměr erotické. Lakování, z jasné barvy a vynikající rozložit na dotek a nuance na rychlé vykreslování a rozbité, má úzký analogie s porcelánu, gravírování, tkaniny pro nábytek, protože popisuje pastorační scény, idylls, hody galanti a campestri, erotické epizody, Denní chronicles, vyjádření s nádechem ironie škodlivý nebo zásady života lehkovážné ale rafinovaný. Ve Francii je zvykem rozlišovat a první období Regency (1715-30) v generaci architekta G. M. Oppenordt na zdobení F. A. Vassé a ebanist Ch. Cressent, malíři J. A. Watteau, J. B. Pater a J. M. Nattier; období rocaille (1730-45), najde nejvyšší projevu v Meissonnier, Pineau, Boucher a Chardin, posledního období Pompadour (1745-64) involuto již v některých dekorativních nezvládnutelnou institucí a částečně ovlivněn linearismo klasicistní zastoupené architekta J. A. Gabriel, zdobení J. Verbeckt a J. H. Fragonard.

Art: v jiných evropských zemích
Mimo Francii rokokový rozšíří v krátké assolutistiche předpokládá, že jako model společenského života francouzské šlechty, idealizované jako depozitáře vědět jak žít a podle chuti. Za deset let 1730-40 umělci a francouzské řemeslníci, byly ve skutečnosti vyzvala ve všech soudů v Evropě začíná tento jev internacionalizace figurální kultury typické pro celou druhou polovinu století. Tento jev žili právě na obrázek křižování umělce (Itálie stačí si namalovaná a Rosalba davvero un che), který podnítil především rozvoji řemesel na kánony jsou společné pro celou Evropu, podle procesu řídí nejen vývoj chuti, ale také, a vyhlásil stejný vládci v souladu s právními předpisy o hospodářské expanzi. Podobné pohyby rokokové, i když ne zcela s ní, se manifestovaly v Anglii (nábytku Chippendale, přes jejichž výklady se navíc rokokové chuť byla zavedena v Americe a v určitých témat obrazová z Hogarth na Gainsborough) a ve Španělsku (churriguerismo). Pro Itálii je možné hovořit o rokokové zejména pro dekorativní umění, neidentifikovatelný v mezinárodní chuti (štuk, Serpotta; “Čínské skříň” pro palác Portici, nyní oplodí, vše v porcelánu a zpětných zrcátek), zatímco architektonických staveb na vrtošivé rostliny křivky se konaly pouze v soukromých budovách malé rozměry (Villa Palagonia v blízkosti Bagheria Palermo), stále naživu barokní tradice, který je spojen zejména s committenza církevních. Co se týká italské mobilní chuť francouzského rokokové rozvíjet prostřednictvím částečné přijetí stylové prvky Louis XV a postupné transformaci prvky barokní výzdobě (styl barokní). V Benátkách v rámci nezávislé rozvoj (a řešit je z velké části na zahraničních klientů), že malba, můžete definovat v rokokové stylu výběr témat jako rozmar, fantastický výhled na scénu života (Marco Ricci, Zais, Guardi a Longhi) a rozšířené používání pastelových a watercolor (Rosalba davvero un che). Styl rokokový splnila své hlavní vývoj v německy mluvících zemí podle dvou destinací přesné a jasně rozlišené: na jedné straně architektury a plavidla na soudy, burnett také původní formy ale vždy uvnitř francouzského modelu, na druhé straně architektury, chápat jako syntéza mezi vesmírem a dekorace, kostelů a klášterům, představuje poslední velké autonomní vyjádření tohoto odvětví architektury. V okolí četné německé soudy proliferarono hrady, noble residences, malé stavby potěšení, že se předpokládá ve velikosti důraznou nebo dokonce rétorické rostliny na zakřivené linie a eliptická soukromých stavebních francouzské (pouze královské hrady vám mů žeme o monumentalitě klasicistní Versailles) a rozvinuté dekorace v tóny více nebo méně umírněných podle přesné místní varianty (povolení k pobytu pro prince-biskupa Würzburg, 1719-44, B. Neumann, ve spolupráci s R. de vařené a J. L., Hildebrandt a freskami namalovaná; Palazzina di deka = deset; odtud také název cyklu Amalienburg z do parkovací zámek Nymphenburg v Mnichově, 1734, F. de Cuvilliés). Církevní architektura vzkvétala zejména v Bavorsku a v Čechách s bratry bratří Asamů, D. Zimmermann, Dientzenhofer a v Rakousku, zejména s Fischer von Erlach, který vyvinul prostory již existující v architektuře místní tardobarocca dospět k vybudování budovy se vyznačuje prostornosti a jas (jedinečné místo pro rostlinné elipsovitého nebo oválné, bílé zdi, velké a četné windows, štuk a zlacením, zdůraznit strukturální prvky a nastavení kompozice plátna a freskami), kde proveďte dokonalou harmonii a propojenost mezi celkem konstruktivní prvky a obrazných. Také obrazová produkce není předpokládat autonomní roli, ale s ohledem na zvláštní potřeby, byla zaměřena téměř výhradně na ilustraci historické objekty – oslava v alegorických tóny – mytologických nebo náboženských témat; pak se rozvinula do velkého plátna a fresek i přes značné lehkosti a vaporosità provedení, vyplývají z barokní výzdobou Italiana (F). A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Obecný popis
Převodovka délky řezanky. Angličtina (zkratka lidovým uměním, lidovým uměním) používané v italské jako sf. Zavedené vědce L. Flieder a R. Banham a přijal v roce 1961 kritik Czech L. Alloway termín označuje umělecké pohyb avant-garde se narodil v paralelní ve Velké Británii a Spojených státech kolem 1955 jako reakce na lakování abstraktní také expresionisté němečtí. Umělci pop art draw tvarů a jazyk z repertoáru hromadných sdělovacích prostředků, tj. na komunikační prostředky a masové kultury: televizní reklama obrázky, fotografie, komiks, spotřební materiál apod.; mohou proto sloužit obrazů a objektů, které již existují, manipulovat a v různých způsobů, můžete načíst nový expresivitu. Cílem tohoto hnutí je odečtěte umělecké činnosti svým charakterem jedinečné zkušenosti a subjektivní a namísto toho riaccostare umění pro každodenní realitou. Je z nabídek triviální a každodenní život pop art, zprostředkovávají různé zkušenosti kubismu, Futurism, Dadaism a surrealismu, měla své první definici ve Velké Británii prostřednictvím činnosti nezávislé skupiny London (1953-58). První opera Czech pop, výroba Richard Hamilton, byl zapsán na výstavě “Toto je zítra”, která se konala v Londýně v roce 1956. Ve Spojených státech se pop art vznikl z důvodu vyčerpání abstraktní zkušeností, se zastaví na konci neformální a zejména exaltations “objekt” spotřebované umělci nové Dada.