Skip to:
Content
Pages
Categories
Search
Top
Bottom

General

Name

bruelles

About Me

Pictorul spaniol (Fuente de la, Badajoz, 1598-Madrid 1664). El a instruit de la Sevilla, apoi din plin de centrul figurat cultura realista. În 1617 a deschis magazinul propriu la Llerena, în Extremadura, dar in 1629 se aşeză din nou la Sevilla şi au rămas acolo (cu excepţia o şedere de la Madrid din 1634) până când 1659 nu pot. Când se reduce, in conditii de extrema saracie, s-a mutat la Madrid unde a incercat in zadar sa fie inserat în climat cultural al oraşului. Activitatea de Zurbaran esplicò este aproape exclusiv în producţia de imagini sacre de numărul foarte ridicat (nu poate. 600) şi de calitate nu uneori sublime, datorate în parte în folosirea larga de colaboratori, în parte la momente de criza de pictor, mai ales in ultimii ani de viata atunci cand a fost considerat adoptat cu contemporanii săi în favoarea Murillo. Stil de Zurbaran cuprinde atât naturalism sevillian tipic, dezvoltat şi aduse la cea mai mare rezultate pentru utilizarea de culoare, întotdeauna lucid şi orbire chiar în tonuri întunecate; atât disegnativa tradiţie a tic spaniolă, care transportă pictor de a rezolva compoziţii lui in cifrele de la primul etaj, de contururi elegante şi fata ai primei dentitii, separate în mod clar de la poziţia neutră de fonduri sau de întuneric, în afara orice ambianţă istorice. Cele mai multe dintre lucrarile sale au fost efectuate în calitate de cicluri de evlavie pentru biserici si manastiri din Sevilla şi alte oraşe spaniole (în prezent dispersate intre diferitele muzee), sincer părtaşi la sentimente religioase populare (tablouri pentru Merced Calzada Nr de la Sevilla, 1629; picturi pentru Nuestra Senora de la Defension la Jerez de la Frontera, 1638-39). Celebra serie de sfinţi care poansonaţi prin misticheggianti indiciile de la celebrarea decorative de elegant. În jurul PENTRU 1633 MOTOR Zurbaran daruire si de asemenea pentru scurt timp pentru a Retelei Natura morta, lăsând una dintre marile capodopere de gen, de absolută puritate: vasul de cedrii, un coş de portocale şi de ceaşcă cu roz (pentru 1633 motor, deja în Florenţa, Contini Bonacossi colectarea, din 1973 în Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Fundatie). Influenţa Zurbaran, mai degrabă limitate în Spania, a fost in locul uriaşă în America Latină, mai ales in Peru, unde pictorul trimis numeroase lucrari in perioada 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Pictorul spaniol Sevilia (1617-1682). Începuturile Murillo artistic au fost în esenţă legată de oraş de Crăciun, mai întâi ca un student de mediocri Juan Del Castillo, apoi ca independent pictor, sensibile la arta Ribera, Zurbarán, Velázquez şi; lucrarile tineresc, puternic în design şi modelat dar substanţial putin originale de asemenea demonstra un părtaş al caravaggismo generic plutind în spaniolă de mediu. Contacte cu pictura italiene, prin B. Cavallino şi A. Vaccari, flamandă şi (poate a vizitat royal colecţii în timpul o excursie la Madrid in 1648, unde sa studieze lucrari de Rubens şi van Dyck), impulsionate un original interpretarea colorismo veneto la care se alătură o lumina utilizaţi profund scenographic si baroc; aceste caractere apar deja în unsprezece tablouri cu minuni ale sfintilor Franciscan pentru manastirea de omonime ordinea în Sevilia (1645-48), astăzi dispersată, şi în naşterea Virgin (Paris, Luvru), triumfal începuturile de mult activitatea la serviciul confraternities şi ordinele religioase in care Murillo dovedit a fi sincera interpret si convingator de misticism contra-reformist a. Interpretarea realist, uşor populara si comunicativ de episod sacru, din ce în ce mai evident în lucrările de maturitate (ciclu pentru Hospice de pomana de la Sevilla, nu pot. 1670-80: vindecarea paralitică la piscină, Londra, Galeria Naţională; intoarcerea fiului risipitor, Washington, Galeria Naţională), a aderat la rafinamentul culorii şi titluri de înaltă calitate, au facut de compoziţii de Murillo subiectele cele mai populare religioase oleografia (gândea nenumarate versiuni de concepţie imaculată, de care unii de la Madrid Prado), care a ajuns sa modifice, de uzură a imaginii, real şi de mare valoare artistica. Ciclurile de tablouri de genul popolaresco (băieţii care mânca fructe, Monaco, Pinacoteca Balance Galician Indonesian; fereastra, Washington, Galeria Naţională), eficiente, deschiderile de pe picaresque lumea care a inaugurat un gen destinatoa mare succes până în secolul al optsprezecelea prezentate si portretele de metodä naturalistä setarea (domn cu guler, Madrid, Prado), va contribui la clarificarea cea mai profundă inspiraţie de artist, care are scopul de a îmbunătăţi posibilităţile expresive de culoare, uneori cu compiacimenti virtuos. – De a aprofunda Consultaţi Gedea Arta vol. 7 pp 262-269″ – de a aprofunda Consultaţi Gedea Arta vol. 7 pp 262-269″

Acest lexic-
Sm. [Din franceză rococo, modificare, de vesel de rocaille]. Stilul decorativ care a dezvoltat în Paris în jurul 1730 şi care a dominat de pe alte stiluri pentru aproximativ douazeci de ani, întindere şi apoi la dreapta spre sfarsitul secolului în regiunile nordice din Franţa, Italia şi Europa Centrală până la Rusia. Cu valoarea de reglaj., aparţinând, exact acest stil: Mobile, faţadă, rococo gust; pentru extensia, lambiccato artificiale, dar nu fără har: o coafura rococo.

Arta: în Franţa
Fioros contestata de curenţi şi tardobarocche classicistiche contemporan, rococo a fost considerat negativ pe tot parcursul secolului al nouăsprezecelea până când prima analiza critica efectuate de fratii de Goncourt (, care a avertizat atât în strânsă legătură cu o anumită concepţie a vieţii sociale, atât estetic de revolutionar il informeaza. Din punct de vedere ideologic de rococo este de expresie artistica aristocratiei de cosmopolit provin de la sfârşitul funcţiei sale istorice, care măşti de constiinta de declin cu o filozofie de evaziune fiscala de realitate, creând o lume fictiv pe mitul tineretii vesnice si a pleca seninătate. Comportamentul social este apoi reglate pe conceptele de rafinament şi eleganţă, până când frivolitate, pe de o parte şi de alta. libertinism filosofice Evadarea de la realitate se produce atât pe nivelul intelectual şi pe existenţial şi fiecare detaliu al mediului ar trebui să fie acordată la modul de viaţă: Totul trebuie să fie frumos, într-adevăr – frumos”, deoarece conceptul de frumusete cuprinde în sine numai ceea ce este delicat si fragil, nuantata, clar, pitoresc. Sub acest aspect am înţeles atunci “necesitate” a unui anumit tip de îmbrăcăminte (vesminte preotesti brodate citit de mătase şi muselină în nuanţe pastelate, alb peruca care embellishes faţa şi face fără vârstă, apoi veĺźnic tineri), care corespunde unui anumit tip de mediu în care să trăim. Revoluţia estetică a rococo apare de fapt in interactiunea armonioasa a tuturor detaliilor de mobilier, care contribuie în mod egal pentru toate artele (şi “minor” sunt evaluate în mod evident pe un par cu cele în mod tradiţional – nobil”) se referă la crearea unor medii organice şi omogene. Faptul istoric din care puteţi începe rococo (chiar dacă spaţiile sunt urmarita pana la ultima ani din secolul al XVII-lea) este transferul de curtea de la Versailles la Paris după moartea lui Louis XIV (1715), mandatat de regent Ducele de văduva s, faptul ca determinate de nobili de necesitatea de a reorganiza palate private de capital, de ani lungi locuita numai ocazional. Să scape de spatii limitate a dezvoltat rapid în perioada regenţei de gust pentru pereţii de palid, “deschisă” de diversitatea de oglinzi şi illeggiadrite stuc lumină de lucru pentru mobilier de mici si lacuit în nuanţe pastelate, pentru directorii de la nuanţele de asemenea, pentru ornamente de dimensiunea minimă şi sub rezerva superficiali, în clar opozitia fata de mobilier Louis XIV, somptuos (dar si grele) dominat de culori şi de disimulat intr. Au fost rare în Franţa arhitecturale realizări, care structurile usufruirono baroce în continuare la fel de mult ca foarte sobru şi funcţionale, menit in practica pentru ca un suport de decorare, majoritatea ca faţadele interioare, rezulta de o serie intreaga de repertories (este amintit că în 1734 de către J. A. Meissonnier, a carui desene influenţată profund asupra productiei sau cioplitori si nici cu atelierului de epocii); aceasta decorare se baza pe variaţii de infinit, mai bine dacă asimetrica, linia curbă care definite elementele naturale (frunze, flori, animale conform unui spirit graţios că adesea referire eleganţa exotice fabulos şi de Est (capodopere în acest sens sunt Hôtel de Pineau Matignon de Nr. de 1720-31 şi Hôtel de Soubise din G. Boffrand, de asemenea decorate de F. Boucher, 1736). În arhitecturii franceze sunt de fapt mult mai frecvent la constructii de mici dimensiuni pentru parcuri şi grădini (readapted uneori aceste “Engleză” potrivit canoanelor de pitoresc, mai potrivite pentru noul gust): pavilioane de vanatoare, “Casini Reprezentanti ai Uniunii a”, delicii sans-soucis, monrepos, ermitages, conectate cu nevoile de viata lumeasca. Sculptura a fost o amenda decorative de exclusiv, inmuiere formele, îmbogăţit prin detalii descriptive şi general înfăţişând poveşti mitologice de caractere în funcţie de o intentiei declarate erotic. Vopsirea, de la culoarea şi răspândirea strălucitoare ca să atingă si nuante pe un desen de rapidă şi rupte, are analogii înguste cu portelan, gravura, Ţesături pentru mobilier, deoarece înfăţişează scene idilică, idylls, sarbatorile galanti si campestri erotic episoade, zilnic cronicile, exprimand cu accente ironic de rău intenţionat sau principiile de o viata de neserioase dar rafinat. Pentru Franţa este de a distinge o prima perioada Regency (1715-30) în generarea de arhitectul G. M. Oppenordt de decorator F. A. Vassé şi a ebanist Ch. Cressent, de zugravi J.-A. Watteau, J. B. 20 August 1999 şi J.-M. Nattier; o perioada rocaille (1730-45) care găseşte expresia cea mai înaltă în Meissonnier, Pineau, Boucher şi Chardin; o ultima perioada pieptănătură pretenţioasă (1745-64) involuto deja în anumite unwieldiness decorative şi în parte influenţată de linearismo clasiciste, reprezentat de arhitectul J. A. Gabriel, decorarea de către J. Verbeckt şi J. H. Fragonard.

Arta: în alte ţări europene
În afara Franţei de rococo a devenit larg răspândite în scurt assolutistiche care presupune ca un model de viata sociala nobili de franceza, idealizata ca depozitar de a şti cum să trăiască şi gust. În deceniul 1730-40 artisti si mesteri franceze au fost de fapt invitat în toate tribunalele din Europa începând cu fenomenul de internaţionalizare a figurat cultura tipic pentru a doua jumatate a secolului. Acest fenomen a trait cu precizie pe figura ratacitor artist (Pentru Italia, este suficient să se gândească la un Tiepolo şi Rosalba Carriera), care a stimulat peste toate dezvoltarea mestesugurilor de tancuri sunt comune pentru intreaga Europa conform unui proces reglementat nu numai de evolutia de gust, dar de asemenea, şi declarate de către aceeaşi putere, de legile de expansiunea economica. Mişcări similare la rococo, chiar daca nu total identificat cu acesta, au fost manifestate în Anglia (în mobilier Chippendale, prin al cărui interpretari, mai mult, rococo gust a fost introdus în America şi în anumite teme Hogarth pictoriale de la Gainsborough) şi în Spania (churriguerismo). Pentru Italia se poate vorbi de rococo mai ales pentru artele decorative, părtaşi la gust international (stucul de Serpotta; “guvernul chinez” pentru Palatul Portici, acum la Capodimonte, totul din porţelan şi oglinzi), în timp ce la constructii arhitectonice capricioase curbele de plante a avut loc doar în clădirile private de mici dimensiuni (Villa Palagonia în Bagheria langa Palermo), fiind inca viu baroc de traditie, legate în special de committenza eclesiastică. Pentru ceea ce se referă la italiană mobil, gustul franceză rococo dezvoltat prin adoptarea parţială de elemente stilistice Louis XV şi transformarea progresivă de elemente de stil Baroc ornamentarea (in stil baroc). În Veneţia, în cadrul dezvoltării independente (şi adresează în mare parte clientii straini) din pictura, puteţi defini în Rococo alegerea subiecte ce capriciu, fantastic şi vederea scenei de viaţă (Marco Ricci, Zais, Guardi şi Longhi) şi utilizarea pe scară largă a pastel şi acuarelă (Rosalba Carriera). Stilul rococo a îndeplinit majore de dezvoltare în ţările vorbitoare de germană în funcţie de două destinaţii de precis şi clar diferenţiată: pe de o parte de arhitectură şi de salvare la tribunale, care a elaborat de asemenea formele originale dar întotdeauna în interiorul modelul francez, pe de alta parte de arhitectura, înţeleasă ca o sinteză între spaţiu şi decoraţii de biserici şi ansambluri monastice moldovenești, care reprezinta ultima mare expresia acestei autonome special sucursala de arhitectură. În jurul numeroase tribunalele germane proliferarono castele, nobile resedinte, constructii de mici de placere, care presupune în dimensiune nefiresc sau chiar retorică plante pentru liniile curbe şi eliptică de construcţie private franceză (numai castele regale să il reinfasa pe monumentalitate clasiciste Versailles) şi dezvoltat de decorare in tonuri mai mult sau mai putin moderata, în funcţie de variantele locale precise (de rezidenţă pentru printul-episcop de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, cu colaborarea R. de fiert şi J. L. Hildebrandt, frescelor de Carracci; Palazzina di Caccia de Amalienburg în parc Nymphenburg din Munchen, 1734, F. de Cuvilliés). Arhitectura religioasa inflorit în special în Bavaria şi în Boemia, cu fratii Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer şi, în Austria, mai ales cu Fischer von Erlach, sediul care a dezvoltat deja existente în arhitectura tardobarocca locale pentru a ajunge sa construiasca cladiri caracterizată de habitabilitate şi luminozitatea (un spaţiu unic pentru a planta rotund, eliptică sau ovală, pereţi albi, mari şi numeroase windows, stucul şi subliniază că argintat crestetele elemente structurale şi încadrarea le confecţionează şi frescelor), unde se executa o armonie perfectă şi o interrelaţiile dintre elementele constructive total şi cele figurative. De asemenea pictorial nu de producţie presupune un rol autonom dar, tinand cont de necesitatile, a fost regizat aproape exclusiv pentru a ilustra subiectele istorice de sarbatoare in tonuri alegoric-mitologice sau religioasa; apoi dezvoltate în mari le confecţionează şi frescelor ca, in ciuda vaporosità considerabile de supleţă şi executarea, deriva din decor baroc italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Descriere generală
Loc cu patru viteze. Engleză (abreviere de arta populara, arta populara) utilizate în italiană ca sf. Introdus de intelectuali L. Flieder şi R. Banham şi adoptat în 1961 de criticul Engleză L. Alloway, termenul indică o mişcare artistice de avangarda a născut în paralel în Marea Britanie si Statele Unite în jurul 1955, ca reactie la vopsirea xeencăpătoare abstract. Artiştii de la Pop Art sa intocmeasca forme şi limba din repertoriul de mass-media, adică a mijloacelor de comunicare şi de cultura de masa: televiziunea, imaginile publicitare, fotografii, comics, ingrediente, etc.; de aceea servesc imagini şi obiecte care exista deja ca, manipulate şi prezentate în diverse moduri, încărcaţi un nou de expresivitate. Scopul este de a mişcării scădeţi funcţionarea artistice la caracterul de experienţa unică şi subiectivă, pentru riaccostare în loc de arta de a realitatii de zi cu zi. Figuratie de de banal şi viaţa de zi cu zi de artă pop, mediate de experienţe diferite de cubism in arhitectura scapa, Futurism, dadaismul şi suprarealism, prima definiţie în Marea Britanie prin activităţile grupului independent de Londra (1953-58). Prima opera Română pop, creat de Richard Hamilton, a fost înscris în expoziţie – Este de mâine” a avut loc la Londra în 1956. În Statele Unite de artă pop a aparut din epuizarea experienţe abstract, prin tampoanele de la capătul informale şi mai ales prin exaltations de “obiect” consumate de artisti din noul Dada.
Pictorul spaniol (Fuente de la, Badajoz, 1598-Madrid 1664). El a instruit de la Sevilla, apoi din plin de centrul figurat cultura realista. În 1617 a deschis magazinul propriu la Llerena, în Extremadura, dar in 1629 se aşeză din nou la Sevilla şi au rămas acolo (cu excepţia o şedere de la Madrid din 1634) până când 1659 nu pot. Când se reduce, in conditii de extrema saracie, s-a mutat la Madrid unde a incercat in zadar sa fie inserat în climat cultural al oraşului. Activitatea de Zurbaran esplicò este aproape exclusiv în producţia de imagini sacre de numărul foarte ridicat (nu poate. 600) şi de calitate nu uneori sublime, datorate în parte în folosirea larga de colaboratori, în parte la momente de criza de pictor, mai ales in ultimii ani de viata atunci cand a fost considerat adoptat cu contemporanii săi în favoarea Murillo. Stil de Zurbaran cuprinde atât naturalism sevillian tipic, dezvoltat şi aduse la cea mai mare rezultate pentru utilizarea de culoare, întotdeauna lucid şi orbire chiar în tonuri întunecate; atât disegnativa tradiţie a tic spaniolă, care transportă pictor de a rezolva compoziţii lui in cifrele de la primul etaj, de contururi elegante şi fata ai primei dentitii, separate în mod clar de la poziţia neutră de fonduri sau de întuneric, în afara orice ambianţă istorice. Cele mai multe dintre lucrarile sale au fost efectuate în calitate de cicluri de evlavie pentru biserici si manastiri din Sevilla şi alte oraşe spaniole (în prezent dispersate intre diferitele muzee), sincer părtaşi la sentimente religioase populare (tablouri pentru Merced Calzada Nr de la Sevilla, 1629; picturi pentru Nuestra Senora de la Defension la Jerez de la Frontera, 1638-39). Celebra serie de sfinţi care poansonaţi prin misticheggianti indiciile de la celebrarea decorative de elegant. În jurul PENTRU 1633 MOTOR Zurbaran daruire si de asemenea pentru scurt timp pentru a Retelei Natura morta, lăsând una dintre marile capodopere de gen, de absolută puritate: vasul de cedrii, un coş de portocale şi de ceaşcă cu roz (pentru 1633 motor, deja în Florenţa, Contini Bonacossi colectarea, din 1973 în Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Fundatie). Influenţa Zurbaran, mai degrabă limitate în Spania, a fost in locul uriaşă în America Latină, mai ales in Peru, unde pictorul trimis numeroase lucrari in perioada 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Pictorul spaniol Sevilia (1617-1682). Începuturile Murillo artistic au fost în esenţă legată de oraş de Crăciun, mai întâi ca un student de mediocri Juan Del Castillo, apoi ca independent pictor, sensibile la arta Ribera, Zurbarán, Velázquez şi; lucrarile tineresc, puternic în design şi modelat dar substanţial putin originale de asemenea demonstra un părtaş al caravaggismo generic plutind în spaniolă de mediu. Contacte cu pictura italiene, prin B. Cavallino şi A. Vaccari, flamandă şi (poate a vizitat royal colecţii în timpul o excursie la Madrid in 1648, unde sa studieze lucrari de Rubens şi van Dyck), impulsionate un original interpretarea colorismo veneto la care se alătură o lumina utilizaţi profund scenographic si baroc; aceste caractere apar deja în unsprezece tablouri cu minuni ale sfintilor Franciscan pentru manastirea de omonime ordinea în Sevilia (1645-48), astăzi dispersată, şi în naşterea Virgin (Paris, Luvru), triumfal începuturile de mult activitatea la serviciul confraternities şi ordinele religioase in care Murillo dovedit a fi sincera interpret si convingator de misticism contra-reformist a. Interpretarea realist, uşor populara si comunicativ de episod sacru, din ce în ce mai evident în lucrările de maturitate (ciclu pentru Hospice de pomana de la Sevilla, nu pot. 1670-80: vindecarea paralitică la piscină, Londra, Galeria Naţională; intoarcerea fiului risipitor, Washington, Galeria Naţională), a aderat la rafinamentul culorii şi titluri de înaltă calitate, au facut de compoziţii de Murillo subiectele cele mai populare religioase oleografia (gândea nenumarate versiuni de concepţie imaculată, de care unii de la Madrid Prado), care a ajuns sa modifice, de uzură a imaginii, real şi de mare valoare artistica. Ciclurile de tablouri de genul popolaresco (băieţii care mânca fructe, Monaco, Pinacoteca Balance Galician Indonesian; fereastra, Washington, Galeria Naţională), eficiente, deschiderile de pe picaresque lumea care a inaugurat un gen destinatoa mare succes până în secolul al optsprezecelea prezentate si portretele de metodä naturalistä setarea (domn cu guler, Madrid, Prado), va contribui la clarificarea cea mai profundă inspiraţie de artist, care are scopul de a îmbunătăţi posibilităţile expresive de culoare, uneori cu compiacimenti virtuos. – De a aprofunda Consultaţi Gedea Arta vol. 7 pp 262-269″ – de a aprofunda Consultaţi Gedea Arta vol. 7 pp 262-269″

Acest lexic-
Sm. [Din franceză rococo, modificare, de vesel de rocaille]. Stilul decorativ care a dezvoltat în Paris în jurul 1730 şi care a dominat de pe alte stiluri pentru aproximativ douazeci de ani, întindere şi apoi la dreapta spre sfarsitul secolului în regiunile nordice din Franţa, Italia şi Europa Centrală până la Rusia. Cu valoarea de reglaj., aparţinând, exact acest stil: Mobile, faţadă, rococo gust; pentru extensia, lambiccato artificiale, dar nu fără har: o coafura rococo.

Arta: în Franţa
Fioros contestata de curenţi şi tardobarocche classicistiche contemporan, rococo a fost considerat negativ pe tot parcursul secolului al nouăsprezecelea până când prima analiza critica efectuate de fratii de Goncourt (, care a avertizat atât în strânsă legătură cu o anumită concepţie a vieţii sociale, atât estetic de revolutionar il informeaza. Din punct de vedere ideologic de rococo este de expresie artistica aristocratiei de cosmopolit provin de la sfârşitul funcţiei sale istorice, care măşti de constiinta de declin cu o filozofie de evaziune fiscala de realitate, creând o lume fictiv pe mitul tineretii vesnice si a pleca seninătate. Comportamentul social este apoi reglate pe conceptele de rafinament şi eleganţă, până când frivolitate, pe de o parte şi de alta. libertinism filosofice Evadarea de la realitate se produce atât pe nivelul intelectual şi pe existenţial şi fiecare detaliu al mediului ar trebui să fie acordată la modul de viaţă: Totul trebuie să fie frumos, într-adevăr – frumos”, deoarece conceptul de frumusete cuprinde în sine numai ceea ce este delicat si fragil, nuantata, clar, pitoresc. Sub acest aspect am înţeles atunci “necesitate” a unui anumit tip de îmbrăcăminte (vesminte preotesti brodate citit de mătase şi muselină în nuanţe pastelate, alb peruca care embellishes faţa şi face fără vârstă, apoi veĺźnic tineri), care corespunde unui anumit tip de mediu în care să trăim. Revoluţia estetică a rococo apare de fapt in interactiunea armonioasa a tuturor detaliilor de mobilier, care contribuie în mod egal pentru toate artele (şi “minor” sunt evaluate în mod evident pe un par cu cele în mod tradiţional – nobil”) se referă la crearea unor medii organice şi omogene. Faptul istoric din care puteţi începe rococo (chiar dacă spaţiile sunt urmarita pana la ultima ani din secolul al XVII-lea) este transferul de curtea de la Versailles la Paris după moartea lui Louis XIV (1715), mandatat de regent Ducele de văduva s, faptul ca determinate de nobili de necesitatea de a reorganiza palate private de capital, de ani lungi locuita numai ocazional. Să scape de spatii limitate a dezvoltat rapid în perioada regenţei de gust pentru pereţii de palid, “deschisă” de diversitatea de oglinzi şi illeggiadrite stuc lumină de lucru pentru mobilier de mici si lacuit în nuanţe pastelate, pentru directorii de la nuanţele de asemenea, pentru ornamente de dimensiunea minimă şi sub rezerva superficiali, în clar opozitia fata de mobilier Louis XIV, somptuos (dar si grele) dominat de culori şi de disimulat intr. Au fost rare în Franţa arhitecturale realizări, care structurile usufruirono baroce în continuare la fel de mult ca foarte sobru şi funcţionale, menit in practica pentru ca un suport de decorare, majoritatea ca faţadele interioare, rezulta de o serie intreaga de repertories (este amintit că în 1734 de către J. A. Meissonnier, a carui desene influenţată profund asupra productiei sau cioplitori si nici cu atelierului de epocii); aceasta decorare se baza pe variaţii de infinit, mai bine dacă asimetrica, linia curbă care definite elementele naturale (frunze, flori, animale conform unui spirit graţios că adesea referire eleganţa exotice fabulos şi de Est (capodopere în acest sens sunt Hôtel de Pineau Matignon de Nr. de 1720-31 şi Hôtel de Soubise din G. Boffrand, de asemenea decorate de F. Boucher, 1736). În arhitecturii franceze sunt de fapt mult mai frecvent la constructii de mici dimensiuni pentru parcuri şi grădini (readapted uneori aceste “Engleză” potrivit canoanelor de pitoresc, mai potrivite pentru noul gust): pavilioane de vanatoare, “Casini Reprezentanti ai Uniunii a”, delicii sans-soucis, monrepos, ermitages, conectate cu nevoile de viata lumeasca. Sculptura a fost o amenda decorative de exclusiv, inmuiere formele, îmbogăţit prin detalii descriptive şi general înfăţişând poveşti mitologice de caractere în funcţie de o intentiei declarate erotic. Vopsirea, de la culoarea şi răspândirea strălucitoare ca să atingă si nuante pe un desen de rapidă şi rupte, are analogii înguste cu portelan, gravura, Ţesături pentru mobilier, deoarece înfăţişează scene idilică, idylls, sarbatorile galanti si campestri erotic episoade, zilnic cronicile, exprimand cu accente ironic de rău intenţionat sau principiile de o viata de neserioase dar rafinat. Pentru Franţa este de a distinge o prima perioada Regency (1715-30) în generarea de arhitectul G. M. Oppenordt de decorator F. A. Vassé şi a ebanist Ch. Cressent, de zugravi J.-A. Watteau, J. B. 20 August 1999 şi J.-M. Nattier; o perioada rocaille (1730-45) care găseşte expresia cea mai înaltă în Meissonnier, Pineau, Boucher şi Chardin; o ultima perioada pieptănătură pretenţioasă (1745-64) involuto deja în anumite unwieldiness decorative şi în parte influenţată de linearismo clasiciste, reprezentat de arhitectul J. A. Gabriel, decorarea de către J. Verbeckt şi J. H. Fragonard.

Arta: în alte ţări europene
În afara Franţei de rococo a devenit larg răspândite în scurt assolutistiche care presupune ca un model de viata sociala nobili de franceza, idealizata ca depozitar de a şti cum să trăiască şi gust. În deceniul 1730-40 artisti si mesteri franceze au fost de fapt invitat în toate tribunalele din Europa începând cu fenomenul de internaţionalizare a figurat cultura tipic pentru a doua jumatate a secolului. Acest fenomen a trait cu precizie pe figura ratacitor artist (Pentru Italia, este suficient să se gândească la un Tiepolo şi Rosalba Carriera), care a stimulat peste toate dezvoltarea mestesugurilor de tancuri sunt comune pentru intreaga Europa conform unui proces reglementat nu numai de evolutia de gust, dar de asemenea, şi declarate de către aceeaşi putere, de legile de expansiunea economica. Mişcări similare la rococo, chiar daca nu total identificat cu acesta, au fost manifestate în Anglia (în mobilier Chippendale, prin al cărui interpretari, mai mult, rococo gust a fost introdus în America şi în anumite teme Hogarth pictoriale de la Gainsborough) şi în Spania (churriguerismo). Pentru Italia se poate vorbi de rococo mai ales pentru artele decorative, părtaşi la gust international (stucul de Serpotta; “guvernul chinez” pentru Palatul Portici, acum la Capodimonte, totul din porţelan şi oglinzi), în timp ce la constructii arhitectonice capricioase curbele de plante a avut loc doar în clădirile private de mici dimensiuni (Villa Palagonia în Bagheria langa Palermo), fiind inca viu baroc de traditie, legate în special de committenza eclesiastică. Pentru ceea ce se referă la italiană mobil, gustul franceză rococo dezvoltat prin adoptarea parţială de elemente stilistice Louis XV şi transformarea progresivă de elemente de stil Baroc ornamentarea (in stil baroc). În Veneţia, în cadrul dezvoltării independente (şi adresează în mare parte clientii straini) din pictura, puteţi defini în Rococo alegerea subiecte ce capriciu, fantastic şi vederea scenei de viaţă (Marco Ricci, Zais, Guardi şi Longhi) şi utilizarea pe scară largă a pastel şi acuarelă (Rosalba Carriera). Stilul rococo a îndeplinit majore de dezvoltare în ţările vorbitoare de germană în funcţie de două destinaţii de precis şi clar diferenţiată: pe de o parte de arhitectură şi de salvare la tribunale, care a elaborat de asemenea formele originale dar întotdeauna în interiorul modelul francez, pe de alta parte de arhitectura, înţeleasă ca o sinteză între spaţiu şi decoraţii de biserici şi ansambluri monastice moldovenești, care reprezinta ultima mare expresia acestei autonome special sucursala de arhitectură. În jurul numeroase tribunalele germane proliferarono castele, nobile resedinte, constructii de mici de placere, care presupune în dimensiune nefiresc sau chiar retorică plante pentru liniile curbe şi eliptică de construcţie private franceză (numai castele regale să il reinfasa pe monumentalitate clasiciste Versailles) şi dezvoltat de decorare in tonuri mai mult sau mai putin moderata, în funcţie de variantele locale precise (de rezidenţă pentru printul-episcop de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, cu colaborarea R. de fiert şi J. L. Hildebrandt, frescelor de Carracci; Palazzina di Caccia de Amalienburg în parc Nymphenburg din Munchen, 1734, F. de Cuvilliés). Arhitectura religioasa inflorit în special în Bavaria şi în Boemia, cu fratii Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer şi, în Austria, mai ales cu Fischer von Erlach, sediul care a dezvoltat deja existente în arhitectura tardobarocca locale pentru a ajunge sa construiasca cladiri caracterizată de habitabilitate şi luminozitatea (un spaţiu unic pentru a planta rotund, eliptică sau ovală, pereţi albi, mari şi numeroase windows, stucul şi subliniază că argintat crestetele elemente structurale şi încadrarea le confecţionează şi frescelor), unde se executa o armonie perfectă şi o interrelaţiile dintre elementele constructive total şi cele figurative. De asemenea pictorial nu de producţie presupune un rol autonom dar, tinand cont de necesitatile, a fost regizat aproape exclusiv pentru a ilustra subiectele istorice de sarbatoare in tonuri alegoric-mitologice sau religioasa; apoi dezvoltate în mari le confecţionează şi frescelor ca, in ciuda vaporosità considerabile de supleţă şi executarea, deriva din decor baroc italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Descriere generală
Loc cu patru viteze. Engleză (abreviere de arta populara, arta populara) utilizate în italiană ca sf. Introdus de intelectuali L. Flieder şi R. Banham şi adoptat în 1961 de criticul Engleză L. Alloway, termenul indică o mişcare artistice de avangarda a născut în paralel în Marea Britanie si Statele Unite în jurul 1955, ca reactie la vopsirea xeencăpătoare abstract. Artiştii de la Pop Art sa intocmeasca forme şi limba din repertoriul de mass-media, adică a mijloacelor de comunicare şi de cultura de masa: televiziunea, imaginile publicitare, fotografii, comics, ingrediente, etc.; de aceea servesc imagini şi obiecte care exista deja ca, manipulate şi prezentate în diverse moduri, încărcaţi un nou de expresivitate. Scopul este de a mişcării scădeţi funcţionarea artistice la caracterul de experienţa unică şi subiectivă, pentru riaccostare în loc de arta de a realitatii de zi cu zi. Figuratie de de banal şi viaţa de zi cu zi de artă pop, mediate de experienţe diferite de cubism in arhitectura scapa, Futurism, dadaismul şi suprarealism, prima definiţie în Marea Britanie prin activităţile grupului independent de Londra (1953-58). Prima opera Română pop, creat de Richard Hamilton, a fost înscris în expoziţie – Este de mâine” a avut loc la Londra în 1956. În Statele Unite de artă pop a aparut din epuizarea experienţe abstract, prin tampoanele de la capătul informale şi mai ales prin exaltations de “obiect” consumate de artisti din noul Dada.
Pictorul spaniol (Fuente de la, Badajoz, 1598-Madrid 1664). El a instruit de la Sevilla, apoi din plin de centrul figurat cultura realista. În 1617 a deschis magazinul propriu la Llerena, în Extremadura, dar in 1629 se aşeză din nou la Sevilla şi au rămas acolo (cu excepţia o şedere de la Madrid din 1634) până când 1659 nu pot. Când se reduce, in conditii de extrema saracie, s-a mutat la Madrid unde a incercat in zadar sa fie inserat în climat cultural al oraşului. Activitatea de Zurbaran esplicò este aproape exclusiv în producţia de imagini sacre de numărul foarte ridicat (nu poate. 600) şi de calitate nu uneori sublime, datorate în parte în folosirea larga de colaboratori, în parte la momente de criza de pictor, mai ales in ultimii ani de viata atunci cand a fost considerat adoptat cu contemporanii săi în favoarea Murillo. Stil de Zurbaran cuprinde atât naturalism sevillian tipic, dezvoltat şi aduse la cea mai mare rezultate pentru utilizarea de culoare, întotdeauna lucid şi orbire chiar în tonuri întunecate; atât disegnativa tradiţie a tic spaniolă, care transportă pictor de a rezolva compoziţii lui in cifrele de la primul etaj, de contururi elegante şi fata ai primei dentitii, separate în mod clar de la poziţia neutră de fonduri sau de întuneric, în afara orice ambianţă istorice. Cele mai multe dintre lucrarile sale au fost efectuate în calitate de cicluri de evlavie pentru biserici si manastiri din Sevilla şi alte oraşe spaniole (în prezent dispersate intre diferitele muzee), sincer părtaşi la sentimente religioase populare (tablouri pentru Merced Calzada Nr de la Sevilla, 1629; picturi pentru Nuestra Senora de la Defension la Jerez de la Frontera, 1638-39). Celebra serie de sfinţi care poansonaţi prin misticheggianti indiciile de la celebrarea decorative de elegant. În jurul PENTRU 1633 MOTOR Zurbaran daruire si de asemenea pentru scurt timp pentru a Retelei Natura morta, lăsând una dintre marile capodopere de gen, de absolută puritate: vasul de cedrii, un coş de portocale şi de ceaşcă cu roz (pentru 1633 motor, deja în Florenţa, Contini Bonacossi colectarea, din 1973 în Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Fundatie). Influenţa Zurbaran, mai degrabă limitate în Spania, a fost in locul uriaşă în America Latină, mai ales in Peru, unde pictorul trimis numeroase lucrari in perioada 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Pictorul spaniol Sevilia (1617-1682). Începuturile Murillo artistic au fost în esenţă legată de oraş de Crăciun, mai întâi ca un student de mediocri Juan Del Castillo, apoi ca independent pictor, sensibile la arta Ribera, Zurbarán, Velázquez şi; lucrarile tineresc, puternic în design şi modelat dar substanţial putin originale de asemenea demonstra un părtaş al caravaggismo generic plutind în spaniolă de mediu. Contacte cu pictura italiene, prin B. Cavallino şi A. Vaccari, flamandă şi (poate a vizitat royal colecţii în timpul o excursie la Madrid in 1648, unde sa studieze lucrari de Rubens şi van Dyck), impulsionate un original interpretarea colorismo veneto la care se alătură o lumina utilizaţi profund scenographic si baroc; aceste caractere apar deja în unsprezece tablouri cu minuni ale sfintilor Franciscan pentru manastirea de omonime ordinea în Sevilia (1645-48), astăzi dispersată, şi în naşterea Virgin (Paris, Luvru), triumfal începuturile de mult activitatea la serviciul confraternities şi ordinele religioase in care Murillo dovedit a fi sincera interpret si convingator de misticism contra-reformist a. Interpretarea realist, uşor populara si comunicativ de episod sacru, din ce în ce mai evident în lucrările de maturitate (ciclu pentru Hospice de pomana de la Sevilla, nu pot. 1670-80: vindecarea paralitică la piscină, Londra, Galeria Naţională; intoarcerea fiului risipitor, Washington, Galeria Naţională), a aderat la rafinamentul culorii şi titluri de înaltă calitate, au facut de compoziţii de Murillo subiectele cele mai populare religioase oleografia (gândea nenumarate versiuni de concepţie imaculată, de care unii de la Madrid Prado), care a ajuns sa modifice, de uzură a imaginii, real şi de mare valoare artistica. Ciclurile de tablouri de genul popolaresco (băieţii care mânca fructe, Monaco, Pinacoteca Balance Galician Indonesian; fereastra, Washington, Galeria Naţională), eficiente, deschiderile de pe picaresque lumea care a inaugurat un gen destinatoa mare succes până în secolul al optsprezecelea prezentate si portretele de metodä naturalistä setarea (domn cu guler, Madrid, Prado), va contribui la clarificarea cea mai profundă inspiraţie de artist, care are scopul de a îmbunătăţi posibilităţile expresive de culoare, uneori cu compiacimenti virtuos. – De a aprofunda Consultaţi Gedea Arta vol. 7 pp 262-269″ – de a aprofunda Consultaţi Gedea Arta vol. 7 pp 262-269″

roaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroaroa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roaroaroa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa roa

Acest lexic-
Sm. [Din franceză rococo, modificare, de vesel de rocaille]. Stilul decorativ care a dezvoltat în Paris în jurul 1730 şi care a dominat de pe alte stiluri pentru aproximativ douazeci de ani, întindere şi apoi la dreapta spre sfarsitul secolului în regiunile nordice din Franţa, Italia şi Europa Centrală până la Rusia. Cu valoarea de reglaj., aparţinând, exact acest stil: Mobile, faţadă, rococo gust; pentru extensia, lambiccato artificiale, dar nu fără har: o coafura rococo.

Arta: în Franţa
Fioros contestata de curenţi şi tardobarocche classicistiche contemporan, rococo a fost considerat negativ pe tot parcursul secolului al nouăsprezecelea până când prima analiza critica efectuate de fratii de Goncourt (, care a avertizat atât în strânsă legătură cu o anumită concepţie a vieţii sociale, atât estetic de revolutionar il informeaza. Din punct de vedere ideologic de rococo este de expresie artistica aristocratiei de cosmopolit provin de la sfârşitul funcţiei sale istorice, care măşti de constiinta de declin cu o filozofie de evaziune fiscala de realitate, creând o lume fictiv pe mitul tineretii vesnice si a pleca seninătate. Comportamentul social este apoi reglate pe conceptele de rafinament şi eleganţă, până când frivolitate, pe de o parte şi de alta. libertinism filosofice Evadarea de la realitate se produce atât pe nivelul intelectual şi pe existenţial şi fiecare detaliu al mediului ar trebui să fie acordată la modul de viaţă: Totul trebuie să fie frumos, într-adevăr – frumos”, deoarece conceptul de frumusete cuprinde în sine numai ceea ce este delicat si fragil, nuantata, clar, pitoresc. Sub acest aspect am înţeles atunci “necesitate” a unui anumit tip de îmbrăcăminte (vesminte preotesti brodate citit de mătase şi muselină în nuanţe pastelate, alb peruca care embellishes faţa şi face fără vârstă, apoi veĺźnic tineri), care corespunde unui anumit tip de mediu în care să trăim. Revoluţia estetică a rococo apare de fapt in interactiunea armonioasa a tuturor detaliilor de mobilier, care contribuie în mod egal pentru toate artele (şi “minor” sunt evaluate în mod evident pe un par cu cele în mod tradiţional – nobil”) se referă la crearea unor medii organice şi omogene. Faptul istoric din care puteţi începe rococo (chiar dacă spaţiile sunt urmarita pana la ultima ani din secolul al XVII-lea) este transferul de curtea de la Versailles la Paris după moartea lui Louis XIV (1715), mandatat de regent Ducele de văduva s, faptul ca determinate de nobili de necesitatea de a reorganiza palate private de capital, de ani lungi locuita numai ocazional. Să scape de spatii limitate a dezvoltat rapid în perioada regenţei de gust pentru pereţii de palid, “deschisă” de diversitatea de oglinzi şi illeggiadrite stuc lumină de lucru pentru mobilier de mici si lacuit în nuanţe pastelate, pentru directorii de la nuanţele de asemenea, pentru ornamente de dimensiunea minimă şi sub rezerva superficiali, în clar opozitia fata de mobilier Louis XIV, somptuos (dar si grele) dominat de culori şi de disimulat intr. Au fost rare în Franţa arhitecturale realizări, care structurile usufruirono baroce în continuare la fel de mult ca foarte sobru şi funcţionale, menit in practica pentru ca un suport de decorare, majoritatea ca faţadele interioare, rezulta de o serie intreaga de repertories (este amintit că în 1734 de către J. A. Meissonnier, a carui desene influenţată profund asupra productiei sau cioplitori si nici cu atelierului de epocii); aceasta decorare se baza pe variaţii de infinit, mai bine dacă asimetrica, linia curbă care definite elementele naturale (frunze, flori, animale conform unui spirit graţios că adesea referire eleganţa exotice fabulos şi de Est (capodopere în acest sens sunt Hôtel de Pineau Matignon de Nr. de 1720-31 şi Hôtel de Soubise din G. Boffrand, de asemenea decorate de F. Boucher, 1736). În arhitecturii franceze sunt de fapt mult mai frecvent la constructii de mici dimensiuni pentru parcuri şi grădini (readapted uneori aceste “Engleză” potrivit canoanelor de pitoresc, mai potrivite pentru noul gust): pavilioane de vanatoare, “Casini Reprezentanti ai Uniunii a”, delicii sans-soucis, monrepos, ermitages, conectate cu nevoile de viata lumeasca. Sculptura a fost o amenda decorative de exclusiv, inmuiere formele, îmbogăţit prin detalii descriptive şi general înfăţişând poveşti mitologice de caractere în funcţie de o intentiei declarate erotic. Vopsirea, de la culoarea şi răspândirea strălucitoare ca să atingă si nuante pe un desen de rapidă şi rupte, are analogii înguste cu portelan, gravura, Ţesături pentru mobilier, deoarece înfăţişează scene idilică, idylls, sarbatorile galanti si campestri erotic episoade, zilnic cronicile, exprimand cu accente ironic de rău intenţionat sau principiile de o viata de neserioase dar rafinat. Pentru Franţa este de a distinge o prima perioada Regency (1715-30) în generarea de arhitectul G. M. Oppenordt de decorator F. A. Vassé şi a ebanist Ch. Cressent, de zugravi J.-A. Watteau, J. B. 20 August 1999 şi J.-M. Nattier; o perioada rocaille (1730-45) care găseşte expresia cea mai înaltă în Meissonnier, Pineau, Boucher şi Chardin; o ultima perioada pieptănătură pretenţioasă (1745-64) involuto deja în anumite unwieldiness decorative şi în parte influenţată de linearismo clasiciste, reprezentat de arhitectul J. A. Gabriel, decorarea de către J. Verbeckt şi J. H. Fragonard.

Arta: în alte ţări europene
În afara Franţei de rococo a devenit larg răspândite în scurt assolutistiche care presupune ca un model de viata sociala nobili de franceza, idealizata ca depozitar de a şti cum să trăiască şi gust. În deceniul 1730-40 artisti si mesteri franceze au fost de fapt invitat în toate tribunalele din Europa începând cu fenomenul de internaţionalizare a figurat cultura tipic pentru a doua jumatate a secolului. Acest fenomen a trait cu precizie pe figura ratacitor artist (Pentru Italia, este suficient să se gândească la un Tiepolo şi Rosalba Carriera), care a stimulat peste toate dezvoltarea mestesugurilor de tancuri sunt comune pentru intreaga Europa conform unui proces reglementat nu numai de evolutia de gust, dar de asemenea, şi declarate de către aceeaşi putere, de legile de expansiunea economica. Mişcări similare la rococo, chiar daca nu total identificat cu acesta, au fost manifestate în Anglia (în mobilier Chippendale, prin al cărui interpretari, mai mult, rococo gust a fost introdus în America şi în anumite teme Hogarth pictoriale de la Gainsborough) şi în Spania (churriguerismo). Pentru Italia se poate vorbi de rococo mai ales pentru artele decorative, părtaşi la gust international (stucul de Serpotta; “guvernul chinez” pentru Palatul Portici, acum la Capodimonte, totul din porţelan şi oglinzi), în timp ce la constructii arhitectonice capricioase curbele de plante a avut loc doar în clădirile private de mici dimensiuni (Villa Palagonia în Bagheria langa Palermo), fiind inca viu baroc de traditie, legate în special de committenza eclesiastică. Pentru ceea ce se referă la italiană mobil, gustul franceză rococo dezvoltat prin adoptarea parţială de elemente stilistice Louis XV şi transformarea progresivă de elemente de stil Baroc ornamentarea (in stil baroc). În Veneţia, în cadrul dezvoltării independente (şi adresează în mare parte clientii straini) din pictura, puteţi defini în Rococo alegerea subiecte ce capriciu, fantastic şi vederea scenei de viaţă (Marco Ricci, Zais, Guardi şi Longhi) şi utilizarea pe scară largă a pastel şi acuarelă (Rosalba Carriera). Stilul rococo a îndeplinit majore de dezvoltare în ţările vorbitoare de germană în funcţie de două destinaţii de precis şi clar diferenţiată: pe de o parte de arhitectură şi de salvare la tribunale, care a elaborat de asemenea formele originale dar întotdeauna în interiorul modelul francez, pe de alta parte de arhitectura, înţeleasă ca o sinteză între spaţiu şi decoraţii de biserici şi ansambluri monastice moldovenești, care reprezinta ultima mare expresia acestei autonome special sucursala de arhitectură. În jurul numeroase tribunalele germane proliferarono castele, nobile resedinte, constructii de mici de placere, care presupune în dimensiune nefiresc sau chiar retorică plante pentru liniile curbe şi eliptică de construcţie private franceză (numai castele regale să il reinfasa pe monumentalitate clasiciste Versailles) şi dezvoltat de decorare in tonuri mai mult sau mai putin moderata, în funcţie de variantele locale precise (de rezidenţă pentru printul-episcop de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, cu colaborarea R. de fiert şi J. L. Hildebrandt, frescelor de Carracci; Palazzina di Caccia de Amalienburg în parc Nymphenburg din Munchen, 1734, F. de Cuvilliés). Arhitectura religioasa inflorit în special în Bavaria şi în Boemia, cu fratii Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer şi, în Austria, mai ales cu Fischer von Erlach, sediul care a dezvoltat deja existente în arhitectura tardobarocca locale pentru a ajunge sa construiasca cladiri caracterizată de habitabilitate şi luminozitatea (un spaţiu unic pentru a planta rotund, eliptică sau ovală, pereţi albi, mari şi numeroase windows, stucul şi subliniază că argintat crestetele elemente structurale şi încadrarea le confecţionează şi frescelor), unde se executa o armonie perfectă şi o interrelaţiile dintre elementele constructive total şi cele figurative. De asemenea pictorial nu de producţie presupune un rol autonom dar, tinand cont de necesitatile, a fost regizat aproape exclusiv pentru a ilustra subiectele istorice de sarbatoare in tonuri alegoric-mitologice sau religioasa; apoi dezvoltate în mari le confecţionează şi frescelor ca, in ciuda vaporosità considerabile de supleţă şi executarea, deriva din decor baroc italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Descriere generală
Loc cu patru viteze. Engleză (abreviere de arta populara, arta populara) utilizate în italiană ca sf. Introdus de intelectuali L. Flieder şi R. Banham şi adoptat în 1961 de criticul Engleză L. Alloway, termenul indică o mişcare artistice de avangarda a născut în paralel în Marea Britanie si Statele Unite în jurul 1955, ca reactie la vopsirea xeencăpătoare abstract. Artiştii de la Pop Art sa intocmeasca forme şi limba din repertoriul de mass-media, adică a mijloacelor de comunicare şi de cultura de masa: televiziunea, imaginile publicitare, fotografii, comics, ingrediente, etc.; de aceea servesc imagini şi obiecte care exista deja ca, manipulate şi prezentate în diverse moduri, încărcaţi un nou de expresivitate. Scopul este de a mişcării scădeţi funcţionarea artistice la caracterul de experienţa unică şi subiectivă, pentru riaccostare în loc de arta de a realitatii de zi cu zi. Figuratie de de banal şi viaţa de zi cu zi de artă pop, mediate de experienţe diferite de cubism in arhitectura scapa, Futurism, dadaismul şi suprarealism, prima definiţie în Marea Britanie prin activităţile grupului independent de Londra (1953-58). Prima opera Română pop, creat de Richard Hamilton, a fost înscris în expoziţie – Este de mâine” a avut loc la Londra în 1956. În Statele Unite de artă pop a aparut din epuizarea experienţe abstract, prin tampoanele de la capătul informale şi mai ales prin exaltations de “obiect” consumate de artisti din noul Dada.

Skip to toolbar