Skip to:
Content
Pages
Categories
Search
Top
Bottom

General

Name

feintanizouk

About Me

A spanyol festő, Fuente de Cantos (, Badajoz, 1598-1664.) a Madridi. – A Sevilla, az eleven center a képi kultúra, a realista természetét. A 1617 kinyitotta a boltot, Llerena, Extremadura, de 1629, Sevilla, hátradőlt, és ott maradt (kivéve a 1634-ös madridi tartózkodás), míg a 1659. Ha csökken a szélsőséges szegénység, elindult a madridi, ahol hiába próbálta a kulturális környezet. A tevékenység szinte kizárólag csak Zurbaran esplicò van a szent képek száma nagyon magas (ca. 600), és a szépet, néha nem is a minőség a széles körben használt valamely munkatársunkkal, részben a krízist a festő, különösen az utolsó években, amikor úgy ítélték meg mellette kortársai és Murillo javára. A stílus elemei mind a test és Zurbaran tipikus sevillian fejlesztette ki és hozta a legnagyobb eredményeket az elménk, színes és káprázatos még a sötét tónusok, mind a sajátos modorral disegnativa hagyománya, amely a spanyol festő, a kompozíciók, a számok az első emeleten, az elegáns kontúrokat és metszőfoga, világosan el kell különíteni az üres vagy sötét, a történelmi környezethez. A legtöbb művét a vallásos volt a templomok és kolostorok, Sevilla és más spanyol városokban (jelenleg a különböző múzeumok, őszintén vallásos érzés, az népszerű (festmények a Merced Calzada a Sevilla, 1629; a festmények a Nuestra fenyegethette Senora de la Defension, Jerez de la Frontera, 1638-39). A híres sorozat, pierce, a biliárdasztalnál misticheggianti ünneplés dekoratív, elegáns. 1633 körül Zurbaran szentelte magát egy rövid ideig még a Natura morta, az egyik legnagyobb a műfaj mesterművei, az abszolút tisztaság: a cédrus, egy kosár narancs és rózsaszín (1633, Firenze, már a Contini Bonacossi gyűjtemény 1973, Los Angeles Murraynek Norton Simon Foundation). A hatása meglehetősen korlátozott Zurbaran, Spanyolországban, latin-amerikai, hanem hatalmas, különösen, ha a festő a perui számos küldött művek 1640-58 időszakban.

És Murillo, Bartolomé Esteban
A spanyol festő, Sevilla (1617-1682). Művészi tevékenységünket, És Murillo, lényegében a városi karácsonyi, először mint közepes Juan del CASTILLO Prebázis, majd önálló festő művészete a Ribera, Velázquez, Zurbarán, fiatal, erős, és modellezett, de alapvetően kevés az eredeti is a szobatársammal, caravaggismo lebegett a spanyol környezetben. Az olasz festészet, a B. és Cavallino Vaccari, flamand és (talán a királyi gyűjtemények meglátogatott egy utazást a Madrid, 1648, ahol a tanulmány Rubens és Van Dyck), megsarkantyúzta eredeti értelmezését, amely colorismo veneto betesz a lámpa használata és a barokk scenographic mélyen; ezeket a karaktereket már megjelennek a festmények, tizenegy a Ferenc-rendi kolostor a szentek a homonim, Sevilla (1645-48), ma szétszórt, és a Szűz születése (Párizs, Louvre), mindenütt hosszú tevékenység kezdetei a szolgálat és a vallási parancsokat confraternities belül és Murillo bizonyult őszinte és meggyőző a miszticizmus értelmező a reformer. A népszerű csapat reális, és kommunikatív a szent, a munkálatok egyre nyilvánvalóbbá érett (ciklus, a Cochin-Sevilla, ca. 1670-80: a gyógyulás, a béna, a tavat, a londoni Nemzeti Galéria; a tékozló fiú visszatérése, Washington, National Gallery), a kifinomult és kiváló minőségű színes formális, a lerakott és Murillo legnépszerűbb témák a vallásos gondolkodás oleografia (megszámlálhatatlan változata, amelynek koncepcióját, makulátlan, Madrid, Prado, módosítja, a képet, az igazi , nagy művészi értéket. A ciklusban a popolaresco (fiúk, akik nemzetség esznek gyümölcsöt, Monaco, Alte Pinakothek Galician; Washington, National Gallery), a picaresque világ destinatoa kompresszorüzemét a műfaj nagy sikert, míg a tizennyolcadik században, és a portrék a naturalista (úr, Madrid, Prado) hozzájárul a legmélyebb, a művész, amelynek célja, hogy növelje a kifejező színes lehetőségeit, néha compiacimenti szolgálunk. – Elmélyítsék lásd Gedea Art 7 térfogat pp 262-269″ “mélyíteni lásd Gedea Art 7. pp 262-269″ vol.

Tartalmazza a
Sm. [A francia meglehetősen rokokó, átalakítást, víg, Mansart* stílusában]. A dekoratív stílusa, amely Párizsban 1730 körül alakult és más stílusok uralják kb. húsz évvel, majd a vége felé a század az észak-Franciaország, Olaszország és Közép-Európa, Oroszország. Az érték beáll., pontosan ez a stílus: a mobil, a homlokzatot, a viharvert rokokó ízlés, a mesterséges lambiccato, de meglehetősen rokokó frizura: a kegyelem.

Művészete Franciaországban:
Hevesen ellenezte a modern áramlatok és classicistiche tardobarocche, a viharvert rokokó negatívan ítélték meg a tizenkilencedik század egész addig, amíg az első kritikai elemzése a Goncourt, de figyelmeztetett is, hogy különösen szoros kapcsolat kialakítására a társadalmi életben, mind az esztétikai forradalmi vele. A meglehetősen rokokó: ideológiailag a művészi kifejezés, amely a kozmopolita, a történelmi, a maszkok, a filozófia elutasítása, a valóság, a csalás egy elképzelt világ, az örök ifjúság mítosza és higgadt józanságot. A szociális viselkedés, a fogalmak és az elegancia, a tiszteletlenség és a filozófiai libertinism. A kilépés a valóságban történik mind a szellemi szintje és a létezésen alapuló és a környezetet kell biztosítani az élet: minden szép, sőt gyönyörű”, mivel “a szépség önmagában áll, csak a kényes és törékeny, tiszta, egységes márkanyelvezet alkalmazásához szükséges rugalmassággal. Ez a szempont, akkor megértjük, hogy a “szükségszerűség” típusú ruhákat (olvassa el a selyem és a muszlin pasztell árnyalatok, fehér parókát, amely lehetővé teszi az arc embellishes nélkül, akkor örökké fiatal korában), amely megfelel az adott környezetben, amelyben az élet. Az esztétikai forradalom meglehetősen rokokó, akkor valójában az egész harmonikus egymásra hatásának a bútorokat, amelyek hozzájárulnak minden művészetek (és a “kis” értékelik a par nyilvánvalóan a hagyományosan “nemes”) a szerves és egységes. Az történelmi tény, hogy a meglehetősen rokokó (még akkor is, ha a helyiségek szerint követhető, mivel az elmúlt években a XVII. században) a bíróság a versailles, Párizs halála után (1715) a XIV., a régens herceg megbízásából az Orléans, az a tény, hogy a nemesség, a privát tőke palotái, hosszú évekig csak ritkán lakott. A zárt térben, másrészt gyorsan fejleszteni a régens a sápadt, “nyitott” a gazdagság tükör és lámpa illeggiadrite ráhúzták a kis bútorok és lakkozott, pasztell árnyalatok, a vezetők, a világos árnyalatok is, a dísztárgyak és a legkisebb méretű, világos a lakberendezés Louis XIV, pazar (nehéz), hanem a sötét színek uralják, és a drágaságokat. Ritka, hogy a nagy franciaországi építészeti elképzelések usufruirono struktúrák, barokk, nagyon józan és praktikus, a gyakorlatban, mint a díszítés, a belső homlokzatok, következtetni egy egész sor olyan repertories (a 1734 J. A. Meissonnier, akinek rajzai mélyen befolyásolja az aranyművesek carvers és a kor); ez a kitüntetés volt, végtelen, ha aszimmetrikus, a görbe vonal, amely szerint a természeti elemek (levelek, virágok, az állatok, a szellem, gyakran kecses eleganciát és mesés, egzotikus keleti mesterművek (ebben az értelemben a Hôtel de Matignonba s Pineau, az 1720-31 és az Hôtel rendes vendég Soubise* hercegnél. G. A Boffrand is díszítve F. Boucher, 1736). A francia építészet valóban sokkal gyakoribb az építkezésekhez a kis méretek parkok és kertek (néha ezek az “angol readapted”, az egyházjog festői, hogy új íz): vadászat a sátrakat, a Casini, amiben”, sans soucis monrepos,,, az összes csatlakoztatott ermitages a világi élet szükségleteit. Az épület szép, dekoratív kizárólag a formák, lágyítás, gazdag, és általában ezek leíró adatok mitológiai karaktereket a kinyilvánított szándéka az erotikus. A festés, a színek és lélegzetelállító, és egy gyors rajzot árnyalatait és a törött, keskeny analógia, a porcelán, a szövet, a lakberendezés, hiszen ábrázoltak, idylls ábrázolja, szombatok galanti campestri, erotikus és epizódok, napi chronicles, az ironikus díszítéssel rosszindulatú vagy az élet felületes, de kifinomult. Franciaországban a szokásos megkülönböztetni az első időszakban (1715-30) a Régens, az építész G. M. Oppenordt a lakberendező üzlet F. A. ebanist Vassé és Ch. Cressent, festők J.-A. Watteau, J. B. Pater és J.-M. Nattier; egy ideig (1730-45), Mansart* stílusában találja a legmagasabb kifejezése, Pineau Meissonnier, Chardin, és lépett a legutóbbi időszakban (1745-64), azaz bizonyos dekoratív involuto már unwieldiness részben befolyásolja classicist linearismo építész által képviselt J. A., dekorációs Verbeckt J. és J. H. Fragonard.

Művészet: a többi európai ország.
Franciaországon kívül a viharvert rokokó földeket bejárt rövid assolutistiche, hogy a társadalmi élet mintája a francia nemesség, idealizált mint tudjuk, hogyan éljünk és az íze. Az évtized művésze és francia mesterek 1730-40 valóban meghívta a bíróságok a jelenség Európában, a képi kultúra nemzetközivé jellemző az egész század második felét. Ez a jelenség pontosan a figura élt, festő (Olaszország számára elegendő, Rosalba Carriera és Tiepolo), amely a fejlődés serkentőleg hat a kézműves, az egyházjog az egész Európa számára, hogy egy önkormányzat nem csak az íz alakulását, de azt is, ha az azonos, a gazdasági növekedés. Hasonló mozgásokat a viharvert rokokó, még akkor is, ha nem teljesen azonosíthatók, Angliában is jelzik (bútorok, amelyeknek Chippendale-értelmezések, továbbá a viharvert rokokó ízlés szerint az amerikai és az egyes témák képi Hogarth, a Gainsborough) és Spanyolországban (churriguerismo). Olaszországban is meglehetősen rokokó beszélek elsősorban a dekoratív művészetek, elosztók nemzetközi íz (a stuccoes Serpotta által; a “Kínai kabinet” a palota, Portici, most mindent Capodimonte, porcelán és tükrök), míg az építészeti szerkezetek, szeszélyes kanyarokat vett növények csak privát kis épületek méretei (villa közelében Palagonia, Bagheriában Palermóban, hogy még él a barokk hagyomány, különösen egyházi committenza. Ami az olasz, a francia, a viharvert rokokó részleges elfogadása a stíluselemeket azonban Louis XV. és fokozatos átalakítása, a barokk díszítés (Barokk stílusú). Velencében, a független fejlesztés (és jelentős részben a külföldi ügyfelek), festés, meghatározhatja a viharvert rokokó stílusú tárgyak kiválasztása, a fantasztikus és a life (Marco Ricci, Guardi Zais, és Longhi) és a széles körben használt pasztell és vízfestményt Rosalba Carriera (A). A meglehetősen rokokó jelentős fejlesztési találkozott a német nyelvű országok két cél szerint pontos és jól differenciált: egyrészt az építészet és a vízi-nak, aki a bíróságok is az eredeti formában, de mindig a francia modell, másrészt az építészet, a szintézis és a díszítés, az egyházak és kolostorok, az utolsó nagy önálló kifejezés, ez különösen az építészet. A német bíróságok számos proliferarono kastélyok, a nemes tartózkodási helye, a kis szerkezetek, hogy a feltételezés, sőt költői nagyságát kifejező görbe vonalak, a növények és a magán építés elliptikus francia (csak a királyi kastélyok, betakarva a monumentality classicist Versailles és a dekoráció az többé-kevésbé mérsékelt, a pontos helyi változatok (a herceg-püspök és Würzburg, 1719-44, B.-féle, valamint a R. de főzve és Hildebrandt, J. L. és Tiepolo frescoes a Palazzina di Caccia, az Amalienburg Park Nymphenburg Münchenben, 1734, F. de Cuvilliés). A vallási építészet virágzott, különösen bajorországban, Csehországban, a testvérek Asam, D. alapján Zimmermann, Dientzenhofer, Ausztriában, főleg a Fischer von Erlach, akik már meglévő épületek építészeti tardobarocca a helyi épületek építésére a tágasságot és a fényerő (egyedülálló, növény, tojásdad vagy ovális, fehér falak, nagy és számos windows, stuccoes és drágaságokat, hogy kihangsúlyozzák a strukturális elemek és kompozíciós festményeit és frescoes), ahol egy tökéletes harmóniában és a kölcsönös viszonyát az összes építő elemek és a pénz. A képi információ a nem önálló szerepet vállalt, de adott, szinte kizárólag, a történelmi témák bemutatására, a festészet allegorikus hangok ünnepe-mitológiai és vallási témák, majd nagy vásznat, és frescoes, hogy annak ellenére, hogy számottevő vaporosità, könnyedség és a barokk díszítés Italiana (F. A Bergl Maulbertsch, J. W.).

Általános leírás
Loc. (Angol rövidítése a népszerű művészet népszerű art), olasz, sf. A tudósok L. és R. Flieder Banham és elfogadni a kritikát 1961 Angol L. Alloway, az azt jelzi, hogy a valóban művészi-garde született párhuzamosan Nagy-Britannia és az Egyesült Államok 1955 körül, mint a festmény expressionists elvont. Az előadók a pop art és a nyelvi alakzatok rajzolása a repertoárban a tömeg-média, azaz a kommunikációs kultúra: A televízió és a reklám képek, fényképek, képregények, segédanyagok, stb., ezért a képek és objektumok, hogy létezik, és az eddigieknél különböző módon, új expressiveness. A mozgás célja az, hogy a művészi, az egyedi tapasztalatok és a szubjektív, a művészet a mindennapi riaccostare helyett a valóságot. A figuráció a triviális és a mindennapi élet a pop art, a különböző élmények által közvetített, a kubizmus, a szürrealizmus és a Futurism, Dadaism, első nagy-britanniai meghatározása az a független londoni csoport (1953-58). Az első opera angol pop, Richard Hamilton, mert a kiállítás “Ez” a Londonban 1956-ban. Az Egyesült Államokban a pop art a kimerültség az elvont, a végén a kötetlen és különösen az “objektum tagjainkat elfogó fogyasztanak” előadó az új dada.
A spanyol festő, Fuente de Cantos (, Badajoz, 1598-1664.) a Madridi. – A Sevilla, az eleven center a képi kultúra, a realista természetét. A 1617 kinyitotta a boltot, Llerena, Extremadura, de 1629, Sevilla, hátradőlt, és ott maradt (kivéve a 1634-ös madridi tartózkodás), míg a 1659. Ha csökken a szélsőséges szegénység, elindult a madridi, ahol hiába próbálta a kulturális környezet. A tevékenység szinte kizárólag csak Zurbaran esplicò van a szent képek száma nagyon magas (ca. 600), és a szépet, néha nem is a minőség a széles körben használt valamely munkatársunkkal, részben a krízist a festő, különösen az utolsó években, amikor úgy ítélték meg mellette kortársai és Murillo javára. A stílus elemei mind a test és Zurbaran tipikus sevillian fejlesztette ki és hozta a legnagyobb eredményeket az elménk, színes és káprázatos még a sötét tónusok, mind a sajátos modorral disegnativa hagyománya, amely a spanyol festő, a kompozíciók, a számok az első emeleten, az elegáns kontúrokat és metszőfoga, világosan el kell különíteni az üres vagy sötét, a történelmi környezethez. A legtöbb művét a vallásos volt a templomok és kolostorok, Sevilla és más spanyol városokban (jelenleg a különböző múzeumok, őszintén vallásos érzés, az népszerű (festmények a Merced Calzada a Sevilla, 1629; a festmények a Nuestra fenyegethette Senora de la Defension, Jerez de la Frontera, 1638-39). A híres sorozat, pierce, a biliárdasztalnál misticheggianti ünneplés dekoratív, elegáns. 1633 körül Zurbaran szentelte magát egy rövid ideig még a Natura morta, az egyik legnagyobb a műfaj mesterművei, az abszolút tisztaság: a cédrus, egy kosár narancs és rózsaszín (1633, Firenze, már a Contini Bonacossi gyűjtemény 1973, Los Angeles Murraynek Norton Simon Foundation). A hatása meglehetősen korlátozott Zurbaran, Spanyolországban, latin-amerikai, hanem hatalmas, különösen, ha a festő a perui számos küldött művek 1640-58 időszakban.

És Murillo, Bartolomé Esteban
A spanyol festő, Sevilla (1617-1682). Művészi tevékenységünket, És Murillo, lényegében a városi karácsonyi, először mint közepes Juan del CASTILLO Prebázis, majd önálló festő művészete a Ribera, Velázquez, Zurbarán, fiatal, erős, és modellezett, de alapvetően kevés az eredeti is a szobatársammal, caravaggismo lebegett a spanyol környezetben. Az olasz festészet, a B. és Cavallino Vaccari, flamand és (talán a királyi gyűjtemények meglátogatott egy utazást a Madrid, 1648, ahol a tanulmány Rubens és Van Dyck), megsarkantyúzta eredeti értelmezését, amely colorismo veneto betesz a lámpa használata és a barokk scenographic mélyen; ezeket a karaktereket már megjelennek a festmények, tizenegy a Ferenc-rendi kolostor a szentek a homonim, Sevilla (1645-48), ma szétszórt, és a Szűz születése (Párizs, Louvre), mindenütt hosszú tevékenység kezdetei a szolgálat és a vallási parancsokat confraternities belül és Murillo bizonyult őszinte és meggyőző a miszticizmus értelmező a reformer. A népszerű csapat reális, és kommunikatív a szent, a munkálatok egyre nyilvánvalóbbá érett (ciklus, a Cochin-Sevilla, ca. 1670-80: a gyógyulás, a béna, a tavat, a londoni Nemzeti Galéria; a tékozló fiú visszatérése, Washington, National Gallery), a kifinomult és kiváló minőségű színes formális, a lerakott és Murillo legnépszerűbb témák a vallásos gondolkodás oleografia (megszámlálhatatlan változata, amelynek koncepcióját, makulátlan, Madrid, Prado, módosítja, a képet, az igazi , nagy művészi értéket. A ciklusban a popolaresco (fiúk, akik nemzetség esznek gyümölcsöt, Monaco, Alte Pinakothek Galician; Washington, National Gallery), a picaresque világ destinatoa kompresszorüzemét a műfaj nagy sikert, míg a tizennyolcadik században, és a portrék a naturalista (úr, Madrid, Prado) hozzájárul a legmélyebb, a művész, amelynek célja, hogy növelje a kifejező színes lehetőségeit, néha compiacimenti szolgálunk. – Elmélyítsék lásd Gedea Art 7 térfogat pp 262-269″ “mélyíteni lásd Gedea Art 7. pp 262-269″ vol.

Tartalmazza a
Sm. [A francia meglehetősen rokokó, átalakítást, víg, Mansart* stílusában]. A dekoratív stílusa, amely Párizsban 1730 körül alakult és más stílusok uralják kb. húsz évvel, majd a vége felé a század az észak-Franciaország, Olaszország és Közép-Európa, Oroszország. Az érték beáll., pontosan ez a stílus: a mobil, a homlokzatot, a viharvert rokokó ízlés, a mesterséges lambiccato, de meglehetősen rokokó frizura: a kegyelem.

Művészete Franciaországban:
Hevesen ellenezte a modern áramlatok és classicistiche tardobarocche, a viharvert rokokó negatívan ítélték meg a tizenkilencedik század egész addig, amíg az első kritikai elemzése a Goncourt, de figyelmeztetett is, hogy különösen szoros kapcsolat kialakítására a társadalmi életben, mind az esztétikai forradalmi vele. A meglehetősen rokokó: ideológiailag a művészi kifejezés, amely a kozmopolita, a történelmi, a maszkok, a filozófia elutasítása, a valóság, a csalás egy elképzelt világ, az örök ifjúság mítosza és higgadt józanságot. A szociális viselkedés, a fogalmak és az elegancia, a tiszteletlenség és a filozófiai libertinism. A kilépés a valóságban történik mind a szellemi szintje és a létezésen alapuló és a környezetet kell biztosítani az élet: minden szép, sőt gyönyörű”, mivel “a szépség önmagában áll, csak a kényes és törékeny, tiszta, egységes márkanyelvezet alkalmazásához szükséges rugalmassággal. Ez a szempont, akkor megértjük, hogy a “szükségszerűség” típusú ruhákat (olvassa el a selyem és a muszlin pasztell árnyalatok, fehér parókát, amely lehetővé teszi az arc embellishes nélkül, akkor örökké fiatal korában), amely megfelel az adott környezetben, amelyben az élet. Az esztétikai forradalom meglehetősen rokokó, akkor valójában az egész harmonikus egymásra hatásának a bútorokat, amelyek hozzájárulnak minden művészetek (és a “kis” értékelik a par nyilvánvalóan a hagyományosan “nemes”) a szerves és egységes. Az történelmi tény, hogy a meglehetősen rokokó (még akkor is, ha a helyiségek szerint követhető, mivel az elmúlt években a XVII. században) a bíróság a versailles, Párizs halála után (1715) a XIV., a régens herceg megbízásából az Orléans, az a tény, hogy a nemesség, a privát tőke palotái, hosszú évekig csak ritkán lakott. A zárt térben, másrészt gyorsan fejleszteni a régens a sápadt, “nyitott” a gazdagság tükör és lámpa illeggiadrite ráhúzták a kis bútorok és lakkozott, pasztell árnyalatok, a vezetők, a világos árnyalatok is, a dísztárgyak és a legkisebb méretű, világos a lakberendezés Louis XIV, pazar (nehéz), hanem a sötét színek uralják, és a drágaságokat. Ritka, hogy a nagy franciaországi építészeti elképzelések usufruirono struktúrák, barokk, nagyon józan és praktikus, a gyakorlatban, mint a díszítés, a belső homlokzatok, következtetni egy egész sor olyan repertories (a 1734 J. A. Meissonnier, akinek rajzai mélyen befolyásolja az aranyművesek carvers és a kor); ez a kitüntetés volt, végtelen, ha aszimmetrikus, a görbe vonal, amely szerint a természeti elemek (levelek, virágok, az állatok, a szellem, gyakran kecses eleganciát és mesés, egzotikus keleti mesterművek (ebben az értelemben a Hôtel de Matignonba s Pineau, az 1720-31 és az Hôtel rendes vendég Soubise* hercegnél. G. A Boffrand is díszítve F. Boucher, 1736). A francia építészet valóban sokkal gyakoribb az építkezésekhez a kis méretek parkok és kertek (néha ezek az “angol readapted”, az egyházjog festői, hogy új íz): vadászat a sátrakat, a Casini, amiben”, sans soucis monrepos,,, az összes csatlakoztatott ermitages a világi élet szükségleteit. Az épület szép, dekoratív kizárólag a formák, lágyítás, gazdag, és általában ezek leíró adatok mitológiai karaktereket a kinyilvánított szándéka az erotikus. A festés, a színek és lélegzetelállító, és egy gyors rajzot árnyalatait és a törött, keskeny analógia, a porcelán, a szövet, a lakberendezés, hiszen ábrázoltak, idylls ábrázolja, szombatok galanti campestri, erotikus és epizódok, napi chronicles, az ironikus díszítéssel rosszindulatú vagy az élet felületes, de kifinomult. Franciaországban a szokásos megkülönböztetni az első időszakban (1715-30) a Régens, az építész G. M. Oppenordt a lakberendező üzlet F. A. ebanist Vassé és Ch. Cressent, festők J.-A. Watteau, J. B. Pater és J.-M. Nattier; egy ideig (1730-45), Mansart* stílusában találja a legmagasabb kifejezése, Pineau Meissonnier, Chardin, és lépett a legutóbbi időszakban (1745-64), azaz bizonyos dekoratív involuto már unwieldiness részben befolyásolja classicist linearismo építész által képviselt J. A., dekorációs Verbeckt J. és J. H. Fragonard.

Művészet: a többi európai ország.
Franciaországon kívül a viharvert rokokó földeket bejárt rövid assolutistiche, hogy a társadalmi élet mintája a francia nemesség, idealizált mint tudjuk, hogyan éljünk és az íze. Az évtized művésze és francia mesterek 1730-40 valóban meghívta a bíróságok a jelenség Európában, a képi kultúra nemzetközivé jellemző az egész század második felét. Ez a jelenség pontosan a figura élt, festő (Olaszország számára elegendő, Rosalba Carriera és Tiepolo), amely a fejlődés serkentőleg hat a kézműves, az egyházjog az egész Európa számára, hogy egy önkormányzat nem csak az íz alakulását, de azt is, ha az azonos, a gazdasági növekedés. Hasonló mozgásokat a viharvert rokokó, még akkor is, ha nem teljesen azonosíthatók, Angliában is jelzik (bútorok, amelyeknek Chippendale-értelmezések, továbbá a viharvert rokokó ízlés szerint az amerikai és az egyes témák képi Hogarth, a Gainsborough) és Spanyolországban (churriguerismo). Olaszországban is meglehetősen rokokó beszélek elsősorban a dekoratív művészetek, elosztók nemzetközi íz (a stuccoes Serpotta által; a “Kínai kabinet” a palota, Portici, most mindent Capodimonte, porcelán és tükrök), míg az építészeti szerkezetek, szeszélyes kanyarokat vett növények csak privát kis épületek méretei (villa közelében Palagonia, Bagheriában Palermóban, hogy még él a barokk hagyomány, különösen egyházi committenza. Ami az olasz, a francia, a viharvert rokokó részleges elfogadása a stíluselemeket azonban Louis XV. és fokozatos átalakítása, a barokk díszítés (Barokk stílusú). Velencében, a független fejlesztés (és jelentős részben a külföldi ügyfelek), festés, meghatározhatja a viharvert rokokó stílusú tárgyak kiválasztása, a fantasztikus és a life (Marco Ricci, Guardi Zais, és Longhi) és a széles körben használt pasztell és vízfestményt Rosalba Carriera (A). A meglehetősen rokokó jelentős fejlesztési találkozott a német nyelvű országok két cél szerint pontos és jól differenciált: egyrészt az építészet és a vízi-nak, aki a bíróságok is az eredeti formában, de mindig a francia modell, másrészt az építészet, a szintézis és a díszítés, az egyházak és kolostorok, az utolsó nagy önálló kifejezés, ez különösen az építészet. A német bíróságok számos proliferarono kastélyok, a nemes tartózkodási helye, a kis szerkezetek, hogy a feltételezés, sőt költői nagyságát kifejező görbe vonalak, a növények és a magán építés elliptikus francia (csak a királyi kastélyok, betakarva a monumentality classicist Versailles és a dekoráció az többé-kevésbé mérsékelt, a pontos helyi változatok (a herceg-püspök és Würzburg, 1719-44, B.-féle, valamint a R. de főzve és Hildebrandt, J. L. és Tiepolo frescoes a Palazzina di Caccia, az Amalienburg Park Nymphenburg Münchenben, 1734, F. de Cuvilliés). A vallási építészet virágzott, különösen bajorországban, Csehországban, a testvérek Asam, D. alapján Zimmermann, Dientzenhofer, Ausztriában, főleg a Fischer von Erlach, akik már meglévő épületek építészeti tardobarocca a helyi épületek építésére a tágasságot és a fényerő (egyedülálló, növény, tojásdad vagy ovális, fehér falak, nagy és számos windows, stuccoes és drágaságokat, hogy kihangsúlyozzák a strukturális elemek és kompozíciós festményeit és frescoes), ahol egy tökéletes harmóniában és a kölcsönös viszonyát az összes építő elemek és a pénz. A képi információ a nem önálló szerepet vállalt, de adott, szinte kizárólag, a történelmi témák bemutatására, a festészet allegorikus hangok ünnepe-mitológiai és vallási témák, majd nagy vásznat, és frescoes, hogy annak ellenére, hogy számottevő vaporosità, könnyedség és a barokk díszítés Italiana (F. A Bergl Maulbertsch, J. W.).

Általános leírás
Loc. (Angol rövidítése a népszerű művészet népszerű art), olasz, sf. A tudósok L. és R. Flieder Banham és elfogadni a kritikát 1961 Angol L. Alloway, az azt jelzi, hogy a valóban művészi-garde született párhuzamosan Nagy-Britannia és az Egyesült Államok 1955 körül, mint a festmény expressionists elvont. Az előadók a pop art és a nyelvi alakzatok rajzolása a repertoárban a tömeg-média, azaz a kommunikációs kultúra: A televízió és a reklám képek, fényképek, képregények, segédanyagok, stb., ezért a képek és objektumok, hogy létezik, és az eddigieknél különböző módon, új expressiveness. A mozgás célja az, hogy a művészi, az egyedi tapasztalatok és a szubjektív, a művészet a mindennapi riaccostare helyett a valóságot. A figuráció a triviális és a mindennapi élet a pop art, a különböző élmények által közvetített, a kubizmus, a szürrealizmus és a Futurism, Dadaism, első nagy-britanniai meghatározása az a független londoni csoport (1953-58). Az első opera angol pop, Richard Hamilton, mert a kiállítás “Ez” a Londonban 1956-ban. Az Egyesült Államokban a pop art a kimerültség az elvont, a végén a kötetlen és különösen az “objektum tagjainkat elfogó fogyasztanak” előadó az új dada.
A spanyol festő, Fuente de Cantos (, Badajoz, 1598-1664.) a Madridi. – A Sevilla, az eleven center a képi kultúra, a realista természetét. A 1617 kinyitotta a boltot, Llerena, Extremadura, de 1629, Sevilla, hátradőlt, és ott maradt (kivéve a 1634-ös madridi tartózkodás), míg a 1659. Ha csökken a szélsőséges szegénység, elindult a madridi, ahol hiába próbálta a kulturális környezet. A tevékenység szinte kizárólag csak Zurbaran esplicò van a szent képek száma nagyon magas (ca. 600), és a szépet, néha nem is a minőség a széles körben használt valamely munkatársunkkal, részben a krízist a festő, különösen az utolsó években, amikor úgy ítélték meg mellette kortársai és Murillo javára. A stílus elemei mind a test és Zurbaran tipikus sevillian fejlesztette ki és hozta a legnagyobb eredményeket az elménk, színes és káprázatos még a sötét tónusok, mind a sajátos modorral disegnativa hagyománya, amely a spanyol festő, a kompozíciók, a számok az első emeleten, az elegáns kontúrokat és metszőfoga, világosan el kell különíteni az üres vagy sötét, a történelmi környezethez. A legtöbb művét a vallásos volt a templomok és kolostorok, Sevilla és más spanyol városokban (jelenleg a különböző múzeumok, őszintén vallásos érzés, az népszerű (festmények a Merced Calzada a Sevilla, 1629; a festmények a Nuestra fenyegethette Senora de la Defension, Jerez de la Frontera, 1638-39). A híres sorozat, pierce, a biliárdasztalnál misticheggianti ünneplés dekoratív, elegáns. 1633 körül Zurbaran szentelte magát egy rövid ideig még a Natura morta, az egyik legnagyobb a műfaj mesterművei, az abszolút tisztaság: a cédrus, egy kosár narancs és rózsaszín (1633, Firenze, már a Contini Bonacossi gyűjtemény 1973, Los Angeles Murraynek Norton Simon Foundation). A hatása meglehetősen korlátozott Zurbaran, Spanyolországban, latin-amerikai, hanem hatalmas, különösen, ha a festő a perui számos küldött művek 1640-58 időszakban.

És Murillo, Bartolomé Esteban
A spanyol festő, Sevilla (1617-1682). Művészi tevékenységünket, És Murillo, lényegében a városi karácsonyi, először mint közepes Juan del CASTILLO Prebázis, majd önálló festő művészete a Ribera, Velázquez, Zurbarán, fiatal, erős, és modellezett, de alapvetően kevés az eredeti is a szobatársammal, caravaggismo lebegett a spanyol környezetben. Az olasz festészet, a B. és Cavallino Vaccari, flamand és (talán a királyi gyűjtemények meglátogatott egy utazást a Madrid, 1648, ahol a tanulmány Rubens és Van Dyck), megsarkantyúzta eredeti értelmezését, amely colorismo veneto betesz a lámpa használata és a barokk scenographic mélyen; ezeket a karaktereket már megjelennek a festmények, tizenegy a Ferenc-rendi kolostor a szentek a homonim, Sevilla (1645-48), ma szétszórt, és a Szűz születése (Párizs, Louvre), mindenütt hosszú tevékenység kezdetei a szolgálat és a vallási parancsokat confraternities belül és Murillo bizonyult őszinte és meggyőző a miszticizmus értelmező a reformer. A népszerű csapat reális, és kommunikatív a szent, a munkálatok egyre nyilvánvalóbbá érett (ciklus, a Cochin-Sevilla, ca. 1670-80: a gyógyulás, a béna, a tavat, a londoni Nemzeti Galéria; a tékozló fiú visszatérése, Washington, National Gallery), a kifinomult és kiváló minőségű színes formális, a lerakott és Murillo legnépszerűbb témák a vallásos gondolkodás oleografia (megszámlálhatatlan változata, amelynek koncepcióját, makulátlan, Madrid, Prado, módosítja, a képet, az igazi , nagy művészi értéket. A ciklusban a popolaresco (fiúk, akik nemzetség esznek gyümölcsöt, Monaco, Alte Pinakothek Galician; Washington, National Gallery), a picaresque világ destinatoa kompresszorüzemét a műfaj nagy sikert, míg a tizennyolcadik században, és a portrék a naturalista (úr, Madrid, Prado) hozzájárul a legmélyebb, a művész, amelynek célja, hogy növelje a kifejező színes lehetőségeit, néha compiacimenti szolgálunk. – Elmélyítsék lásd Gedea Art 7 térfogat pp 262-269″ “mélyíteni lásd Gedea Art 7. pp 262-269″ vol.

Tartalmazza a
Sm. [A francia meglehetősen rokokó, átalakítást, víg, Mansart* stílusában]. A dekoratív stílusa, amely Párizsban 1730 körül alakult és más stílusok uralják kb. húsz évvel, majd a vége felé a század az észak-Franciaország, Olaszország és Közép-Európa, Oroszország. Az érték beáll., pontosan ez a stílus: a mobil, a homlokzatot, a viharvert rokokó ízlés, a mesterséges lambiccato, de meglehetősen rokokó frizura: a kegyelem.

Művészete Franciaországban:
Hevesen ellenezte a modern áramlatok és classicistiche tardobarocche, a viharvert rokokó negatívan ítélték meg a tizenkilencedik század egész addig, amíg az első kritikai elemzése a Goncourt, de figyelmeztetett is, hogy különösen szoros kapcsolat kialakítására a társadalmi életben, mind az esztétikai forradalmi vele. A meglehetősen rokokó: ideológiailag a művészi kifejezés, amely a kozmopolita, a történelmi, a maszkok, a filozófia elutasítása, a valóság, a csalás egy elképzelt világ, az örök ifjúság mítosza és higgadt józanságot. A szociális viselkedés, a fogalmak és az elegancia, a tiszteletlenség és a filozófiai libertinism. A kilépés a valóságban történik mind a szellemi szintje és a létezésen alapuló és a környezetet kell biztosítani az élet: minden szép, sőt gyönyörű”, mivel “a szépség önmagában áll, csak a kényes és törékeny, tiszta, egységes márkanyelvezet alkalmazásához szükséges rugalmassággal. Ez a szempont, akkor megértjük, hogy a “szükségszerűség” típusú ruhákat (olvassa el a selyem és a muszlin pasztell árnyalatok, fehér parókát, amely lehetővé teszi az arc embellishes nélkül, akkor örökké fiatal korában), amely megfelel az adott környezetben, amelyben az élet. Az esztétikai forradalom meglehetősen rokokó, akkor valójában az egész harmonikus egymásra hatásának a bútorokat, amelyek hozzájárulnak minden művészetek (és a “kis” értékelik a par nyilvánvalóan a hagyományosan “nemes”) a szerves és egységes. Az történelmi tény, hogy a meglehetősen rokokó (még akkor is, ha a helyiségek szerint követhető, mivel az elmúlt években a XVII. században) a bíróság a versailles, Párizs halála után (1715) a XIV., a régens herceg megbízásából az Orléans, az a tény, hogy a nemesség, a privát tőke palotái, hosszú évekig csak ritkán lakott. A zárt térben, másrészt gyorsan fejleszteni a régens a sápadt, “nyitott” a gazdagság tükör és lámpa illeggiadrite ráhúzták a kis bútorok és lakkozott, pasztell árnyalatok, a vezetők, a világos árnyalatok is, a dísztárgyak és a legkisebb méretű, világos a lakberendezés Louis XIV, pazar (nehéz), hanem a sötét színek uralják, és a drágaságokat. Ritka, hogy a nagy franciaországi építészeti elképzelések usufruirono struktúrák, barokk, nagyon józan és praktikus, a gyakorlatban, mint a díszítés, a belső homlokzatok, következtetni egy egész sor olyan repertories (a 1734 J. A. Meissonnier, akinek rajzai mélyen befolyásolja az aranyművesek carvers és a kor); ez a kitüntetés volt, végtelen, ha aszimmetrikus, a görbe vonal, amely szerint a természeti elemek (levelek, virágok, az állatok, a szellem, gyakran kecses eleganciát és mesés, egzotikus keleti mesterművek (ebben az értelemben a Hôtel de Matignonba s Pineau, az 1720-31 és az Hôtel rendes vendég Soubise* hercegnél. G. A Boffrand is díszítve F. Boucher, 1736). A francia építészet valóban sokkal gyakoribb az építkezésekhez a kis méretek parkok és kertek (néha ezek az “angol readapted”, az egyházjog festői, hogy új íz): vadászat a sátrakat, a Casini, amiben”, sans soucis monrepos,,, az összes csatlakoztatott ermitages a világi élet szükségleteit. Az épület szép, dekoratív kizárólag a formák, lágyítás, gazdag, és általában ezek leíró adatok mitológiai karaktereket a kinyilvánított szándéka az erotikus. A festés, a színek és lélegzetelállító, és egy gyors rajzot árnyalatait és a törött, keskeny analógia, a porcelán, a szövet, a lakberendezés, hiszen ábrázoltak, idylls ábrázolja, szombatok galanti campestri, erotikus és epizódok, napi chronicles, az ironikus díszítéssel rosszindulatú vagy az élet felületes, de kifinomult. Franciaországban a szokásos megkülönböztetni az első időszakban (1715-30) a Régens, az építész G. M. Oppenordt a lakberendező üzlet F. A. ebanist Vassé és Ch. Cressent, festők J.-A. Watteau, J. B. Pater és J.-M. Nattier; egy ideig (1730-45), Mansart* stílusában találja a legmagasabb kifejezése, Pineau Meissonnier, Chardin, és lépett a legutóbbi időszakban (1745-64), azaz bizonyos dekoratív involuto már unwieldiness részben befolyásolja classicist linearismo építész által képviselt J. A., dekorációs Verbeckt J. és J. H. Fragonard.
MR-GINSENG.COM Gtx Mange des Chiens
Plantes Médicinales Gtx Mange des Chiens
EN.MR-GINSENG.COM Gtx Mange des Chiens
Medicinal Plants Gtx Mange des Chiens

uizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauizauiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uizauizauiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza uiza

Művészet: a többi európai ország.
Franciaországon kívül a viharvert rokokó földeket bejárt rövid assolutistiche, hogy a társadalmi élet mintája a francia nemesség, idealizált mint tudjuk, hogyan éljünk és az íze. Az évtized művésze és francia mesterek 1730-40 valóban meghívta a bíróságok a jelenség Európában, a képi kultúra nemzetközivé jellemző az egész század második felét. Ez a jelenség pontosan a figura élt, festő (Olaszország számára elegendő, Rosalba Carriera és Tiepolo), amely a fejlődés serkentőleg hat a kézműves, az egyházjog az egész Európa számára, hogy egy önkormányzat nem csak az íz alakulását, de azt is, ha az azonos, a gazdasági növekedés. Hasonló mozgásokat a viharvert rokokó, még akkor is, ha nem teljesen azonosíthatók, Angliában is jelzik (bútorok, amelyeknek Chippendale-értelmezések, továbbá a viharvert rokokó ízlés szerint az amerikai és az egyes témák képi Hogarth, a Gainsborough) és Spanyolországban (churriguerismo). Olaszországban is meglehetősen rokokó beszélek elsősorban a dekoratív művészetek, elosztók nemzetközi íz (a stuccoes Serpotta által; a “Kínai kabinet” a palota, Portici, most mindent Capodimonte, porcelán és tükrök), míg az építészeti szerkezetek, szeszélyes kanyarokat vett növények csak privát kis épületek méretei (villa közelében Palagonia, Bagheriában Palermóban, hogy még él a barokk hagyomány, különösen egyházi committenza. Ami az olasz, a francia, a viharvert rokokó részleges elfogadása a stíluselemeket azonban Louis XV. és fokozatos átalakítása, a barokk díszítés (Barokk stílusú). Velencében, a független fejlesztés (és jelentős részben a külföldi ügyfelek), festés, meghatározhatja a viharvert rokokó stílusú tárgyak kiválasztása, a fantasztikus és a life (Marco Ricci, Guardi Zais, és Longhi) és a széles körben használt pasztell és vízfestményt Rosalba Carriera (A). A meglehetősen rokokó jelentős fejlesztési találkozott a német nyelvű országok két cél szerint pontos és jól differenciált: egyrészt az építészet és a vízi-nak, aki a bíróságok is az eredeti formában, de mindig a francia modell, másrészt az építészet, a szintézis és a díszítés, az egyházak és kolostorok, az utolsó nagy önálló kifejezés, ez különösen az építészet. A német bíróságok számos proliferarono kastélyok, a nemes tartózkodási helye, a kis szerkezetek, hogy a feltételezés, sőt költői nagyságát kifejező görbe vonalak, a növények és a magán építés elliptikus francia (csak a királyi kastélyok, betakarva a monumentality classicist Versailles és a dekoráció az többé-kevésbé mérsékelt, a pontos helyi változatok (a herceg-püspök és Würzburg, 1719-44, B.-féle, valamint a R. de főzve és Hildebrandt, J. L. és Tiepolo frescoes a Palazzina di Caccia, az Amalienburg Park Nymphenburg Münchenben, 1734, F. de Cuvilliés). A vallási építészet virágzott, különösen bajorországban, Csehországban, a testvérek Asam, D. alapján Zimmermann, Dientzenhofer, Ausztriában, főleg a Fischer von Erlach, akik már meglévő épületek építészeti tardobarocca a helyi épületek építésére a tágasságot és a fényerő (egyedülálló, növény, tojásdad vagy ovális, fehér falak, nagy és számos windows, stuccoes és drágaságokat, hogy kihangsúlyozzák a strukturális elemek és kompozíciós festményeit és frescoes), ahol egy tökéletes harmóniában és a kölcsönös viszonyát az összes építő elemek és a pénz. A képi információ a nem önálló szerepet vállalt, de adott, szinte kizárólag, a történelmi témák bemutatására, a festészet allegorikus hangok ünnepe-mitológiai és vallási témák, majd nagy vásznat, és frescoes, hogy annak ellenére, hogy számottevő vaporosità, könnyedség és a barokk díszítés Italiana (F. A Bergl Maulbertsch, J. W.).

Általános leírás
Loc. (Angol rövidítése a népszerű művészet népszerű art), olasz, sf. A tudósok L. és R. Flieder Banham és elfogadni a kritikát 1961 Angol L. Alloway, az azt jelzi, hogy a valóban művészi-garde született párhuzamosan Nagy-Britannia és az Egyesült Államok 1955 körül, mint a festmény expressionists elvont. Az előadók a pop art és a nyelvi alakzatok rajzolása a repertoárban a tömeg-média, azaz a kommunikációs kultúra: A televízió és a reklám képek, fényképek, képregények, segédanyagok, stb., ezért a képek és objektumok, hogy létezik, és az eddigieknél különböző módon, új expressiveness. A mozgás célja az, hogy a művészi, az egyedi tapasztalatok és a szubjektív, a művészet a mindennapi riaccostare helyett a valóságot. A figuráció a triviális és a mindennapi élet a pop art, a különböző élmények által közvetített, a kubizmus, a szürrealizmus és a Futurism, Dadaism, első nagy-britanniai meghatározása az a független londoni csoport (1953-58). Az első opera angol pop, Richard Hamilton, mert a kiállítás “Ez” a Londonban 1956-ban. Az Egyesült Államokban a pop art a kimerültség az elvont, a végén a kötetlen és különösen az “objektum tagjainkat elfogó fogyasztanak” előadó az új dada.

Skip to toolbar