Skip to:
Content
Pages
Categories
Search
Top
Bottom

General

Name

mayaduquebec

About Me

Španielskeho maliara (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598, Madrid 1664). Bol vyškolený v Seville, potom živú stredu obrazovej kultúry reálny charakter. V 1617 si otvoril vlastný obchod na Llerena, v regióne Extremadura, ale v roku 1629 sa naspäť do Seville a zostala tu (s výnimkou pobytu v Madride v roku 1634), až 1659 ca. Vtedy, v podmienkach extrémnej chudoby, sa presťahoval do Madridu, snažil márne sa vložia do kultúrneho prostredia mesta. Činnosť Zurbaran esplicò je takmer výlučne na výrobu sakrálnych obrazov veľmi vysoký počet (cca. 600) a niekedy sa premení, čiastočne z dôvodu rozšíreného používania spolupracovníkov, v čase krízy maliara, najmä v posledných rokoch života bol považovaný za prijatý jeho rovesníci v prospech Murillo. Štýl Zurbaran zahŕňa jednak naturalizmu typické sevillian, vyvíjané a s najvyššími hodnotami pre používanie farieb, vždy ľahko zrozumiteľná a jedinečný aj v tmavých tónov; disegnativa tradíciu manierizmu španielsky, ktorý maliar na vyriešenie jeho skladby v číslach na prvom poschodí, elegantné tvary a rezáky, jasne oddelené od neutrálnej fondov alebo tmavé, mimo akúkoľvek historickú atmosféru. Väčšina jeho prác bola vykonaná ako určené devocionálne cyklov pre kostoly a kláštory v Seville a ďalších španielskych miest (v súčasnosti rozptýlené medzi rôzne múzeá), úprimne zhrozenými s náboženským cítením ľudové maľby na Merced Calzada v Seville, 1629; obrazy pre Nuestra Senora de la Defension v Jerez de la Frontera, 1638-39). Slávna séria svätcov, preniknúť do misticheggianti podnetov na oslavu dekoračné elegantne. Okolo roku 1633 Zurbaran venoval aj na krátky čas k Natura morta, pričom jedným z najvýznamnejších diel tohto žánru, absolútna čistota: miska z colorada, košík pomarančov a pohár s ružovým (1633, už vo Florencii, Contini Bonacossi zber, od roku 1973 v Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Vplyv Zurbaran limitovaná v Španielsku, namiesto toho obrovského v Latinskej Amerike, hlavne v Peru, kde sa maliar poslala mnohých prác v období rokov 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Španielskeho maliara Seville (1617-1682). Umelecké začiatky Murillo boli v zásade viazané na mesto počas Vianoc, ako študent z nekvality Juan del Castillo, potom ako samostatný výtvarník, cit pre umenie Riberová vás vynikajúco zastupovala Zurbarán, v ktorej vynikli osobnosti ako Velázquez, mladý, silný a ako modelka ale podstatne málo exemplároch je tiež preukázať zúčastnení generic caravaggismo pohybovalo v španielskom prostredí. Kontakty s talianskymi maľby, cez B. Cavallino a A. Vaccari, Flámsky a možno navštíviť aj kráľovské zbierky počas svojej cesty do Madridu v roku 1648, kde mohol študovať diela Rubensa, Van Dyck), pôvodný výklad colorismo veneto, ktorá spája ľahkú obsluhu hlboko scénografickom a baroka; tieto znaky už v jedenástich obrazoch s zázraky františkánsky Kostol svätých pre kláštor sa tiahnu v Seville (1645-48), v súčasnosti rozptýlené, a v prípade narodenia Panny (Paríž, Louvre), víťazné ťaženie začiatky dlhú činnosť v službách confraternities a náboženských rádov, Murillo ukázal byť úprimný tlmočníka a presvedčiť o mystiku a reformné. Interpretácia reálnych jemne, ľudovým a komunikatívne božského epizódy sa čoraz častejšie objavuje v dielach zrelé (cyklus pre Hospic charity v Seville, ca. 1670-80: hojenie Obsah paralytického jedu v bazéne, Londýn, Národná galéria, návrat márnotratnej dcéry oslavovaná hviezda syn, Washington, Národná galéria), ktoré sú spojené s osvetou farieb a vysoká kvalita formálne, z kompozície Murillo predmetov najpopulárnejšie náboženské oleografia (na mysli nespočetné verzie Nepoškvrneného počatia, z ktorých niektoré sú v Madride Prado), ktorá sa nemení, v sebe obraz, skutočný a vysokú umeleckú hodnotu. Cyklus malieb z rodu popolaresco (chlapcov, ktorí jedia ovocie, Monako, Alte Pinakothek Galície, okna, Washington, Národná galéria), otvory na picaresque svet, ktorý slávnostne otvorili v žánri destinatoa obrovský úspech až do 18. storočia, a portrétov naturalistický (gentleman s golierom, Madrid, Prado), prispeje k vyjasneniu najhlbšiu inšpiráciu umelca, ktorý sa zameriava na zlepšenie vyjadrovacích možností farieb, niekedy s compiacimenti poctivá. “Na prehĺbenie Pozri Gedea Art obj. 7 pp 262-269” “prehĺbiť Pozri Gedea Art obj. 7 pp 262-269”

V slovnej zásobe
Sm. [Z francúzskeho rokoka, zmene, sviežim, rokajovou]. Dekoratívneho štýlu, vyvinutý v Paríži okolo roku 1730, ktoré dominovali na ostatné štýly asi dvadsať rokov, a potom na konci storočia v severných regiónoch Francúzska, Talianska a strednej Európy do Ruska. S Nast., ktoré patria, presne tento štýl: mobile, fasády, elegantnou chuťou; pre rozšírenie, umelé lambiccato, nie však bez milosti: účes rokoko.

Umenie: vo Francúzsku
Ostro proti tomu nádej classicistiche prúdy a tardobarocche rokokový sa považuje za negatívny vplyv počas celého 19. storočia až do prvej kritickej analýzy, ktorú bratia De Goncourt, ktorý upozorňoval na blízky vzťah s jeho koncepciou sociálneho života, ako aj estetické revolučné informovala ho. Ideologicky rokokový je výtvarný prejav šľachty z kozmopolitného príde na konci svoju historickú funkciu, ktorá má na svedomí pokles s filozofiou únikom z reality, vytvorenie fiktívneho sveta na mýtus o večnej mladosti a unruffled pokoj. Sociálne správanie je potom nastavená na koncepty noblesy a elegancie, kým nedôjde k tomu pristupovať ľahkovážne na jednej strane, a filozofických libertinism od druhej. Na únik z reality, tak na duševnej úrovni a existenčné a každý detail na životné prostredie by mali byť poskytnuté na spôsob života: všetko musí byť krásne, naozaj “Nice”, pretože pojem krása tvorí sám, len čo je jemná a krehká, herecký, jasné, malebné. Z tohto hľadiska môžeme chápať ako “nevyhnutnosť” z konkrétneho typu oblečenia (rúcha čítať z hodvábu a bavlneným mušelínom v pastelových odtieňov, bielu parochňu, skrášľuje pleť a umožňuje bez veku, potom stáva večne mladé), ktorá zodpovedá určitý typ prostredia, v ktorom žijú. V estetickej revolúcie v rokokovom vyskytuje sa v skutočnosti v harmonickej súhre všetkých podrobností o nábytku, ktoré sa podieľajú aj na všetkých umení (a “menšie” sú hodnotené zjavne na úrovni tradične “nóbl”) sa vzťahujú na vytvorenie ekologického prostredia a homogénne. Historické skutočnosti, ktoré začnete rokoko (dokonca aj v prípade, že priestor je odvodený od v posledných rokoch 32. storočia) je prenos súdneho dvora z Versailles v Paríži po smrti Ľudovíta XIV (1715), na podnet regent knieža Orléans, skutočnosť, že na území je potrebné reorganizovať súkromných palácov, ktoré dlhé roky obývaný iba príležitostne. Na odstránenie stiesnených priestoroch rýchlo v období regency chuť na bledé steny, “otvorené” hojnosť zrkadlá a illeggiadrite štukatérske práce vzhľadom na malé posedenie a lakovať v pastelových odtieňov, pre vedúcich pracovníkov aj z ľahkých odtieňov, ozdoby z minimálnej veľkosti a ľahkovážne, čo je v jasnom protiklade k nábytku Ľudovíta XIV, Prepychový palác (ale aj ťažké) dominujú tmavé farby a razení. Zriedkavé boli vo Francúzsku veľký architektonických realizácií, ktoré usufruirono stavby baroka ešte toľko, ako veľmi triezve a funkčná, zamerané na prax, ako podpora pre dekoráciu, väčšina, interiér fasády, vyviedol z celej série repertories (treba pripomenúť, že v 1734 od J. A. Meissonnier, ktorého kresby hlboko ovplyvnila na výrobu rezbári a zlatníctvo, epocha); táto dekorácia bola založená na nekonečných variácií, lepšie, ak asymetrický, zakrivené línie, vymedzené prírodné prvky (listy, kvety, zvieratá) podľa ducha a pôvabný, často exotických elegancie a skvelého z východu (majstrovské diela v tomto zmysle sú nemocnici de Matignon č. Pineau, 1720-31 a nemocnici de Soubise. G. Boffrand, taktiež zdobené F. Boucher, 1736). Vo francúzskej architektúry sú v skutočnosti oveľa častejšie stavby malých rozmerov pre parky a záhrady (mala opäť prispôsobiť súčasným finančným okolnostiam niekedy “Anglický” podľa kritérii na malebné, vhodný skôr na novú chuť): pavilónov, “Casini z maličkostí”, sans soucis-, monrepos, ermitages, ktoré sú všetky prepojené s potrebami svetácky život. Súsošie bolo jemné ozdobné výlučne, tvary, obohatená o popisné údaje a vo všeobecnosti dosť mytologické postavy podľa deklarovaný zámer erotické. Maľba, jasné farby a úžasné na dotyk a detaily o stručný náčrt a zlomené, má úzke analógie s porcelánom, gravírovanie, poťahy na nábytok, pretože zobrazuje pastevný scény, idylls, hody galanti a campestri, erotické príbehy, kronikách, vyjadruje s ironickým nádychom škodlivý alebo na princípy života ľahkovážne ale rafinované. Vo Francúzsku je zvykom, že na prvé obdobie Regency (1715-30) v tvorbe architekta G. M. Oppenordt dekoratéra F. A. Vassé a ebanist Ch. Cressent, maliari J.-A. Watteau, J. B. Pater a J.-M. Nattier; obdobie rokajovou (1730-45), ktorá nachádza svoj najvyšší výraz Meissonnier, Pineau, Boucher a Chardin, posledné obdobie Pompadour (1745-64) involuto už v určitých dekoratívnych zlomyseľnosť a čiastočne ovplyvnené linearismo klasicizmu, v zastúpení architekta J. A. Gabriel, maloval J. Verbeckt a J. H. Fragonard.

Umenie: v ostatných európskych krajinách
Mimo Francúzska v rokokovom začalo šíriť v skratke assolutistiche predpokladá, že ako model sociálneho života francúzskej šľachty, idealizovaný ako depozitára vedeli, ako žiť a chuť. V priebehu desaťročia 1730-40 umelcov a remeselníkov v skutočnosti boli pozvané všetky súdy v Európe začína s fenoménom internacionalizácie obrazovej kultúry v celej druhej polovici tohto storočia. Tento jav sa presne na postavu vandrovného umelec (Taliansko, vystačí si Tiepolo a Rosalba Carriera), ktorá podnietila aj rozvoj remesiel na kritériu sú spoločné pre celú Európu, podľa proces riadi nielen vývoj chuť, ale aj o tých istých vládcov, zákonmi hospodárskej expanzie. Podobné pohyby do rokoka, aj keď nie úplne stotožniť s ním, sa prejavuje v Anglicku (nábytok Chippendale, ktorého výklady, okrem toho, v rokokovom chuť bola zavedená v Amerike a v niektorých témach obrazovým materiálom z Hogarth, Gainsborough) a v Španielsku (churriguerismo). Pre Taliansko je možné hovoriť o rokokový najmä na dekoratívne umenie, spoločných užívateľov súborov v medzinárodnom chuť (stuccoes, Serpotta; “Čínsky kabinet” z paláca Portici, teraz na Capodimonte, všetko na porcelán, zrkadlá), zatiaľ čo architektonických stavbách, nevypočítateľná rastliny krivky sa konali len v súkromných budovách malých rozmerov (Villa Palagonia Bagheria v blízkosti Palerma, ktorý sa ešte stále živé spomienky na barokové tradície, ktoré sa viažu najmä na committenza cirkevných. Na čo sa týka talianskych mobile, ochutnať francúzske rokoko rozvíjať prostredníctvom čiastočné prijatie štylistické prvky Ľudovíta XV a postupnej transformácie prvky barokovej výzdobe (barokový štýl). V Benátkach, v rámci nezávislého vývoja (a z veľkej časti aj na zahraničných klientov), maľba, môžete zadefinovať v rokokovom štýle výber tém ako rozmar, nádherný pohľad a scéna zo života (Marco Ricci, Zais, Guardi a Longhi) a rozšírené využívanie pastel, akvarel (Rosalba Carriera). V štýle rokoka splnil svoj hlavný vývoj v nemecky hovoriacich krajinách podľa dvoch destinácií presne a jasne odlíšené: na jednej strane sa v architektúre a remeslo na súd, ktorý vypracoval aj pôvodné tlačivá ale vždy v rámci francúzskeho vzoru, na druhej strane sa v architektúre, chápať ako syntézu medzi priestorom a výzdoba, kostoly a kláštory, ktoré predstavuje poslednú veľmi všeobecné vyjadrenie tohto odvetvia v architektúre. Okolo mnohých nemeckých súdov proliferarono hrady, šľachtických sídlach, drobné stavby, ktoré svojou veľkosťou silným alebo dokonca rečnícku rastliny s oblými líniami a eliptický súkromných stavebných francúzsky (len kráľovské hrady, prerobené monumentalita klasicistický Versailles) a výzdobu v tónoch viac alebo menej mierny, podľa presných miestnych variantov (pobyt na kniežaťa-biskupa z würzburgu, 1719-44, B. Neumann, v spolupráci s R. de varené a J. L. Hildebrandta a freskami Tiepolo, Palazzina di Caccia s Amalienburg Park Nymphenburg v Mníchove, 1734, F. de Cuvilliés). Sakrálnej architektúre prekvital najmä v Bavorsku a v Čechách, s bratov Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer a v Rakúsku, a to najmä s Fischer von Erlach, ktorý priestorov už v architektúre miestnych tardobarocca pricestovať na výstavbu budov charakteristická priestrannosť a jas (jedinečný priestor na kole, elipsovitý alebo oválne, biele steny, veľké a početné okná, stuccoes, zinková, stavebných prvkoch a konštrukciách plátna a fresky), kde sa vykonávajú v dokonalej harmónii a vzájomné vzťahy medzi konštruktívne prvky a obrazové body. Aj obrazovým materiálom výroby sa predpokladá samostatnú úlohu, ale vzhľadom na jeho potreby, bol zameraný takmer výlučne na ilustráciu historických objektov – oslava v alegorických tóny-mytologické a náboženské témy, potom do veľkého plátna a freskami, že napriek značnému ľahkosť a vaporosità realizácie, vyplývajú z baroková výzdoba Italiana (F. A. Maulbertsch J. W. Bergl).

Všeobecný popis
Loc. Slovenčina (skratka pre ľudové umenie, ľudové umenie), ktoré sa používajú v Taliansku ako sf. Podľa vedcov Flieder L. a R. Banham a prijala v roku 1961 anglický kritik L. Alloway, tento pojem označuje umelecký pohyb avantgardný narodil súbežne vo Veľkej Británii a v Spojených štátoch v roku 1955, ako reakcia na lakovanie abstract expressionists. Umelcov pop art kresliť tvary a jazyk z repertoáru masmédiá, t. j. z prostriedkov komunikácie a masovej kultúry: televízia, reklamné obrázky, fotografie, komiksy, spotrebný materiál a pod., teda slúžiť obrazy a objekty, ktoré už existujú, spracované a prezentované rôznymi spôsobmi, môžete si nahrať nový. Cieľom tohto hnutia je odčítanie na umeleckú činnosť na jeho charakter jedinečný zážitok a subjektívne, riaccostare namiesto umenia na každodennú realitu. K figurácii z banálnych a každodenný život pop-artu, sprostredkované rôzne zážitky z kubizmu, Futurism, Dadaizmu a surrealizmu, mal svoju prvú definíciu vo Veľkej Británii prostredníctvom činnosti nezávislá skupina z Londýna (1953-58). Prvá opera anglický pop, ktorý vytvoril Richard Hamilton, bol na výstave “Zajtra” v Londýne v roku 1956. V Spojených štátoch sa pop art vznikla z dôvodu vyčerpania teoretické skúsenosti, ktoré sa zastaví na konci neformálneho a predovšetkým o nadšení z objektu “konzumuje” autorov nových Dada.
Španielskeho maliara (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598, Madrid 1664). Bol vyškolený v Seville, potom živú stredu obrazovej kultúry reálny charakter. V 1617 si otvoril vlastný obchod na Llerena, v regióne Extremadura, ale v roku 1629 sa naspäť do Seville a zostala tu (s výnimkou pobytu v Madride v roku 1634), až 1659 ca. Vtedy, v podmienkach extrémnej chudoby, sa presťahoval do Madridu, snažil márne sa vložia do kultúrneho prostredia mesta. Činnosť Zurbaran esplicò je takmer výlučne na výrobu sakrálnych obrazov veľmi vysoký počet (cca. 600) a niekedy sa premení, čiastočne z dôvodu rozšíreného používania spolupracovníkov, v čase krízy maliara, najmä v posledných rokoch života bol považovaný za prijatý jeho rovesníci v prospech Murillo. Štýl Zurbaran zahŕňa jednak naturalizmu typické sevillian, vyvíjané a s najvyššími hodnotami pre používanie farieb, vždy ľahko zrozumiteľná a jedinečný aj v tmavých tónov; disegnativa tradíciu manierizmu španielsky, ktorý maliar na vyriešenie jeho skladby v číslach na prvom poschodí, elegantné tvary a rezáky, jasne oddelené od neutrálnej fondov alebo tmavé, mimo akúkoľvek historickú atmosféru. Väčšina jeho prác bola vykonaná ako určené devocionálne cyklov pre kostoly a kláštory v Seville a ďalších španielskych miest (v súčasnosti rozptýlené medzi rôzne múzeá), úprimne zhrozenými s náboženským cítením ľudové maľby na Merced Calzada v Seville, 1629; obrazy pre Nuestra Senora de la Defension v Jerez de la Frontera, 1638-39). Slávna séria svätcov, preniknúť do misticheggianti podnetov na oslavu dekoračné elegantne. Okolo roku 1633 Zurbaran venoval aj na krátky čas k Natura morta, pričom jedným z najvýznamnejších diel tohto žánru, absolútna čistota: miska z colorada, košík pomarančov a pohár s ružovým (1633, už vo Florencii, Contini Bonacossi zber, od roku 1973 v Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Vplyv Zurbaran limitovaná v Španielsku, namiesto toho obrovského v Latinskej Amerike, hlavne v Peru, kde sa maliar poslala mnohých prác v období rokov 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Španielskeho maliara Seville (1617-1682). Umelecké začiatky Murillo boli v zásade viazané na mesto počas Vianoc, ako študent z nekvality Juan del Castillo, potom ako samostatný výtvarník, cit pre umenie Riberová vás vynikajúco zastupovala Zurbarán, v ktorej vynikli osobnosti ako Velázquez, mladý, silný a ako modelka ale podstatne málo exemplároch je tiež preukázať zúčastnení generic caravaggismo pohybovalo v španielskom prostredí. Kontakty s talianskymi maľby, cez B. Cavallino a A. Vaccari, Flámsky a možno navštíviť aj kráľovské zbierky počas svojej cesty do Madridu v roku 1648, kde mohol študovať diela Rubensa, Van Dyck), pôvodný výklad colorismo veneto, ktorá spája ľahkú obsluhu hlboko scénografickom a baroka; tieto znaky už v jedenástich obrazoch s zázraky františkánsky Kostol svätých pre kláštor sa tiahnu v Seville (1645-48), v súčasnosti rozptýlené, a v prípade narodenia Panny (Paríž, Louvre), víťazné ťaženie začiatky dlhú činnosť v službách confraternities a náboženských rádov, Murillo ukázal byť úprimný tlmočníka a presvedčiť o mystiku a reformné. Interpretácia reálnych jemne, ľudovým a komunikatívne božského epizódy sa čoraz častejšie objavuje v dielach zrelé (cyklus pre Hospic charity v Seville, ca. 1670-80: hojenie Obsah paralytického jedu v bazéne, Londýn, Národná galéria, návrat márnotratnej dcéry oslavovaná hviezda syn, Washington, Národná galéria), ktoré sú spojené s osvetou farieb a vysoká kvalita formálne, z kompozície Murillo predmetov najpopulárnejšie náboženské oleografia (na mysli nespočetné verzie Nepoškvrneného počatia, z ktorých niektoré sú v Madride Prado), ktorá sa nemení, v sebe obraz, skutočný a vysokú umeleckú hodnotu. Cyklus malieb z rodu popolaresco (chlapcov, ktorí jedia ovocie, Monako, Alte Pinakothek Galície, okna, Washington, Národná galéria), otvory na picaresque svet, ktorý slávnostne otvorili v žánri destinatoa obrovský úspech až do 18. storočia, a portrétov naturalistický (gentleman s golierom, Madrid, Prado), prispeje k vyjasneniu najhlbšiu inšpiráciu umelca, ktorý sa zameriava na zlepšenie vyjadrovacích možností farieb, niekedy s compiacimenti poctivá. “Na prehĺbenie Pozri Gedea Art obj. 7 pp 262-269” “prehĺbiť Pozri Gedea Art obj. 7 pp 262-269”

V slovnej zásobe
Sm. [Z francúzskeho rokoka, zmene, sviežim, rokajovou]. Dekoratívneho štýlu, vyvinutý v Paríži okolo roku 1730, ktoré dominovali na ostatné štýly asi dvadsať rokov, a potom na konci storočia v severných regiónoch Francúzska, Talianska a strednej Európy do Ruska. S Nast., ktoré patria, presne tento štýl: mobile, fasády, elegantnou chuťou; pre rozšírenie, umelé lambiccato, nie však bez milosti: účes rokoko.

Umenie: vo Francúzsku
Ostro proti tomu nádej classicistiche prúdy a tardobarocche rokokový sa považuje za negatívny vplyv počas celého 19. storočia až do prvej kritickej analýzy, ktorú bratia De Goncourt, ktorý upozorňoval na blízky vzťah s jeho koncepciou sociálneho života, ako aj estetické revolučné informovala ho. Ideologicky rokokový je výtvarný prejav šľachty z kozmopolitného príde na konci svoju historickú funkciu, ktorá má na svedomí pokles s filozofiou únikom z reality, vytvorenie fiktívneho sveta na mýtus o večnej mladosti a unruffled pokoj. Sociálne správanie je potom nastavená na koncepty noblesy a elegancie, kým nedôjde k tomu pristupovať ľahkovážne na jednej strane, a filozofických libertinism od druhej. Na únik z reality, tak na duševnej úrovni a existenčné a každý detail na životné prostredie by mali byť poskytnuté na spôsob života: všetko musí byť krásne, naozaj “Nice”, pretože pojem krása tvorí sám, len čo je jemná a krehká, herecký, jasné, malebné. Z tohto hľadiska môžeme chápať ako “nevyhnutnosť” z konkrétneho typu oblečenia (rúcha čítať z hodvábu a bavlneným mušelínom v pastelových odtieňov, bielu parochňu, skrášľuje pleť a umožňuje bez veku, potom stáva večne mladé), ktorá zodpovedá určitý typ prostredia, v ktorom žijú. V estetickej revolúcie v rokokovom vyskytuje sa v skutočnosti v harmonickej súhre všetkých podrobností o nábytku, ktoré sa podieľajú aj na všetkých umení (a “menšie” sú hodnotené zjavne na úrovni tradične “nóbl”) sa vzťahujú na vytvorenie ekologického prostredia a homogénne. Historické skutočnosti, ktoré začnete rokoko (dokonca aj v prípade, že priestor je odvodený od v posledných rokoch 32. storočia) je prenos súdneho dvora z Versailles v Paríži po smrti Ľudovíta XIV (1715), na podnet regent knieža Orléans, skutočnosť, že na území je potrebné reorganizovať súkromných palácov, ktoré dlhé roky obývaný iba príležitostne. Na odstránenie stiesnených priestoroch rýchlo v období regency chuť na bledé steny, “otvorené” hojnosť zrkadlá a illeggiadrite štukatérske práce vzhľadom na malé posedenie a lakovať v pastelových odtieňov, pre vedúcich pracovníkov aj z ľahkých odtieňov, ozdoby z minimálnej veľkosti a ľahkovážne, čo je v jasnom protiklade k nábytku Ľudovíta XIV, Prepychový palác (ale aj ťažké) dominujú tmavé farby a razení. Zriedkavé boli vo Francúzsku veľký architektonických realizácií, ktoré usufruirono stavby baroka ešte toľko, ako veľmi triezve a funkčná, zamerané na prax, ako podpora pre dekoráciu, väčšina, interiér fasády, vyviedol z celej série repertories (treba pripomenúť, že v 1734 od J. A. Meissonnier, ktorého kresby hlboko ovplyvnila na výrobu rezbári a zlatníctvo, epocha); táto dekorácia bola založená na nekonečných variácií, lepšie, ak asymetrický, zakrivené línie, vymedzené prírodné prvky (listy, kvety, zvieratá) podľa ducha a pôvabný, často exotických elegancie a skvelého z východu (majstrovské diela v tomto zmysle sú nemocnici de Matignon č. Pineau, 1720-31 a nemocnici de Soubise. G. Boffrand, taktiež zdobené F. Boucher, 1736). Vo francúzskej architektúry sú v skutočnosti oveľa častejšie stavby malých rozmerov pre parky a záhrady (mala opäť prispôsobiť súčasným finančným okolnostiam niekedy “Anglický” podľa kritérii na malebné, vhodný skôr na novú chuť): pavilónov, “Casini z maličkostí”, sans soucis-, monrepos, ermitages, ktoré sú všetky prepojené s potrebami svetácky život. Súsošie bolo jemné ozdobné výlučne, tvary, obohatená o popisné údaje a vo všeobecnosti dosť mytologické postavy podľa deklarovaný zámer erotické. Maľba, jasné farby a úžasné na dotyk a detaily o stručný náčrt a zlomené, má úzke analógie s porcelánom, gravírovanie, poťahy na nábytok, pretože zobrazuje pastevný scény, idylls, hody galanti a campestri, erotické príbehy, kronikách, vyjadruje s ironickým nádychom škodlivý alebo na princípy života ľahkovážne ale rafinované. Vo Francúzsku je zvykom, že na prvé obdobie Regency (1715-30) v tvorbe architekta G. M. Oppenordt dekoratéra F. A. Vassé a ebanist Ch. Cressent, maliari J.-A. Watteau, J. B. Pater a J.-M. Nattier; obdobie rokajovou (1730-45), ktorá nachádza svoj najvyšší výraz Meissonnier, Pineau, Boucher a Chardin, posledné obdobie Pompadour (1745-64) involuto už v určitých dekoratívnych zlomyseľnosť a čiastočne ovplyvnené linearismo klasicizmu, v zastúpení architekta J. A. Gabriel, maloval J. Verbeckt a J. H. Fragonard.

Umenie: v ostatných európskych krajinách
Mimo Francúzska v rokokovom začalo šíriť v skratke assolutistiche predpokladá, že ako model sociálneho života francúzskej šľachty, idealizovaný ako depozitára vedeli, ako žiť a chuť. V priebehu desaťročia 1730-40 umelcov a remeselníkov v skutočnosti boli pozvané všetky súdy v Európe začína s fenoménom internacionalizácie obrazovej kultúry v celej druhej polovici tohto storočia. Tento jav sa presne na postavu vandrovného umelec (Taliansko, vystačí si Tiepolo a Rosalba Carriera), ktorá podnietila aj rozvoj remesiel na kritériu sú spoločné pre celú Európu, podľa proces riadi nielen vývoj chuť, ale aj o tých istých vládcov, zákonmi hospodárskej expanzie. Podobné pohyby do rokoka, aj keď nie úplne stotožniť s ním, sa prejavuje v Anglicku (nábytok Chippendale, ktorého výklady, okrem toho, v rokokovom chuť bola zavedená v Amerike a v niektorých témach obrazovým materiálom z Hogarth, Gainsborough) a v Španielsku (churriguerismo). Pre Taliansko je možné hovoriť o rokokový najmä na dekoratívne umenie, spoločných užívateľov súborov v medzinárodnom chuť (stuccoes, Serpotta; “Čínsky kabinet” z paláca Portici, teraz na Capodimonte, všetko na porcelán, zrkadlá), zatiaľ čo architektonických stavbách, nevypočítateľná rastliny krivky sa konali len v súkromných budovách malých rozmerov (Villa Palagonia Bagheria v blízkosti Palerma, ktorý sa ešte stále živé spomienky na barokové tradície, ktoré sa viažu najmä na committenza cirkevných. Na čo sa týka talianskych mobile, ochutnať francúzske rokoko rozvíjať prostredníctvom čiastočné prijatie štylistické prvky Ľudovíta XV a postupnej transformácie prvky barokovej výzdobe (barokový štýl). V Benátkach, v rámci nezávislého vývoja (a z veľkej časti aj na zahraničných klientov), maľba, môžete zadefinovať v rokokovom štýle výber tém ako rozmar, nádherný pohľad a scéna zo života (Marco Ricci, Zais, Guardi a Longhi) a rozšírené využívanie pastel, akvarel (Rosalba Carriera). V štýle rokoka splnil svoj hlavný vývoj v nemecky hovoriacich krajinách podľa dvoch destinácií presne a jasne odlíšené: na jednej strane sa v architektúre a remeslo na súd, ktorý vypracoval aj pôvodné tlačivá ale vždy v rámci francúzskeho vzoru, na druhej strane sa v architektúre, chápať ako syntézu medzi priestorom a výzdoba, kostoly a kláštory, ktoré predstavuje poslednú veľmi všeobecné vyjadrenie tohto odvetvia v architektúre. Okolo mnohých nemeckých súdov proliferarono hrady, šľachtických sídlach, drobné stavby, ktoré svojou veľkosťou silným alebo dokonca rečnícku rastliny s oblými líniami a eliptický súkromných stavebných francúzsky (len kráľovské hrady, prerobené monumentalita klasicistický Versailles) a výzdobu v tónoch viac alebo menej mierny, podľa presných miestnych variantov (pobyt na kniežaťa-biskupa z würzburgu, 1719-44, B. Neumann, v spolupráci s R. de varené a J. L. Hildebrandta a freskami Tiepolo, Palazzina di Caccia s Amalienburg Park Nymphenburg v Mníchove, 1734, F. de Cuvilliés). Sakrálnej architektúre prekvital najmä v Bavorsku a v Čechách, s bratov Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer a v Rakúsku, a to najmä s Fischer von Erlach, ktorý priestorov už v architektúre miestnych tardobarocca pricestovať na výstavbu budov charakteristická priestrannosť a jas (jedinečný priestor na kole, elipsovitý alebo oválne, biele steny, veľké a početné okná, stuccoes, zinková, stavebných prvkoch a konštrukciách plátna a fresky), kde sa vykonávajú v dokonalej harmónii a vzájomné vzťahy medzi konštruktívne prvky a obrazové body. Aj obrazovým materiálom výroby sa predpokladá samostatnú úlohu, ale vzhľadom na jeho potreby, bol zameraný takmer výlučne na ilustráciu historických objektov – oslava v alegorických tóny-mytologické a náboženské témy, potom do veľkého plátna a freskami, že napriek značnému ľahkosť a vaporosità realizácie, vyplývajú z baroková výzdoba Italiana (F. A. Maulbertsch J. W. Bergl).

Všeobecný popis
Loc. Slovenčina (skratka pre ľudové umenie, ľudové umenie), ktoré sa používajú v Taliansku ako sf. Podľa vedcov Flieder L. a R. Banham a prijala v roku 1961 anglický kritik L. Alloway, tento pojem označuje umelecký pohyb avantgardný narodil súbežne vo Veľkej Británii a v Spojených štátoch v roku 1955, ako reakcia na lakovanie abstract expressionists. Umelcov pop art kresliť tvary a jazyk z repertoáru masmédiá, t. j. z prostriedkov komunikácie a masovej kultúry: televízia, reklamné obrázky, fotografie, komiksy, spotrebný materiál a pod., teda slúžiť obrazy a objekty, ktoré už existujú, spracované a prezentované rôznymi spôsobmi, môžete si nahrať nový. Cieľom tohto hnutia je odčítanie na umeleckú činnosť na jeho charakter jedinečný zážitok a subjektívne, riaccostare namiesto umenia na každodennú realitu. K figurácii z banálnych a každodenný život pop-artu, sprostredkované rôzne zážitky z kubizmu, Futurism, Dadaizmu a surrealizmu, mal svoju prvú definíciu vo Veľkej Británii prostredníctvom činnosti nezávislá skupina z Londýna (1953-58). Prvá opera anglický pop, ktorý vytvoril Richard Hamilton, bol na výstave “Zajtra” v Londýne v roku 1956. V Spojených štátoch sa pop art vznikla z dôvodu vyčerpania teoretické skúsenosti, ktoré sa zastaví na konci neformálneho a predovšetkým o nadšení z objektu “konzumuje” autorov nových Dada.
Španielskeho maliara (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598, Madrid 1664). Bol vyškolený v Seville, potom živú stredu obrazovej kultúry reálny charakter. V 1617 si otvoril vlastný obchod na Llerena, v regióne Extremadura, ale v roku 1629 sa naspäť do Seville a zostala tu (s výnimkou pobytu v Madride v roku 1634), až 1659 ca. Vtedy, v podmienkach extrémnej chudoby, sa presťahoval do Madridu, snažil márne sa vložia do kultúrneho prostredia mesta. Činnosť Zurbaran esplicò je takmer výlučne na výrobu sakrálnych obrazov veľmi vysoký počet (cca. 600) a niekedy sa premení, čiastočne z dôvodu rozšíreného používania spolupracovníkov, v čase krízy maliara, najmä v posledných rokoch života bol považovaný za prijatý jeho rovesníci v prospech Murillo. Štýl Zurbaran zahŕňa jednak naturalizmu typické sevillian, vyvíjané a s najvyššími hodnotami pre používanie farieb, vždy ľahko zrozumiteľná a jedinečný aj v tmavých tónov; disegnativa tradíciu manierizmu španielsky, ktorý maliar na vyriešenie jeho skladby v číslach na prvom poschodí, elegantné tvary a rezáky, jasne oddelené od neutrálnej fondov alebo tmavé, mimo akúkoľvek historickú atmosféru. Väčšina jeho prác bola vykonaná ako určené devocionálne cyklov pre kostoly a kláštory v Seville a ďalších španielskych miest (v súčasnosti rozptýlené medzi rôzne múzeá), úprimne zhrozenými s náboženským cítením ľudové maľby na Merced Calzada v Seville, 1629; obrazy pre Nuestra Senora de la Defension v Jerez de la Frontera, 1638-39). Slávna séria svätcov, preniknúť do misticheggianti podnetov na oslavu dekoračné elegantne. Okolo roku 1633 Zurbaran venoval aj na krátky čas k Natura morta, pričom jedným z najvýznamnejších diel tohto žánru, absolútna čistota: miska z colorada, košík pomarančov a pohár s ružovým (1633, už vo Florencii, Contini Bonacossi zber, od roku 1973 v Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Vplyv Zurbaran limitovaná v Španielsku, namiesto toho obrovského v Latinskej Amerike, hlavne v Peru, kde sa maliar poslala mnohých prác v období rokov 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Španielskeho maliara Seville (1617-1682). Umelecké začiatky Murillo boli v zásade viazané na mesto počas Vianoc, ako študent z nekvality Juan del Castillo, potom ako samostatný výtvarník, cit pre umenie Riberová vás vynikajúco zastupovala Zurbarán, v ktorej vynikli osobnosti ako Velázquez, mladý, silný a ako modelka ale podstatne málo exemplároch je tiež preukázať zúčastnení generic caravaggismo pohybovalo v španielskom prostredí. Kontakty s talianskymi maľby, cez B. Cavallino a A. Vaccari, Flámsky a možno navštíviť aj kráľovské zbierky počas svojej cesty do Madridu v roku 1648, kde mohol študovať diela Rubensa, Van Dyck), pôvodný výklad colorismo veneto, ktorá spája ľahkú obsluhu hlboko scénografickom a baroka; tieto znaky už v jedenástich obrazoch s zázraky františkánsky Kostol svätých pre kláštor sa tiahnu v Seville (1645-48), v súčasnosti rozptýlené, a v prípade narodenia Panny (Paríž, Louvre), víťazné ťaženie začiatky dlhú činnosť v službách confraternities a náboženských rádov, Murillo ukázal byť úprimný tlmočníka a presvedčiť o mystiku a reformné. Interpretácia reálnych jemne, ľudovým a komunikatívne božského epizódy sa čoraz častejšie objavuje v dielach zrelé (cyklus pre Hospic charity v Seville, ca. 1670-80: hojenie Obsah paralytického jedu v bazéne, Londýn, Národná galéria, návrat márnotratnej dcéry oslavovaná hviezda syn, Washington, Národná galéria), ktoré sú spojené s osvetou farieb a vysoká kvalita formálne, z kompozície Murillo predmetov najpopulárnejšie náboženské oleografia (na mysli nespočetné verzie Nepoškvrneného počatia, z ktorých niektoré sú v Madride Prado), ktorá sa nemení, v sebe obraz, skutočný a vysokú umeleckú hodnotu. Cyklus malieb z rodu popolaresco (chlapcov, ktorí jedia ovocie, Monako, Alte Pinakothek Galície, okna, Washington, Národná galéria), otvory na picaresque svet, ktorý slávnostne otvorili v žánri destinatoa obrovský úspech až do 18. storočia, a portrétov naturalistický (gentleman s golierom, Madrid, Prado), prispeje k vyjasneniu najhlbšiu inšpiráciu umelca, ktorý sa zameriava na zlepšenie vyjadrovacích možností farieb, niekedy s compiacimenti poctivá. “Na prehĺbenie Pozri Gedea Art obj. 7 pp 262-269” “prehĺbiť Pozri Gedea Art obj. 7 pp 262-269”

V slovnej zásobe
Sm. [Z francúzskeho rokoka, zmene, sviežim, rokajovou]. Dekoratívneho štýlu, vyvinutý v Paríži okolo roku 1730, ktoré dominovali na ostatné štýly asi dvadsať rokov, a potom na konci storočia v severných regiónoch Francúzska, Talianska a strednej Európy do Ruska. S Nast., ktoré patria, presne tento štýl: mobile, fasády, elegantnou chuťou; pre rozšírenie, umelé lambiccato, nie však bez milosti: účes rokoko.

Umenie: vo Francúzsku
Ostro proti tomu nádej classicistiche prúdy a tardobarocche rokokový sa považuje za negatívny vplyv počas celého 19. storočia až do prvej kritickej analýzy, ktorú bratia De Goncourt, ktorý upozorňoval na blízky vzťah s jeho koncepciou sociálneho života, ako aj estetické revolučné informovala ho. Ideologicky rokokový je výtvarný prejav šľachty z kozmopolitného príde na konci svoju historickú funkciu, ktorá má na svedomí pokles s filozofiou únikom z reality, vytvorenie fiktívneho sveta na mýtus o večnej mladosti a unruffled pokoj. Sociálne správanie je potom nastavená na koncepty noblesy a elegancie, kým nedôjde k tomu pristupovať ľahkovážne na jednej strane, a filozofických libertinism od druhej. Na únik z reality, tak na duševnej úrovni a existenčné a každý detail na životné prostredie by mali byť poskytnuté na spôsob života: všetko musí byť krásne, naozaj “Nice”, pretože pojem krása tvorí sám, len čo je jemná a krehká, herecký, jasné, malebné. Z tohto hľadiska môžeme chápať ako “nevyhnutnosť” z konkrétneho typu oblečenia (rúcha čítať z hodvábu a bavlneným mušelínom v pastelových odtieňov, bielu parochňu, skrášľuje pleť a umožňuje bez veku, potom stáva večne mladé), ktorá zodpovedá určitý typ prostredia, v ktorom žijú. V estetickej revolúcie v rokokovom vyskytuje sa v skutočnosti v harmonickej súhre všetkých podrobností o nábytku, ktoré sa podieľajú aj na všetkých umení (a “menšie” sú hodnotené zjavne na úrovni tradične “nóbl”) sa vzťahujú na vytvorenie ekologického prostredia a homogénne. Historické skutočnosti, ktoré začnete rokoko (dokonca aj v prípade, že priestor je odvodený od v posledných rokoch 32. storočia) je prenos súdneho dvora z Versailles v Paríži po smrti Ľudovíta XIV (1715), na podnet regent knieža Orléans, skutočnosť, že na území je potrebné reorganizovať súkromných palácov, ktoré dlhé roky obývaný iba príležitostne. Na odstránenie stiesnených priestoroch rýchlo v období regency chuť na bledé steny, “otvorené” hojnosť zrkadlá a illeggiadrite štukatérske práce vzhľadom na malé posedenie a lakovať v pastelových odtieňov, pre vedúcich pracovníkov aj z ľahkých odtieňov, ozdoby z minimálnej veľkosti a ľahkovážne, čo je v jasnom protiklade k nábytku Ľudovíta XIV, Prepychový palác (ale aj ťažké) dominujú tmavé farby a razení. Zriedkavé boli vo Francúzsku veľký architektonických realizácií, ktoré usufruirono stavby baroka ešte toľko, ako veľmi triezve a funkčná, zamerané na prax, ako podpora pre dekoráciu, väčšina, interiér fasády, vyviedol z celej série repertories (treba pripomenúť, že v 1734 od J. A. Meissonnier, ktorého kresby hlboko ovplyvnila na výrobu rezbári a zlatníctvo, epocha); táto dekorácia bola založená na nekonečných variácií, lepšie, ak asymetrický, zakrivené línie, vymedzené prírodné prvky (listy, kvety, zvieratá) podľa ducha a pôvabný, často exotických elegancie a skvelého z východu (majstrovské diela v tomto zmysle sú nemocnici de Matignon č. Pineau, 1720-31 a nemocnici de Soubise. G. Boffrand, taktiež zdobené F. Boucher, 1736). Vo francúzskej architektúry sú v skutočnosti oveľa častejšie stavby malých rozmerov pre parky a záhrady (mala opäť prispôsobiť súčasným finančným okolnostiam niekedy “Anglický” podľa kritérii na malebné, vhodný skôr na novú chuť): pavilónov, “Casini z maličkostí”, sans soucis-, monrepos, ermitages, ktoré sú všetky prepojené s potrebami svetácky život. Súsošie bolo jemné ozdobné výlučne, tvary, obohatená o popisné údaje a vo všeobecnosti dosť mytologické postavy podľa deklarovaný zámer erotické. Maľba, jasné farby a úžasné na dotyk a detaily o stručný náčrt a zlomené, má úzke analógie s porcelánom, gravírovanie, poťahy na nábytok, pretože zobrazuje pastevný scény, idylls, hody galanti a campestri, erotické príbehy, kronikách, vyjadruje s ironickým nádychom škodlivý alebo na princípy života ľahkovážne ale rafinované. Vo Francúzsku je zvykom, že na prvé obdobie Regency (1715-30) v tvorbe architekta G. M. Oppenordt dekoratéra F. A. Vassé a ebanist Ch. Cressent, maliari J.-A. Watteau, J. B. Pater a J.-M. Nattier; obdobie rokajovou (1730-45), ktorá nachádza svoj najvyšší výraz Meissonnier, Pineau, Boucher a Chardin, posledné obdobie Pompadour (1745-64) involuto už v určitých dekoratívnych zlomyseľnosť a čiastočne ovplyvnené linearismo klasicizmu, v zastúpení architekta J. A. Gabriel, maloval J. Verbeckt a J. H. Fragonard.
MR-GINSENG.COM Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Master Of Univers and Gods
EN.MR-GINSENG.COM Master Of Univers and Gods
Medicinal Plants Master Of Univers and Gods
SIRIUSBLACK.ORG Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Master Of Univers and Gods
CRITTERCROSSING.ORG Master Of Univers and Gods
FASH.FR Master Of Univers and Gods
A Propos de Fash.fr Master Of Univers and Gods
Mentions Légales – Fash.fr Master Of Univers and Gods
Partenariats – Fash.fr Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Aphrodisiaques Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Régime Master Of Univers and Gods
ODLG.ORG Master Of Univers and Gods
Plantes-Medicinales Master Of Univers and Gods
Membres Plantes Médicinales Phytothérapie Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Propriété Bienfaits Effets Secondaires Dosage Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Propriétés Bienfaits Effets Secondaires Posologie Master Of Univers and Gods
Acheter Plantes Médicinales Master Of Univers and Gods
Borderleague.org Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Borderleague.org Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Mr-Ginseng.com Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Siriusblack.org Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Crittercrossing.org Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Fash.fr Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Odlg.org Master Of Univers and Gods
Plantes Médicinales Bio Master Of Univers and Gods

Acai Baies Mare des Cons
Acérola Mare des Cons
Acide Hyaluronique Mare des Cons
Alfalfa Mare des Cons
Aloe Vera Mare des Cons
Artichaut Mare des Cons
Ashwagandha Mare des Cons
Astragale Mare des Cons
Avocat Mare des Cons
Banane Mare des Cons
Boswellia Serrata Mare des Cons
Café Vert Mare des Cons
Cannabis Mare des Cons
Canneberge Mare des Cons
Cannelle Mare des Cons
Charbon Végétal Activé Mare des Cons
Chardon Marie Mare des Cons
Chlorella Mare des Cons
Cacao Mare des Cons
Citron Mare des Cons
Coenzyme Q10 Mare des Cons
Cordyceps Mare des Cons
Curcuma Mare des Cons
Damiana Mare des Cons
Dhea Mare des Cons
Echinacea Mare des Cons
Eucalyptus Mare des Cons
Fenugrec Mare des Cons
Ganoderma Mare des Cons
Garcinia Cambogia Mare des Cons
Gelée Royale Mare des Cons
Gingembre Mare des Cons
Ginkgo Biloba Mare des Cons
Ginseng Mare des Cons
Goji Baies Mare des Cons
Gotu Kola Mare des Cons
Graines de Chia Mare des Cons
Grenade Mare des Cons
Griffe du Chat Mare des Cons
Griffonia Simplicifolia Mare des Cons
Guarana Mare des Cons
Harpagophytum Mare des Cons
Herbe de Blé Mare des Cons
Hoodia Gordonii Mare des Cons
Huile d’Argan Mare des Cons
Huile de Bourrache Mare des Cons
Huile de Noix de Coco Mare des Cons
Huile de Lin Mare des Cons
Huile de Nigelle Mare des Cons
Huile de Ricin Mare des Cons
Huile d’Onagre Mare des Cons
Kudzu Mare des Cons
Levure de Bière Mare des Cons
Maca Mare des Cons
Magnésium Mare des Cons
Marijuana Mare des Cons
Mélatonine Mare des Cons
Menthe Poivrée Mare des Cons
Miel Mare des Cons
Millepertuis Mare des Cons
Mucuna Pruriens Mare des Cons
Omega 3 Mare des Cons
Ortie Mare des Cons
Papaye Mare des Cons
Probiotique Mare des Cons
Propolis Mare des Cons
Quinoa Mare des Cons
Réglisse Mare des Cons
Rhodiola Mare des Cons
Rose de Damas Mare des Cons
Safran Mare des Cons
Schisandra Chinensis Mare des Cons
Shiitaké Mare des Cons
Spiruline Mare des Cons
Stevia Mare des Cons
Testostérone Mare des Cons
Thé Vert Mare des Cons
Tribulus Terrestris Mare des Cons
Valériane Mare des Cons
Vitamine D Mare des Cons

Umenie: v ostatných európskych krajinách
Mimo Francúzska v rokokovom začalo šíriť v skratke assolutistiche predpokladá, že ako model sociálneho života francúzskej šľachty, idealizovaný ako depozitára vedeli, ako žiť a chuť. V priebehu desaťročia 1730-40 umelcov a remeselníkov v skutočnosti boli pozvané všetky súdy v Európe začína s fenoménom internacionalizácie obrazovej kultúry v celej druhej polovici tohto storočia. Tento jav sa presne na postavu vandrovného umelec (Taliansko, vystačí si Tiepolo a Rosalba Carriera), ktorá podnietila aj rozvoj remesiel na kritériu sú spoločné pre celú Európu, podľa proces riadi nielen vývoj chuť, ale aj o tých istých vládcov, zákonmi hospodárskej expanzie. Podobné pohyby do rokoka, aj keď nie úplne stotožniť s ním, sa prejavuje v Anglicku (nábytok Chippendale, ktorého výklady, okrem toho, v rokokovom chuť bola zavedená v Amerike a v niektorých témach obrazovým materiálom z Hogarth, Gainsborough) a v Španielsku (churriguerismo). Pre Taliansko je možné hovoriť o rokokový najmä na dekoratívne umenie, spoločných užívateľov súborov v medzinárodnom chuť (stuccoes, Serpotta; “Čínsky kabinet” z paláca Portici, teraz na Capodimonte, všetko na porcelán, zrkadlá), zatiaľ čo architektonických stavbách, nevypočítateľná rastliny krivky sa konali len v súkromných budovách malých rozmerov (Villa Palagonia Bagheria v blízkosti Palerma, ktorý sa ešte stále živé spomienky na barokové tradície, ktoré sa viažu najmä na committenza cirkevných. Na čo sa týka talianskych mobile, ochutnať francúzske rokoko rozvíjať prostredníctvom čiastočné prijatie štylistické prvky Ľudovíta XV a postupnej transformácie prvky barokovej výzdobe (barokový štýl). V Benátkach, v rámci nezávislého vývoja (a z veľkej časti aj na zahraničných klientov), maľba, môžete zadefinovať v rokokovom štýle výber tém ako rozmar, nádherný pohľad a scéna zo života (Marco Ricci, Zais, Guardi a Longhi) a rozšírené využívanie pastel, akvarel (Rosalba Carriera). V štýle rokoka splnil svoj hlavný vývoj v nemecky hovoriacich krajinách podľa dvoch destinácií presne a jasne odlíšené: na jednej strane sa v architektúre a remeslo na súd, ktorý vypracoval aj pôvodné tlačivá ale vždy v rámci francúzskeho vzoru, na druhej strane sa v architektúre, chápať ako syntézu medzi priestorom a výzdoba, kostoly a kláštory, ktoré predstavuje poslednú veľmi všeobecné vyjadrenie tohto odvetvia v architektúre. Okolo mnohých nemeckých súdov proliferarono hrady, šľachtických sídlach, drobné stavby, ktoré svojou veľkosťou silným alebo dokonca rečnícku rastliny s oblými líniami a eliptický súkromných stavebných francúzsky (len kráľovské hrady, prerobené monumentalita klasicistický Versailles) a výzdobu v tónoch viac alebo menej mierny, podľa presných miestnych variantov (pobyt na kniežaťa-biskupa z würzburgu, 1719-44, B. Neumann, v spolupráci s R. de varené a J. L. Hildebrandta a freskami Tiepolo, Palazzina di Caccia s Amalienburg Park Nymphenburg v Mníchove, 1734, F. de Cuvilliés). Sakrálnej architektúre prekvital najmä v Bavorsku a v Čechách, s bratov Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer a v Rakúsku, a to najmä s Fischer von Erlach, ktorý priestorov už v architektúre miestnych tardobarocca pricestovať na výstavbu budov charakteristická priestrannosť a jas (jedinečný priestor na kole, elipsovitý alebo oválne, biele steny, veľké a početné okná, stuccoes, zinková, stavebných prvkoch a konštrukciách plátna a fresky), kde sa vykonávajú v dokonalej harmónii a vzájomné vzťahy medzi konštruktívne prvky a obrazové body. Aj obrazovým materiálom výroby sa predpokladá samostatnú úlohu, ale vzhľadom na jeho potreby, bol zameraný takmer výlučne na ilustráciu historických objektov – oslava v alegorických tóny-mytologické a náboženské témy, potom do veľkého plátna a freskami, že napriek značnému ľahkosť a vaporosità realizácie, vyplývajú z baroková výzdoba Italiana (F. A. Maulbertsch J. W. Bergl).

Všeobecný popis
Loc. Slovenčina (skratka pre ľudové umenie, ľudové umenie), ktoré sa používajú v Taliansku ako sf. Podľa vedcov Flieder L. a R. Banham a prijala v roku 1961 anglický kritik L. Alloway, tento pojem označuje umelecký pohyb avantgardný narodil súbežne vo Veľkej Británii a v Spojených štátoch v roku 1955, ako reakcia na lakovanie abstract expressionists. Umelcov pop art kresliť tvary a jazyk z repertoáru masmédiá, t. j. z prostriedkov komunikácie a masovej kultúry: televízia, reklamné obrázky, fotografie, komiksy, spotrebný materiál a pod., teda slúžiť obrazy a objekty, ktoré už existujú, spracované a prezentované rôznymi spôsobmi, môžete si nahrať nový. Cieľom tohto hnutia je odčítanie na umeleckú činnosť na jeho charakter jedinečný zážitok a subjektívne, riaccostare namiesto umenia na každodennú realitu. K figurácii z banálnych a každodenný život pop-artu, sprostredkované rôzne zážitky z kubizmu, Futurism, Dadaizmu a surrealizmu, mal svoju prvú definíciu vo Veľkej Británii prostredníctvom činnosti nezávislá skupina z Londýna (1953-58). Prvá opera anglický pop, ktorý vytvoril Richard Hamilton, bol na výstave “Zajtra” v Londýne v roku 1956. V Spojených štátoch sa pop art vznikla z dôvodu vyčerpania teoretické skúsenosti, ktoré sa zastaví na konci neformálneho a predovšetkým o nadšení z objektu “konzumuje” autorov nových Dada.

Skip to toolbar