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Los artistas
Capiscuola de arte pop americano son considerados R. Rauschenberg y J. Johns, incluso si su labor aparece diferenciado en muchos aspectos a la de los artistas activos en la fase media de pop experiencias como C. Oldenburg, A. R. Warhol, Lichtenstein, Rosenquist, J. T. Wesselman, J. cenar (además de W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner y L. Ríos). Personalidad y diferentes expresiones tenía el arte pop español representado por P. Blake, R. Hamilton, R. Smith, D. Hockney, R. B. Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, P. Caufield, P. Phillips, E. Paolozzi, etc. La propagación del arte pop en Europa desde 1963, ha dado lugar a diferentes interpretaciones de acuerdo a las diferentes tradiciones culturales. En Italia se realizaron experiencias pop por G. Bertini, E. Baj, M. la rueda, a la que siguió, G. y G. Romagnoni Guerreschi(para ciertos intereses de investigación son considerados artistas pop Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Entre los representantes del arte pop francés y alemán son respectivamente de Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, P. Klasen y W. La Galia. Esauritasi como corriente artística especifica, el arte pop ha proporcionado una valiosa orientación a la experiencia posterior expresivo, del arte conceptual al arte povera, desde el hiper-realismo a la mec art. de pioneros, protagonistas y epígono de pop art en la Royal Academy of Arts de Londres ha dedicado en 1991 una gran revisión, posteriormente presentó también en Colonia y Madrid.

Op Art
Loc. (Del inglés Optical Art, Arte óptico) utilizados en italiano como sf. Para definir un movimiento artístico contemporáneo surgió a finales de la década de los cincuenta del siglo XX en post-informel clima. El término entró en el vocabulario artístico como resultado de la exposición “The Responsive Eye”, en el que se reunió en Nueva York (1965), artistas europeos que participan en investigación visual, se refiere a una amplia gama de investigaciones experimentales sobre procesos perceptuales basada en los fundamentos de la Gestalt Psychologie (Psicología), de forma que la definición de “Argán gestaltica Arte”. La revista de Nueva York de 1965 determinó una prevalencia de la experiencia americana en esas comunidades, hasta absorber, precisamente en el uso del término genérico Op art, el valor y la medida de la importante contribución de Europa dentro del marco de las diversas tendencias del arte cinético, al cual pertenece también a las actividades de la actual op. que conducen el proceso de la abstracción geométrica, el Op Art ofrece sugerencias visuales de movimiento (a veces impresionados por un mecanismo especial) a través de la Organización de las matemáticas de las formas geométricas y combinaciones de colores puros de tal manera como para actuar sobre la sensibilidad perceptual psychophysics (y no en el tradicional apoyo psicológico y cultural) de El Espectador, que es, en consecuencia, participa en Una participación activa. Una forma de arte basado en puramente visual, para que sean válidos, incluso los nombres de arte visual, Optical Art, etc., así como los conceptos de “aprendizaje”, “diseño”, porque es precisamente sobre la base de estas operaciones se basa la realización formal, los gráficos y la coloraciгіn de la ópera. En la perspectiva histórica de las diversas tendencias de investigación visual pasar de antecedentes culturales bien precisos: a partir de la contribución de la avant-garde ruso plásticos (constructivismo) y el Cubismo (en particular, con el orfico experiencias puntuales de Robert Delaunay y Sonia Delaunay), los logros de Kupka y aquellos de futurismo; desde el neoplasticismo de Mondrian en búsqueda de la revista De Stijl holandés, hasta contribuciones esenciales acumulados en el contexto de la Bauhaus por J. Albers, investigaciones de Max Bill, Vasarely y Julio Le Parc y B. Munari.

Biografía
El poeta y dramaturgo español de Madrid (1600-1681). El Hijo de un funcionario público, había llevado a cabo la formación en el campo de las humanidades en el colegio de los Jesuitas de Madrid y luego en la Universidad de Alcalá y Salamanca: la cultura clásica y la teología escolástica permaneció siempre apoya lo esencial de su visión del mundo. Tenemos algunas noticias stunt interpretada por jóvenes Calderón de la barca en que Madrid cuyas crónicas filipinos están abarrotados con comedias auténticas del capó y la espada (peleas, duelos, ratas, oficial de policía de sanciones y alegremente contestada, etc.); puede pasar por alto, sin embargo, plenamente el amor y la vida amorosa del futuro poeta, que él no tendría que estar libre de aventuras. Cierto es que había, quizás por una actriz, un hijo natural llamado primero en ciertos documentos, “sobrino” y más tarde (cuando Calderón de la Barca ya sacerdote) francamente reconocido. Poco se sabe de su vida militar, si no que tomó parte en la campaña de 1640 en Cataluña, comportarse honorablemente. Desde algunas alusiones contenidas ne el sitio de Breda (el asedio de Breda) y otras tragedias, se supone una presencia de Calderón de la Barca también en Flandes. Sin embargo, fue su vocación precoz de poética y dramática: en 1622 participó en un concurso poético sobre San Isidoro de Madrid y fue alabado por Lope de Vega; al menos a partir de 1629 frecuentó los teatros y comenzó a componer obras teatrales. En 1636 su intermezzo, Los tres mayores prodigios (los tres mayores maravillas), en realidad más bien mediocre, fue muy aplaudida calurosamente la corte de Felipe IV – el máximo centro de actividades teatrales del país -y quizás esta es la razón por la que fue condecorado con la cruz de Santiago, que implicaba un reconocimiento de hidalguía. En 1651 Calderón de la Barca se convirtió en sacerdote y fue nombrado capellán de los Reyes Nuevos de Toledo (1653) y, a continuación, Capellán Honorario de la Corte, en Madrid. Aquí pasó los últimos veinte años de vida, respetado y agiato, voluntariamente aislado de “rumor mundano”, en una bella casa llena de libros, pinturas e instrumentos musicales, pero dando a las muchas obras de teatro, especialmente en materia religiosa.

La crítica
De los cinco “partes” de obras de teatro, publicada mientras Calderón de la Barca fue en vida (1636, 1637, 1664, 1672 y 1677), no fue preparado personalmente por él y el último fue de hecho reprobado por el autor; Calderón de la Barca publicado sólo muy tarde (1677), una colección de doce autos sacramentales, es evidente que la única parte de su teatro que el appassionava, al menos en la vejez. Afortunadamente, en la víspera de su muerte (1680), a petición del duque de Veraguas, justificadamente preocupados por el apócrifo obras y pobres que fueron atribuidas, Calderón de la Barca, recopiló una lista de sus comedias seculares; sobre la base de este Juan de Vera Tassis publicó la edición póstuma (1682-91), en gran medida incompleta – muchas obras calderoniane pasó de esta manera perdieron, aunque siempre es posible algún descubrimiento, como los que tuvieron lugar en Checoslovaquia en 1958, el Gran Duque de Gandía, que sirvió como base para las ediciones trasero y recoge lo que queda del teatro de Calderón de la Barca: alrededor de 120 comedias y dramas, 80 autos sacramentales, veinte interludios y otros Pequeñas operetas. Calderón de la Barca tenía entonces una existencia feliz y un complejo de “vida” a título póstumo aún más feliz: había hecho en numerosos sucesores, imitadores y epígono, incluso en los Estados Unidos, y siguió siendo representada, aunque con algunas interrupciones hasta el Romanticismo, cuando tuvo un relanzamiento del Parlamento, con admiradores como Goethe y Shelley, y luego como potenciadores de Verlaine, que el prefijo de Shakespeare. La Vida es Sueño y varios otros sus dramas son ahora reconocidos como obras maestras indiscutibles del teatro universal. Y es casi un lugar común para comparar a Dante a la altura de la poesía religiosa y teología (a Dante, es evidente, pero no medieval la contrarreforma y barroco).

Las obras
Para mayor comodidad, lo normal es crítico para clasificar las obras de Calderón de la Barca en diferentes grupos: a) las tragedias y comedias de tema religioso, tomado de la Biblia, desde el legendario de los santos y la tradición hagiográfica de, entre las cuales las obras maestras como El mágico prodigioso (El mago de los Milagros, la devoción de la cruz (la devoción de la Cruz, el purgatorio de San Patricio (el purgatorio de San Patricio) y los dos amantes del cielo ( los dos amantes del cielo); b) dramas históricos, entre los cuales surgen principalmente El Principe constante ( príncipe constante) y el Alcalde de Zalamea (el alcalde de Zalamea); c) las comedias de tejer y capó y espada, que enfatiza la suma capacidad de El dramaturgo, capaz para dibujar nuevos efectos, con la gracia del humor arcinote situaciones y lugares comunes: La dama duende (La dama fantasma), El escondido y la tapada (oculto y velado), Casa con dos puertas mala es de guardar ( una casa con dos puertas es difícil de mantener), etc.; (d) las comedias mitológicas y caballeresca, a veces el romance como el Castillo de Lindabridis (Castillo de Lindabris), el puente de Mantible (el puente de mandíbula), a veces muy delicadas fábulas teatrales como echo y Narcissus, la púrpura de la Rosa (La púrpura de la rosa); e) los dramas de honor y celos, que trata con crudeza uno de los principales motivos de la moralidad social del Siglo de Oro español: El médico de su honra (el médico de su Honor), secretada agravio secretada venganza (un delito secreta secreta venganza), el pintor de su deshonra (el pintor de su deshonra), el mayor monstruo, los celos (el mayor monstruo los celos); f) las comedias “filosófica” o simbólico, con obras como La vida es sueño (1635; la vida es sueño), verdadero y supremo dramática síntesis de ideas morales y religiosas de estilo barroco de España; g) farsas, interludios y otras pequeñas operetas, relucientes humor fresco; h) el grupo de los 80 autos sacramentales, dramas eucarístico en un acto en el que la estricta argumento teológico está animado con efectos a menudo inolvidable, por una racha de alto lirismo inagotable: El Gran Teatro del Mundo (el gran teatro del mundo), no hay más suerte que Dios (que ha No hay más suerte de Dios), El Nuevo hospicio de pobres (el nuevo hospicio para los pobres) y muchos otros. Se dice que el teatro de Calderón de la Barca tiene dos inconvenientes principales: la pobreza de la invención, así que a veces no dudan en retomar temas ya tratados por Lope de Vega y otros, y la debilidad de la caracterización de personajes (ya Goethe comentó que los personajes de Calderón de la Barca a menudo parecen Soldados de plomo fundido en el mismo molde). También es patente el total conformismo respecto de las ideas oficiales filipinos de España: la compañía de teatro calderoniano es, sin duda, un aristocraticismo sclerotizzato estático. Sin embargo, esto no significa mucho para el valor artístico y obras teatrales de Calderón de la Barca, que resisten el tiempo en virtud de una dolorosa concepción cristiana de la vida y una intensa energía” teatro y poesía. El mismo lenguaje barroco, que spiacque a siglos de racionalismo (XVIII y XIX), fascinan hoy en día (después de las experiencias de la avant-garde) para la deslumbrante originalidad: en particular de autos sacramentales

Corneille, Pierre
Dramaturgo francés Rouen (1606-París 1684). Nacido de una familia burguesa (su padre era inspector de aguas y bosques), estudió en el colegio de los Jesuitas de Rouen. Excelente estudiante, especie en latín, que fuisteis volver luego a menudo la literatura antiguas, para ambos aspectos declamatori, tanto por temas. Séneca y Lucano eran sus autores favoritos. En 1628 Corneille comenzó la profesión de abogado en su ciudad natal real y quizás no pensó nunca que se pueda dedicar al teatro. El amor de una muchacha le habían inspirado para escribir un soneto y no ser excluido, el mismo Mélite comedia en la que los inserta. La ópera, representada primero en Rouen y luego en París, en 1629, tuvo un éxito discreto y los estimuló a dedicarse al teatro. En 1632 escribió Clitandre ou l’Inocencia délivrée y antes de 1635 ya había en su activa otros cuatro comedias, en la que el tema romance está apoyado por un estilo lleno de vitalidad. Su primera tragedia, Médée, es de 1635. Fue en el ínterin transferidos a París y gozan de la protección de Richelieuu. Fue, ciertamente, una parte de las empresas de los “Cinco autores” con Boisrobert, Colletet, La Estoile y Rotrou, quien tuvo la tarea de poner en versos temas nacidos de la imaginación del cardenal. Pero Corneille, que nunca tuvo la virtud de la cortesana, pronto perdieron las simpatías del protector y probablemente también de los subsidios. El éxito de Médée, en la que la influencia de Séneca era demasiado evidente, hecha desde el prólogo de triunfo, que luego fue consagrada por su ópera más famosa, el Cid. Según algunos, la tragedia debe datarsi 1636, año en que Corneille escribió la ilusión comique; pero los documentos que han salido a la luz recientemente confirmó que el cid debe colocarse en 1637, o que la primera representación en el Théâtre du Marais es 1637. La tragedia del amor y el deber, revela en un conflicto de sentimientos, la profundidad de los caracteres de los protagonistas en una dinámica teatral aristotélica observa que las reglas, si no la unidad de lugar, estrictamente el tiempo. Corneille, en realidad, mal aceptado el concepto de las tres unidades de lugar, acción y tiempo, pero siempre trató de permanecer fieles, sobre todo a la última, porque su teatro choque de pasiones y el drama de la voluntad, la síntesis y el desarrollo de los acontecimientos inmediatos es esencial para la persecución de sentimiento, incapaz de hacer el Furore y lleno de alma prolongadas en el tiempo. El Cid para el final feliz que celebra el amor del protagonista y Chimène, es considerado tragicomedia, más que tragedia pura, y ciertamente también triunfó para los elementos mencionados sentimental es rico. El éxito de la ópera levantado envidias y quejas de parte de autores contemporáneos (Scudéry y Mairet) y, si no una envidia por autor, Corneille dibujó un resentimiento de protector por el cardenal Richelieu. Hoy en día existe una tendencia a reducir grandemente el rencor del ministro hacia el dramaturgo afortunado. Los llamados “Querelle du Cid” tiene su documentación oficial en sentimientos de l’Académie sur le “Cid”, elaborado por Chapelain (1638): sin embargo, es probable que Richelieu quería poner en evidencia las funciones de árbitro de la literatura que la academia fundada por él (y luego muy criticadas) tuvo que tomar. El artista, apesadumbrado, fue defendido por la acusación de plagio, pero él se quedó impresionado, tanto que no quiere más a imitar las obras de otros y sus tragedias, después de que el Cid, atraerán sólo a la historia. De orgullo, Corneille profundizó sus cualidades poéticas con principios fundamentales de la fe que hicieron sus discursos y sus prefacios y el mismo Examens con que acompañó la publicación de obras. La mayoría de ataques de respuesta válido el dio con nuevas tragedias. Dos en un solo año (1640): Horace (Horace) y Cinna. Horace es una vez más el drama de amor y el deber, por los sentimientos que vinculan a los duelistas (de los Horacios y Curacios) a las mujeres de las familias enfrentadas. Corneille dedicó a Richelieu, quizás con una apariencia de ironía, quizás para demostrar que los tres “unidades” (MET), que no pudo evitar que él cree funciona igualmente válida. Incluso Cinna, inspirados por el tratado de clementia de Séneca, fue un éxito. Pero sin duda la ópera más alta después de El Cid y de hecho para la crítica, la obra maestra en el sentido absoluto, es Polyeucte (1642), sin duda, considerar como el “Canon” de la tragedia corneliana. El asunto ha sido proporcionada a Corneille del histórico Surius. Polyeucte es el drama cristiano del amor de Dios triunfa sobre el amor humano y de la victoria del sentimiento religioso, que muta en el amor es un sentimiento de fidelidad conyugal. Un año después de la representación de su obra maestra Corneille puso en escena La Mort de Pompée y menteur, revelándose a sí mismo en la segunda y en la Suite du Menteur, autor de la comedia. Es un período sumamente fructífero para el poeta, quien en 1644 escribió y representó Rodogune y, más tarde, Héraclius (1646). Su fama se ha convertido en grande. Lo eligieron en la Academia (1647), escribió entonces Nicomède (1651). Un año después de la caída de Pertharite le tome por sorpresa y la avvilì. Regresó a Rouen, donde trabajó en la traducción de la Imitación de Cristo como alivio de sus preocupaciones familiares (sposatosi en 1640, tenía hijos de la mala salud que le dieron no pocos dolores y que la premorirono). Se dedicó al mismo tiempo para cuidar de una edición completa de sus obras. Regresó al teatro sólo en 1659, por invitación del superintendente Fouquet, y tuvo éxito con Edipe. Alojarse en París, Corneille se entiende plenamente que los tiempos han cambiado: el verde de la juventud ha pasado y con él, el reinado de Luis XIII y la suc- cessiva regencia de Ana de Austria. Ahora, con Luis XIV y el nuevo clasicismo de la ciudad de las artes y las letras, la Corte y el público prefirió Quinault y Racine. Un nuevo mundo poético ha tomado el lugar de la base, como los grandes modelos de la antigüedad, en el contraste de las pasiones: la razón queridos Corneille, cuya tragedia fue definido el teatro del deseo y el deber. Él continuó a escribir sin más, sin embargo, llegar a los vértices de Polyeucte y Cinna. El estilo de quien es considerado uno de los más grandes poetas de Francia resplandece con toda su fuerza también en otras obras: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), (1663), Sophonisbe Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), Pulchérie Suréna (1672), (1674), con la que concluyó sus actividades como un dramaturgo alejado para siempre del teatro; diez años después murió en la indiferencia general. En Corneille, donde el sentimiento y el orgullo se muestran como cualidades insustituibles de la individualidad hasta el supremo sacrificio, y quizá más en la retórica que en su verdadero sentido trágico, Francia ha reflejado a menudo, para una adherencia a la vida psíquica del hombre de todos los tiempos, de las teorías literarias.
Los artistas
Capiscuola de arte pop americano son considerados R. Rauschenberg y J. Johns, incluso si su labor aparece diferenciado en muchos aspectos a la de los artistas activos en la fase media de pop experiencias como C. Oldenburg, A. R. Warhol, Lichtenstein, Rosenquist, J. T. Wesselman, J. cenar (además de W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner y L. Ríos). Personalidad y diferentes expresiones tenía el arte pop español representado por P. Blake, R. Hamilton, R. Smith, D. Hockney, R. B. Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, P. Caufield, P. Phillips, E. Paolozzi, etc. La propagación del arte pop en Europa desde 1963, ha dado lugar a diferentes interpretaciones de acuerdo a las diferentes tradiciones culturales. En Italia se realizaron experiencias pop por G. Bertini, E. Baj, M. la rueda, a la que siguió, G. y G. Romagnoni Guerreschi(para ciertos intereses de investigación son considerados artistas pop Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Entre los representantes del arte pop francés y alemán son respectivamente de Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, P. Klasen y W. La Galia. Esauritasi como corriente artística especifica, el arte pop ha proporcionado una valiosa orientación a la experiencia posterior expresivo, del arte conceptual al arte povera, desde el hiper-realismo a la mec art. de pioneros, protagonistas y epígono de pop art en la Royal Academy of Arts de Londres ha dedicado en 1991 una gran revisión, posteriormente presentó también en Colonia y Madrid.

Op Art
Loc. (Del inglés Optical Art, Arte óptico) utilizados en italiano como sf. Para definir un movimiento artístico contemporáneo surgió a finales de la década de los cincuenta del siglo XX en post-informel clima. El término entró en el vocabulario artístico como resultado de la exposición “The Responsive Eye”, en el que se reunió en Nueva York (1965), artistas europeos que participan en investigación visual, se refiere a una amplia gama de investigaciones experimentales sobre procesos perceptuales basada en los fundamentos de la Gestalt Psychologie (Psicología), de forma que la definición de “Argán gestaltica Arte”. La revista de Nueva York de 1965 determinó una prevalencia de la experiencia americana en esas comunidades, hasta absorber, precisamente en el uso del término genérico Op art, el valor y la medida de la importante contribución de Europa dentro del marco de las diversas tendencias del arte cinético, al cual pertenece también a las actividades de la actual op. que conducen el proceso de la abstracción geométrica, el Op Art ofrece sugerencias visuales de movimiento (a veces impresionados por un mecanismo especial) a través de la Organización de las matemáticas de las formas geométricas y combinaciones de colores puros de tal manera como para actuar sobre la sensibilidad perceptual psychophysics (y no en el tradicional apoyo psicológico y cultural) de El Espectador, que es, en consecuencia, participa en Una participación activa. Una forma de arte basado en puramente visual, para que sean válidos, incluso los nombres de arte visual, Optical Art, etc., así como los conceptos de “aprendizaje”, “diseño”, porque es precisamente sobre la base de estas operaciones se basa la realización formal, los gráficos y la coloraciгіn de la ópera. En la perspectiva histórica de las diversas tendencias de investigación visual pasar de antecedentes culturales bien precisos: a partir de la contribución de la avant-garde ruso plásticos (constructivismo) y el Cubismo (en particular, con el orfico experiencias puntuales de Robert Delaunay y Sonia Delaunay), los logros de Kupka y aquellos de futurismo; desde el neoplasticismo de Mondrian en búsqueda de la revista De Stijl holandés, hasta contribuciones esenciales acumulados en el contexto de la Bauhaus por J. Albers, investigaciones de Max Bill, Vasarely y Julio Le Parc y B. Munari.

Biografía
El poeta y dramaturgo español de Madrid (1600-1681). El Hijo de un funcionario público, había llevado a cabo la formación en el campo de las humanidades en el colegio de los Jesuitas de Madrid y luego en la Universidad de Alcalá y Salamanca: la cultura clásica y la teología escolástica permaneció siempre apoya lo esencial de su visión del mundo. Tenemos algunas noticias stunt interpretada por jóvenes Calderón de la barca en que Madrid cuyas crónicas filipinos están abarrotados con comedias auténticas del capó y la espada (peleas, duelos, ratas, oficial de policía de sanciones y alegremente contestada, etc.); puede pasar por alto, sin embargo, plenamente el amor y la vida amorosa del futuro poeta, que él no tendría que estar libre de aventuras. Cierto es que había, quizás por una actriz, un hijo natural llamado primero en ciertos documentos, “sobrino” y más tarde (cuando Calderón de la Barca ya sacerdote) francamente reconocido. Poco se sabe de su vida militar, si no que tomó parte en la campaña de 1640 en Cataluña, comportarse honorablemente. Desde algunas alusiones contenidas ne el sitio de Breda (el asedio de Breda) y otras tragedias, se supone una presencia de Calderón de la Barca también en Flandes. Sin embargo, fue su vocación precoz de poética y dramática: en 1622 participó en un concurso poético sobre San Isidoro de Madrid y fue alabado por Lope de Vega; al menos a partir de 1629 frecuentó los teatros y comenzó a componer obras teatrales. En 1636 su intermezzo, Los tres mayores prodigios (los tres mayores maravillas), en realidad más bien mediocre, fue muy aplaudida calurosamente la corte de Felipe IV – el máximo centro de actividades teatrales del país -y quizás esta es la razón por la que fue condecorado con la cruz de Santiago, que implicaba un reconocimiento de hidalguía. En 1651 Calderón de la Barca se convirtió en sacerdote y fue nombrado capellán de los Reyes Nuevos de Toledo (1653) y, a continuación, Capellán Honorario de la Corte, en Madrid. Aquí pasó los últimos veinte años de vida, respetado y agiato, voluntariamente aislado de “rumor mundano”, en una bella casa llena de libros, pinturas e instrumentos musicales, pero dando a las muchas obras de teatro, especialmente en materia religiosa.

La crítica
De los cinco “partes” de obras de teatro, publicada mientras Calderón de la Barca fue en vida (1636, 1637, 1664, 1672 y 1677), no fue preparado personalmente por él y el último fue de hecho reprobado por el autor; Calderón de la Barca publicado sólo muy tarde (1677), una colección de doce autos sacramentales, es evidente que la única parte de su teatro que el appassionava, al menos en la vejez. Afortunadamente, en la víspera de su muerte (1680), a petición del duque de Veraguas, justificadamente preocupados por el apócrifo obras y pobres que fueron atribuidas, Calderón de la Barca, recopiló una lista de sus comedias seculares; sobre la base de este Juan de Vera Tassis publicó la edición póstuma (1682-91), en gran medida incompleta – muchas obras calderoniane pasó de esta manera perdieron, aunque siempre es posible algún descubrimiento, como los que tuvieron lugar en Checoslovaquia en 1958, el Gran Duque de Gandía, que sirvió como base para las ediciones trasero y recoge lo que queda del teatro de Calderón de la Barca: alrededor de 120 comedias y dramas, 80 autos sacramentales, veinte interludios y otros Pequeñas operetas. Calderón de la Barca tenía entonces una existencia feliz y un complejo de “vida” a título póstumo aún más feliz: había hecho en numerosos sucesores, imitadores y epígono, incluso en los Estados Unidos, y siguió siendo representada, aunque con algunas interrupciones hasta el Romanticismo, cuando tuvo un relanzamiento del Parlamento, con admiradores como Goethe y Shelley, y luego como potenciadores de Verlaine, que el prefijo de Shakespeare. La Vida es Sueño y varios otros sus dramas son ahora reconocidos como obras maestras indiscutibles del teatro universal. Y es casi un lugar común para comparar a Dante a la altura de la poesía religiosa y teología (a Dante, es evidente, pero no medieval la contrarreforma y barroco).

Las obras
Para mayor comodidad, lo normal es crítico para clasificar las obras de Calderón de la Barca en diferentes grupos: a) las tragedias y comedias de tema religioso, tomado de la Biblia, desde el legendario de los santos y la tradición hagiográfica de, entre las cuales las obras maestras como El mágico prodigioso (El mago de los Milagros, la devoción de la cruz (la devoción de la Cruz, el purgatorio de San Patricio (el purgatorio de San Patricio) y los dos amantes del cielo ( los dos amantes del cielo); b) dramas históricos, entre los cuales surgen principalmente El Principe constante ( príncipe constante) y el Alcalde de Zalamea (el alcalde de Zalamea); c) las comedias de tejer y capó y espada, que enfatiza la suma capacidad de El dramaturgo, capaz para dibujar nuevos efectos, con la gracia del humor arcinote situaciones y lugares comunes: La dama duende (La dama fantasma), El escondido y la tapada (oculto y velado), Casa con dos puertas mala es de guardar ( una casa con dos puertas es difícil de mantener), etc.; (d) las comedias mitológicas y caballeresca, a veces el romance como el Castillo de Lindabridis (Castillo de Lindabris), el puente de Mantible (el puente de mandíbula), a veces muy delicadas fábulas teatrales como echo y Narcissus, la púrpura de la Rosa (La púrpura de la rosa); e) los dramas de honor y celos, que trata con crudeza uno de los principales motivos de la moralidad social del Siglo de Oro español: El médico de su honra (el médico de su Honor), secretada agravio secretada venganza (un delito secreta secreta venganza), el pintor de su deshonra (el pintor de su deshonra), el mayor monstruo, los celos (el mayor monstruo los celos); f) las comedias “filosófica” o simbólico, con obras como La vida es sueño (1635; la vida es sueño), verdadero y supremo dramática síntesis de ideas morales y religiosas de estilo barroco de España; g) farsas, interludios y otras pequeñas operetas, relucientes humor fresco; h) el grupo de los 80 autos sacramentales, dramas eucarístico en un acto en el que la estricta argumento teológico está animado con efectos a menudo inolvidable, por una racha de alto lirismo inagotable: El Gran Teatro del Mundo (el gran teatro del mundo), no hay más suerte que Dios (que ha No hay más suerte de Dios), El Nuevo hospicio de pobres (el nuevo hospicio para los pobres) y muchos otros. Se dice que el teatro de Calderón de la Barca tiene dos inconvenientes principales: la pobreza de la invención, así que a veces no dudan en retomar temas ya tratados por Lope de Vega y otros, y la debilidad de la caracterización de personajes (ya Goethe comentó que los personajes de Calderón de la Barca a menudo parecen Soldados de plomo fundido en el mismo molde). También es patente el total conformismo respecto de las ideas oficiales filipinos de España: la compañía de teatro calderoniano es, sin duda, un aristocraticismo sclerotizzato estático. Sin embargo, esto no significa mucho para el valor artístico y obras teatrales de Calderón de la Barca, que resisten el tiempo en virtud de una dolorosa concepción cristiana de la vida y una intensa energía” teatro y poesía. El mismo lenguaje barroco, que spiacque a siglos de racionalismo (XVIII y XIX), fascinan hoy en día (después de las experiencias de la avant-garde) para la deslumbrante originalidad: en particular de autos sacramentales

Corneille, Pierre
Dramaturgo francés Rouen (1606-París 1684). Nacido de una familia burguesa (su padre era inspector de aguas y bosques), estudió en el colegio de los Jesuitas de Rouen. Excelente estudiante, especie en latín, que fuisteis volver luego a menudo la literatura antiguas, para ambos aspectos declamatori, tanto por temas. Séneca y Lucano eran sus autores favoritos. En 1628 Corneille comenzó la profesión de abogado en su ciudad natal real y quizás no pensó nunca que se pueda dedicar al teatro. El amor de una muchacha le habían inspirado para escribir un soneto y no ser excluido, el mismo Mélite comedia en la que los inserta. La ópera, representada primero en Rouen y luego en París, en 1629, tuvo un éxito discreto y los estimuló a dedicarse al teatro. En 1632 escribió Clitandre ou l’Inocencia délivrée y antes de 1635 ya había en su activa otros cuatro comedias, en la que el tema romance está apoyado por un estilo lleno de vitalidad. Su primera tragedia, Médée, es de 1635. Fue en el ínterin transferidos a París y gozan de la protección de Richelieuu. Fue, ciertamente, una parte de las empresas de los “Cinco autores” con Boisrobert, Colletet, La Estoile y Rotrou, quien tuvo la tarea de poner en versos temas nacidos de la imaginación del cardenal. Pero Corneille, que nunca tuvo la virtud de la cortesana, pronto perdieron las simpatías del protector y probablemente también de los subsidios. El éxito de Médée, en la que la influencia de Séneca era demasiado evidente, hecha desde el prólogo de triunfo, que luego fue consagrada por su ópera más famosa, el Cid. Según algunos, la tragedia debe datarsi 1636, año en que Corneille escribió la ilusión comique; pero los documentos que han salido a la luz recientemente confirmó que el cid debe colocarse en 1637, o que la primera representación en el Théâtre du Marais es 1637. La tragedia del amor y el deber, revela en un conflicto de sentimientos, la profundidad de los caracteres de los protagonistas en una dinámica teatral aristotélica observa que las reglas, si no la unidad de lugar, estrictamente el tiempo. Corneille, en realidad, mal aceptado el concepto de las tres unidades de lugar, acción y tiempo, pero siempre trató de permanecer fieles, sobre todo a la última, porque su teatro choque de pasiones y el drama de la voluntad, la síntesis y el desarrollo de los acontecimientos inmediatos es esencial para la persecución de sentimiento, incapaz de hacer el Furore y lleno de alma prolongadas en el tiempo. El Cid para el final feliz que celebra el amor del protagonista y Chimène, es considerado tragicomedia, más que tragedia pura, y ciertamente también triunfó para los elementos mencionados sentimental es rico. El éxito de la ópera levantado envidias y quejas de parte de autores contemporáneos (Scudéry y Mairet) y, si no una envidia por autor, Corneille dibujó un resentimiento de protector por el cardenal Richelieu. Hoy en día existe una tendencia a reducir grandemente el rencor del ministro hacia el dramaturgo afortunado. Los llamados “Querelle du Cid” tiene su documentación oficial en sentimientos de l’Académie sur le “Cid”, elaborado por Chapelain (1638): sin embargo, es probable que Richelieu quería poner en evidencia las funciones de árbitro de la literatura que la academia fundada por él (y luego muy criticadas) tuvo que tomar. El artista, apesadumbrado, fue defendido por la acusación de plagio, pero él se quedó impresionado, tanto que no quiere más a imitar las obras de otros y sus tragedias, después de que el Cid, atraerán sólo a la historia. De orgullo, Corneille profundizó sus cualidades poéticas con principios fundamentales de la fe que hicieron sus discursos y sus prefacios y el mismo Examens con que acompañó la publicación de obras. La mayoría de ataques de respuesta válido el dio con nuevas tragedias. Dos en un solo año (1640): Horace (Horace) y Cinna. Horace es una vez más el drama de amor y el deber, por los sentimientos que vinculan a los duelistas (de los Horacios y Curacios) a las mujeres de las familias enfrentadas. Corneille dedicó a Richelieu, quizás con una apariencia de ironía, quizás para demostrar que los tres “unidades” (MET), que no pudo evitar que él cree funciona igualmente válida. Incluso Cinna, inspirados por el tratado de clementia de Séneca, fue un éxito. Pero sin duda la ópera más alta después de El Cid y de hecho para la crítica, la obra maestra en el sentido absoluto, es Polyeucte (1642), sin duda, considerar como el “Canon” de la tragedia corneliana. El asunto ha sido proporcionada a Corneille del histórico Surius. Polyeucte es el drama cristiano del amor de Dios triunfa sobre el amor humano y de la victoria del sentimiento religioso, que muta en el amor es un sentimiento de fidelidad conyugal. Un año después de la representación de su obra maestra Corneille puso en escena La Mort de Pompée y menteur, revelándose a sí mismo en la segunda y en la Suite du Menteur, autor de la comedia. Es un período sumamente fructífero para el poeta, quien en 1644 escribió y representó Rodogune y, más tarde, Héraclius (1646). Su fama se ha convertido en grande. Lo eligieron en la Academia (1647), escribió entonces Nicomède (1651). Un año después de la caída de Pertharite le tome por sorpresa y la avvilì. Regresó a Rouen, donde trabajó en la traducción de la Imitación de Cristo como alivio de sus preocupaciones familiares (sposatosi en 1640, tenía hijos de la mala salud que le dieron no pocos dolores y que la premorirono). Se dedicó al mismo tiempo para cuidar de una edición completa de sus obras. Regresó al teatro sólo en 1659, por invitación del superintendente Fouquet, y tuvo éxito con Edipe. Alojarse en París, Corneille se entiende plenamente que los tiempos han cambiado: el verde de la juventud ha pasado y con él, el reinado de Luis XIII y la suc- cessiva regencia de Ana de Austria. Ahora, con Luis XIV y el nuevo clasicismo de la ciudad de las artes y las letras, la Corte y el público prefirió Quinault y Racine. Un nuevo mundo poético ha tomado el lugar de la base, como los grandes modelos de la antigüedad, en el contraste de las pasiones: la razón queridos Corneille, cuya tragedia fue definido el teatro del deseo y el deber. Él continuó a escribir sin más, sin embargo, llegar a los vértices de Polyeucte y Cinna. El estilo de quien es considerado uno de los más grandes poetas de Francia resplandece con toda su fuerza también en otras obras: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), (1663), Sophonisbe Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), Pulchérie Suréna (1672), (1674), con la que concluyó sus actividades como un dramaturgo alejado para siempre del teatro; diez años después murió en la indiferencia general. En Corneille, donde el sentimiento y el orgullo se muestran como cualidades insustituibles de la individualidad hasta el supremo sacrificio, y quizá más en la retórica que en su verdadero sentido trágico, Francia ha reflejado a menudo, para una adherencia a la vida psíquica del hombre de todos los tiempos, de las teorías literarias.
Los artistas
Capiscuola de arte pop americano son considerados R. Rauschenberg y J. Johns, incluso si su labor aparece diferenciado en muchos aspectos a la de los artistas activos en la fase media de pop experiencias como C. Oldenburg, A. R. Warhol, Lichtenstein, Rosenquist, J. T. Wesselman, J. cenar (además de W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner y L. Ríos). Personalidad y diferentes expresiones tenía el arte pop español representado por P. Blake, R. Hamilton, R. Smith, D. Hockney, R. B. Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, P. Caufield, P. Phillips, E. Paolozzi, etc. La propagación del arte pop en Europa desde 1963, ha dado lugar a diferentes interpretaciones de acuerdo a las diferentes tradiciones culturales. En Italia se realizaron experiencias pop por G. Bertini, E. Baj, M. la rueda, a la que siguió, G. y G. Romagnoni Guerreschi(para ciertos intereses de investigación son considerados artistas pop Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Entre los representantes del arte pop francés y alemán son respectivamente de Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, P. Klasen y W. La Galia. Esauritasi como corriente artística especifica, el arte pop ha proporcionado una valiosa orientación a la experiencia posterior expresivo, del arte conceptual al arte povera, desde el hiper-realismo a la mec art. de pioneros, protagonistas y epígono de pop art en la Royal Academy of Arts de Londres ha dedicado en 1991 una gran revisión, posteriormente presentó también en Colonia y Madrid.

Op Art
Loc. (Del inglés Optical Art, Arte óptico) utilizados en italiano como sf. Para definir un movimiento artístico contemporáneo surgió a finales de la década de los cincuenta del siglo XX en post-informel clima. El término entró en el vocabulario artístico como resultado de la exposición “The Responsive Eye”, en el que se reunió en Nueva York (1965), artistas europeos que participan en investigación visual, se refiere a una amplia gama de investigaciones experimentales sobre procesos perceptuales basada en los fundamentos de la Gestalt Psychologie (Psicología), de forma que la definición de “Argán gestaltica Arte”. La revista de Nueva York de 1965 determinó una prevalencia de la experiencia americana en esas comunidades, hasta absorber, precisamente en el uso del término genérico Op art, el valor y la medida de la importante contribución de Europa dentro del marco de las diversas tendencias del arte cinético, al cual pertenece también a las actividades de la actual op. que conducen el proceso de la abstracción geométrica, el Op Art ofrece sugerencias visuales de movimiento (a veces impresionados por un mecanismo especial) a través de la Organización de las matemáticas de las formas geométricas y combinaciones de colores puros de tal manera como para actuar sobre la sensibilidad perceptual psychophysics (y no en el tradicional apoyo psicológico y cultural) de El Espectador, que es, en consecuencia, participa en Una participación activa. Una forma de arte basado en puramente visual, para que sean válidos, incluso los nombres de arte visual, Optical Art, etc., así como los conceptos de “aprendizaje”, “diseño”, porque es precisamente sobre la base de estas operaciones se basa la realización formal, los gráficos y la coloraciгіn de la ópera. En la perspectiva histórica de las diversas tendencias de investigación visual pasar de antecedentes culturales bien precisos: a partir de la contribución de la avant-garde ruso plásticos (constructivismo) y el Cubismo (en particular, con el orfico experiencias puntuales de Robert Delaunay y Sonia Delaunay), los logros de Kupka y aquellos de futurismo; desde el neoplasticismo de Mondrian en búsqueda de la revista De Stijl holandés, hasta contribuciones esenciales acumulados en el contexto de la Bauhaus por J. Albers, investigaciones de Max Bill, Vasarely y Julio Le Parc y B. Munari.

Biografía
El poeta y dramaturgo español de Madrid (1600-1681). El Hijo de un funcionario público, había llevado a cabo la formación en el campo de las humanidades en el colegio de los Jesuitas de Madrid y luego en la Universidad de Alcalá y Salamanca: la cultura clásica y la teología escolástica permaneció siempre apoya lo esencial de su visión del mundo. Tenemos algunas noticias stunt interpretada por jóvenes Calderón de la barca en que Madrid cuyas crónicas filipinos están abarrotados con comedias auténticas del capó y la espada (peleas, duelos, ratas, oficial de policía de sanciones y alegremente contestada, etc.); puede pasar por alto, sin embargo, plenamente el amor y la vida amorosa del futuro poeta, que él no tendría que estar libre de aventuras. Cierto es que había, quizás por una actriz, un hijo natural llamado primero en ciertos documentos, “sobrino” y más tarde (cuando Calderón de la Barca ya sacerdote) francamente reconocido. Poco se sabe de su vida militar, si no que tomó parte en la campaña de 1640 en Cataluña, comportarse honorablemente. Desde algunas alusiones contenidas ne el sitio de Breda (el asedio de Breda) y otras tragedias, se supone una presencia de Calderón de la Barca también en Flandes. Sin embargo, fue su vocación precoz de poética y dramática: en 1622 participó en un concurso poético sobre San Isidoro de Madrid y fue alabado por Lope de Vega; al menos a partir de 1629 frecuentó los teatros y comenzó a componer obras teatrales. En 1636 su intermezzo, Los tres mayores prodigios (los tres mayores maravillas), en realidad más bien mediocre, fue muy aplaudida calurosamente la corte de Felipe IV – el máximo centro de actividades teatrales del país -y quizás esta es la razón por la que fue condecorado con la cruz de Santiago, que implicaba un reconocimiento de hidalguía. En 1651 Calderón de la Barca se convirtió en sacerdote y fue nombrado capellán de los Reyes Nuevos de Toledo (1653) y, a continuación, Capellán Honorario de la Corte, en Madrid. Aquí pasó los últimos veinte años de vida, respetado y agiato, voluntariamente aislado de “rumor mundano”, en una bella casa llena de libros, pinturas e instrumentos musicales, pero dando a las muchas obras de teatro, especialmente en materia religiosa.

La crítica
De los cinco “partes” de obras de teatro, publicada mientras Calderón de la Barca fue en vida (1636, 1637, 1664, 1672 y 1677), no fue preparado personalmente por él y el último fue de hecho reprobado por el autor; Calderón de la Barca publicado sólo muy tarde (1677), una colección de doce autos sacramentales, es evidente que la única parte de su teatro que el appassionava, al menos en la vejez. Afortunadamente, en la víspera de su muerte (1680), a petición del duque de Veraguas, justificadamente preocupados por el apócrifo obras y pobres que fueron atribuidas, Calderón de la Barca, recopiló una lista de sus comedias seculares; sobre la base de este Juan de Vera Tassis publicó la edición póstuma (1682-91), en gran medida incompleta – muchas obras calderoniane pasó de esta manera perdieron, aunque siempre es posible algún descubrimiento, como los que tuvieron lugar en Checoslovaquia en 1958, el Gran Duque de Gandía, que sirvió como base para las ediciones trasero y recoge lo que queda del teatro de Calderón de la Barca: alrededor de 120 comedias y dramas, 80 autos sacramentales, veinte interludios y otros Pequeñas operetas. Calderón de la Barca tenía entonces una existencia feliz y un complejo de “vida” a título póstumo aún más feliz: había hecho en numerosos sucesores, imitadores y epígono, incluso en los Estados Unidos, y siguió siendo representada, aunque con algunas interrupciones hasta el Romanticismo, cuando tuvo un relanzamiento del Parlamento, con admiradores como Goethe y Shelley, y luego como potenciadores de Verlaine, que el prefijo de Shakespeare. La Vida es Sueño y varios otros sus dramas son ahora reconocidos como obras maestras indiscutibles del teatro universal. Y es casi un lugar común para comparar a Dante a la altura de la poesía religiosa y teología (a Dante, es evidente, pero no medieval la contrarreforma y barroco).
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Las obras
Para mayor comodidad, lo normal es crítico para clasificar las obras de Calderón de la Barca en diferentes grupos: a) las tragedias y comedias de tema religioso, tomado de la Biblia, desde el legendario de los santos y la tradición hagiográfica de, entre las cuales las obras maestras como El mágico prodigioso (El mago de los Milagros, la devoción de la cruz (la devoción de la Cruz, el purgatorio de San Patricio (el purgatorio de San Patricio) y los dos amantes del cielo ( los dos amantes del cielo); b) dramas históricos, entre los cuales surgen principalmente El Principe constante ( príncipe constante) y el Alcalde de Zalamea (el alcalde de Zalamea); c) las comedias de tejer y capó y espada, que enfatiza la suma capacidad de El dramaturgo, capaz para dibujar nuevos efectos, con la gracia del humor arcinote situaciones y lugares comunes: La dama duende (La dama fantasma), El escondido y la tapada (oculto y velado), Casa con dos puertas mala es de guardar ( una casa con dos puertas es difícil de mantener), etc.; (d) las comedias mitológicas y caballeresca, a veces el romance como el Castillo de Lindabridis (Castillo de Lindabris), el puente de Mantible (el puente de mandíbula), a veces muy delicadas fábulas teatrales como echo y Narcissus, la púrpura de la Rosa (La púrpura de la rosa); e) los dramas de honor y celos, que trata con crudeza uno de los principales motivos de la moralidad social del Siglo de Oro español: El médico de su honra (el médico de su Honor), secretada agravio secretada venganza (un delito secreta secreta venganza), el pintor de su deshonra (el pintor de su deshonra), el mayor monstruo, los celos (el mayor monstruo los celos); f) las comedias “filosófica” o simbólico, con obras como La vida es sueño (1635; la vida es sueño), verdadero y supremo dramática síntesis de ideas morales y religiosas de estilo barroco de España; g) farsas, interludios y otras pequeñas operetas, relucientes humor fresco; h) el grupo de los 80 autos sacramentales, dramas eucarístico en un acto en el que la estricta argumento teológico está animado con efectos a menudo inolvidable, por una racha de alto lirismo inagotable: El Gran Teatro del Mundo (el gran teatro del mundo), no hay más suerte que Dios (que ha No hay más suerte de Dios), El Nuevo hospicio de pobres (el nuevo hospicio para los pobres) y muchos otros. Se dice que el teatro de Calderón de la Barca tiene dos inconvenientes principales: la pobreza de la invención, así que a veces no dudan en retomar temas ya tratados por Lope de Vega y otros, y la debilidad de la caracterización de personajes (ya Goethe comentó que los personajes de Calderón de la Barca a menudo parecen Soldados de plomo fundido en el mismo molde). También es patente el total conformismo respecto de las ideas oficiales filipinos de España: la compañía de teatro calderoniano es, sin duda, un aristocraticismo sclerotizzato estático. Sin embargo, esto no significa mucho para el valor artístico y obras teatrales de Calderón de la Barca, que resisten el tiempo en virtud de una dolorosa concepción cristiana de la vida y una intensa energía” teatro y poesía. El mismo lenguaje barroco, que spiacque a siglos de racionalismo (XVIII y XIX), fascinan hoy en día (después de las experiencias de la avant-garde) para la deslumbrante originalidad: en particular de autos sacramentales

Corneille, Pierre
Dramaturgo francés Rouen (1606-París 1684). Nacido de una familia burguesa (su padre era inspector de aguas y bosques), estudió en el colegio de los Jesuitas de Rouen. Excelente estudiante, especie en latín, que fuisteis volver luego a menudo la literatura antiguas, para ambos aspectos declamatori, tanto por temas. Séneca y Lucano eran sus autores favoritos. En 1628 Corneille comenzó la profesión de abogado en su ciudad natal real y quizás no pensó nunca que se pueda dedicar al teatro. El amor de una muchacha le habían inspirado para escribir un soneto y no ser excluido, el mismo Mélite comedia en la que los inserta. La ópera, representada primero en Rouen y luego en París, en 1629, tuvo un éxito discreto y los estimuló a dedicarse al teatro. En 1632 escribió Clitandre ou l’Inocencia délivrée y antes de 1635 ya había en su activa otros cuatro comedias, en la que el tema romance está apoyado por un estilo lleno de vitalidad. Su primera tragedia, Médée, es de 1635. Fue en el ínterin transferidos a París y gozan de la protección de Richelieuu. Fue, ciertamente, una parte de las empresas de los “Cinco autores” con Boisrobert, Colletet, La Estoile y Rotrou, quien tuvo la tarea de poner en versos temas nacidos de la imaginación del cardenal. Pero Corneille, que nunca tuvo la virtud de la cortesana, pronto perdieron las simpatías del protector y probablemente también de los subsidios. El éxito de Médée, en la que la influencia de Séneca era demasiado evidente, hecha desde el prólogo de triunfo, que luego fue consagrada por su ópera más famosa, el Cid. Según algunos, la tragedia debe datarsi 1636, año en que Corneille escribió la ilusión comique; pero los documentos que han salido a la luz recientemente confirmó que el cid debe colocarse en 1637, o que la primera representación en el Théâtre du Marais es 1637. La tragedia del amor y el deber, revela en un conflicto de sentimientos, la profundidad de los caracteres de los protagonistas en una dinámica teatral aristotélica observa que las reglas, si no la unidad de lugar, estrictamente el tiempo. Corneille, en realidad, mal aceptado el concepto de las tres unidades de lugar, acción y tiempo, pero siempre trató de permanecer fieles, sobre todo a la última, porque su teatro choque de pasiones y el drama de la voluntad, la síntesis y el desarrollo de los acontecimientos inmediatos es esencial para la persecución de sentimiento, incapaz de hacer el Furore y lleno de alma prolongadas en el tiempo. El Cid para el final feliz que celebra el amor del protagonista y Chimène, es considerado tragicomedia, más que tragedia pura, y ciertamente también triunfó para los elementos mencionados sentimental es rico. El éxito de la ópera levantado envidias y quejas de parte de autores contemporáneos (Scudéry y Mairet) y, si no una envidia por autor, Corneille dibujó un resentimiento de protector por el cardenal Richelieu. Hoy en día existe una tendencia a reducir grandemente el rencor del ministro hacia el dramaturgo afortunado. Los llamados “Querelle du Cid” tiene su documentación oficial en sentimientos de l’Académie sur le “Cid”, elaborado por Chapelain (1638): sin embargo, es probable que Richelieu quería poner en evidencia las funciones de árbitro de la literatura que la academia fundada por él (y luego muy criticadas) tuvo que tomar. El artista, apesadumbrado, fue defendido por la acusación de plagio, pero él se quedó impresionado, tanto que no quiere más a imitar las obras de otros y sus tragedias, después de que el Cid, atraerán sólo a la historia. De orgullo, Corneille profundizó sus cualidades poéticas con principios fundamentales de la fe que hicieron sus discursos y sus prefacios y el mismo Examens con que acompañó la publicación de obras. La mayoría de ataques de respuesta válido el dio con nuevas tragedias. Dos en un solo año (1640): Horace (Horace) y Cinna. Horace es una vez más el drama de amor y el deber, por los sentimientos que vinculan a los duelistas (de los Horacios y Curacios) a las mujeres de las familias enfrentadas. Corneille dedicó a Richelieu, quizás con una apariencia de ironía, quizás para demostrar que los tres “unidades” (MET), que no pudo evitar que él cree funciona igualmente válida. Incluso Cinna, inspirados por el tratado de clementia de Séneca, fue un éxito. Pero sin duda la ópera más alta después de El Cid y de hecho para la crítica, la obra maestra en el sentido absoluto, es Polyeucte (1642), sin duda, considerar como el “Canon” de la tragedia corneliana. El asunto ha sido proporcionada a Corneille del histórico Surius. Polyeucte es el drama cristiano del amor de Dios triunfa sobre el amor humano y de la victoria del sentimiento religioso, que muta en el amor es un sentimiento de fidelidad conyugal. Un año después de la representación de su obra maestra Corneille puso en escena La Mort de Pompée y menteur, revelándose a sí mismo en la segunda y en la Suite du Menteur, autor de la comedia. Es un período sumamente fructífero para el poeta, quien en 1644 escribió y representó Rodogune y, más tarde, Héraclius (1646). Su fama se ha convertido en grande. Lo eligieron en la Academia (1647), escribió entonces Nicomède (1651). Un año después de la caída de Pertharite le tome por sorpresa y la avvilì. Regresó a Rouen, donde trabajó en la traducción de la Imitación de Cristo como alivio de sus preocupaciones familiares (sposatosi en 1640, tenía hijos de la mala salud que le dieron no pocos dolores y que la premorirono). Se dedicó al mismo tiempo para cuidar de una edición completa de sus obras. Regresó al teatro sólo en 1659, por invitación del superintendente Fouquet, y tuvo éxito con Edipe. Alojarse en París, Corneille se entiende plenamente que los tiempos han cambiado: el verde de la juventud ha pasado y con él, el reinado de Luis XIII y la suc- cessiva regencia de Ana de Austria. Ahora, con Luis XIV y el nuevo clasicismo de la ciudad de las artes y las letras, la Corte y el público prefirió Quinault y Racine. Un nuevo mundo poético ha tomado el lugar de la base, como los grandes modelos de la antigüedad, en el contraste de las pasiones: la razón queridos Corneille, cuya tragedia fue definido el teatro del deseo y el deber. Él continuó a escribir sin más, sin embargo, llegar a los vértices de Polyeucte y Cinna. El estilo de quien es considerado uno de los más grandes poetas de Francia resplandece con toda su fuerza también en otras obras: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), (1663), Sophonisbe Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), Pulchérie Suréna (1672), (1674), con la que concluyó sus actividades como un dramaturgo alejado para siempre del teatro; diez años después murió en la indiferencia general. En Corneille, donde el sentimiento y el orgullo se muestran como cualidades insustituibles de la individualidad hasta el supremo sacrificio, y quizá más en la retórica que en su verdadero sentido trágico, Francia ha reflejado a menudo, para una adherencia a la vida psíquica del hombre de todos los tiempos, de las teorías literarias.

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