BuddyPress.org

Det artister
Capiscuola av amerikansk pop art er vurdert R. Rauschenberg og J. Johns, selv om deres arbeid differensierte vises på mange måter fra som kunstnere aktive i den midtre fase av pop-opplevelser som C. Oldenburg, A. Warhol, R. Lichtenstein, J. Rosenquist, T. Wesselman, J. spise (i tillegg til W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner og L. elver). Personlighet og ulike uttrykk hadde pop art engelsk representert av P. Blake, R. Hamilton, R. Smith, D. Hockney, R. B. Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, P. Caufield, P. Phillips, E. Paolozzi osv. spredningen av pop art i Europa siden 1963, har gitt opphav til ulike tolkninger i henhold til ulike kulturelle tradisjon. I Italia pop erfaringer ble utført av G. Bertini, E. Baj, M. hjulet, som fulgte G. Guerreschi og G. Romagnoni(for visse forskning interesser skal regnes pop artister om Devalle, Pistoletto, osv.). Mellom representanter for pop art fransk og tysk er henholdsvis Niki de Saint Phalle, Christo,, kampsport Raysse, P. Klasen og W. Gallia. Esauritasi som kunstnerisk gjeldende angir, Pop art har gitt verdifull veiledning til påfølgende opplev uttrykksfull, fra konseptuelle kunsten å arte povera, fra hyper-realisme til mec art. til pionerer, hovedpersonene og epigone pop art på Royal Academy of Arts i London har dedikert i 1991 en flott anmeldelse, deretter presenteres også i Köln og Madrid.

Op Art
Loc. Engelsk (fra optisk art, art optisk) brukes i italiensk som sf. Å definere en bevegelse moderne kunstneriske dukket opp på slutten av femtitallet av XX tallet i post-informel klima. Begrepet registrert i kunstnerisk vokabular som et resultat av utstillingen “Mottakelig Eye”, som samlet i New York (1965) europeiske kunstnere engasjert i visuell forskning, refererer til et bredt spekter av eksperimentell forskning på perseptuell prosesser basert på grunnlag av Gestalt Psychologie (Shape psykologi), fra hvilken definisjon av Argan “gestaltica Art”. New York-gjennomgang av 1965 fastsatt en utbredelsen av amerikansk opplevelse på de samfunn, opp til å absorbere, nøyaktig i bruk av generiske termen op art, verdi og mål på viktige europeiske bidrag innenfor rammen av ulike trender av kinetic art, som også tilhører aktiviteter på gjeldende op. som ledet prosessen med geometrisk abstraksjon, op art tilbyr visuelle forslag av bevegelse (noen ganger imponert av en spesiell mekanisme) gjennom matematikk organisasjon av geometriske former og kombinasjoner av rene farger på en måte som å handle på følsomhet perseptuell psychophysics (og ikke på den tradisjonelle psykologisk støtte og kulturelle) av tilskuere, som dermed blir involvert i En aktiv deltakelse. En form for art basert på en ren visuell, for de er gyldige til og med navnene på visuell kunst, optisk art, etc., samt begrepene “programmering”, “design”, fordi det er nettopp på grunnlag av disse operasjonene er basert på formelle realisering, grafikk og farging av opera. I historisk perspektiv de ulike trender av visuell forskning flytter fra kulturell bakgrunn og presis: fra bidrag til avant-garde russiske plast (constructivism) og kubismen (i bestemt at orfico, med punktlig opplevelser av Robert Delaunay og Sonia Delaunay), til prestasjoner av Kupka og de av futurisme, fra neoplasticismo Mondrian i søk på nederlandsk blad De Stijl, opp til avgjørende bidrag påløpne i konteksten av Bauhaus av J. Albers, forsker på Max Bill, Vasarely og Julio Le Parc og B. Munari.

Biografi
Poeten og dramatikeren spansk Madrid (1600-1681). Sønn av en tjenestemann, hadde oppnådd dannelse i historiske fag på jesuittkollegiet Madrid og deretter i universitetet i Alcalá og Salamanca: klassisk kultur og scholastic teologi forble alltid det avgjørende støtter i sitt syn på verden. Vi har nyheter om noen stunt utført av unge Calderon de la Barca i at Madrid filippinsk som chronicles er overfylt med autentisk komedier av panseret og sverd (slåsskamper, dueller, rotter, sanksjoner politiets offisielle og muntert svarte, osv.); du ignorerer imidlertid fullt av elske livet og kjærlig av fremtidige poeten, som han bør ikke være fri for eventyr. Enkelte er bare som hadde, kanskje av en skuespiller, en naturlig sønn kalt første i visse dokumenter, “nevø” og senere (når Calderon de la Barca hadde allerede presten) ærlig talt gjenkjennes. Lite er kjent for sin militære liv, hvis ikke som tok del i kampanjen i 1640 i Catalonia, oppfører seg honorably. Fra noen allusion inneholdt ne el sitio de Breda (beleiring av Breda) og andre tragedier, forutsettes det en tilstedeværelse av Calderon de la Barca også i Flandern. Imidlertid var den veslevoksne hennes kall av poetisk og dramatisk: I 1622 tok han del i en konkurranse poetisk på Saint Isidore av Madrid og ble hyllet av Lope de Vega, minst fra 1629 han hjemsøkes av teatre og begynte å komponere teatralsk fungerer. I 1636 sin intermezzo, Los tres mayores prodigios (de tre største underverker), i virkeligheten heller middelmådig, var veldig varmt applauderte forgården til Filip IV – maksimal sentrum av teatralsk aktiviteter i landet – og kanskje dette er grunnen til at han ble tildelt på tvers av Santiago, som innebar en anerkjennelse av hidalguía. I 1651 Calderon de la Barca ble en prest og ble først utnevnt chaplain av Reyes Neuvos av Toledo (1653) og deretter honorære chaplain av Court, i Madrid. Her tilbrakte han de siste 20 årene av livet, respektert og agiato, frivillig tilbaketrukket fra “overnaturlige rykte”, i et vakkert hus fulle av bøker, malerier og musikkinstrumenter, men gir til teater mange fungerer, spesielt religiøs betydning.

Den kritiske
Av de fem “deler” av teatralsk utgitt arbeider mens Calderon de la Barca var i livet (1636, 1637, 1664, 1672 og 1677), ingen ble tilberedt av ham og den siste var faktisk avslås av forfatteren; Calderon de la Barca publisert bare veldig sent (1677), en samling av tolv biler sacramentales, tydelig at bare en del av hans teater at appassionava, minst i gamle alder. Heldigvis, på kvelden før sin død (1680), på forespørsel til hertugen av Veragua, med rette bekymret for apocryphal fungerer og dårlig som ble godskrevet, Calderón de la Barca kompilert en liste over sine verdslige komedier, på grunnlag av dette Juan de Vera Tassis publisert den mafiabossens edition (1682-91), i hovedsak ufullstendig – mange fungerer calderoniane gikk opp på denne måten mistet, selv om det alltid er mulig å noen funn, som for eksempel de som oppstod i Tsjekkoslovakia i 1958 Storhertugen i Gandía – som serveres som en basis for bakre versjoner og samler hva gjenstår av teater av Calderon de la Barca: ca. 120 komedier og dramaer, 80 biler sacramentales, tyve klippene tar og andre Mindre operetter. Calderon de la Barca hadde deretter en eksistens i komplekse glade og et “liv” posthumously lykkeligere likevel: hadde faktisk mange etterfølgere, mine efterfølgere og epigone, selv i Amerika, og fortsatte å være representert, riktignok med noen avbrudd til romantikken, da han hadde en relaunching parlamentet, med beundrere som Goethe og Shelley, og deretter glansfremmende stoffer som Verlaine, at fortegnet til Shakespeare. La Vida es sueño og flere andre hans dramaer er nå anerkjent som udiskutable mesterverk av universal teater. Og det er nesten et felles sted å sammenligne den til Dante til høyden på religiøse poesi og teologi (en Dante, er åpenbare, middelalderske ikke men Counter-Reformation og barokke).

Den fungerer
For praktisk kritisk, det er vanlig å klassifisere works av Calderon de la Barca i forskjellige grupper: A) tragedier og komedier av religiøse emne, hentet fra bibelen, fra den legendariske hellige og hagiographic tradisjon, blant som mesterverk som El mágico imponerende (Magician av mirakler), devoción de la Cruz (den hengivenhet til Cross), El purgatorio de San Patricio (skjærsilden i videospillet av Saint Patrick) og Los Dos amantes av himmelen ( de to elskere av himmelen); B) historiske dramaer, blant som kommer hovedsakelig El Principe konstant ( prince konstant) og El Alcalde de Zalamea (borgermesteren i Zalamea); C) komedier av veving og panseret og sverd, som understreker den summen muligheten for Det dramatikeren, i stand til å tegne nye effekter, med humoristiske nåde fra arcinote situasjoner og vanlige stedene: La dama duende (La dama ghost), El escondido y de tapada (den skjulte og skilsmisse), hus med Dos Puertas mala es de guardar ( et hus med to dører er vanskelig å bevare), etc.; (d) komedier knightley og mytologiske, noen ganger romantikk som El Castillo de Lindabridis (slott av Lindabris), Puente de Mantible (broen til kjevebeinet), noen ganger veldig delikate teatralsk stridigheter som echo y Narkissus’ hus, hudblødninger de la Rosa (den lilla av rosa); E) dramaer av ære og nidkjærhet, håndtering med crudeness en av de viktigste årsakene til sosial moral spansk gylne århundre: El médico de su honra (legen deres Ære), en som skilles ut agravio som skilles ut venganza (en hemmelighet forbrytelse hevn), El pintor de su deshonra (maleren av sin vanære), El mayor monstruo, los celos (den største monster er nidkjærhet); F) komedier “filosofiske” eller symbolsk, med mesterverk som La Vida es sueño (1635; livet er drøm), true og supreme dramatiske syntese av ideer moralske og religiøse av barokk Spania; G) farces, klippene tar og andre mindre operetter, glinsende frisk humor; h) gruppen av 80 biler sacramentales, eucharistic dramaer i en act som strenge teologiske argument er enlivened med effekter som ofte uforglemmelig, ved en sprute av uuttømmelig høy lyrik: El Gran Teatro del Mundo (grand teater av verden), ingen hay más flaks Que Dios (har Ingen mer flaks av Gud), El Nuevo hospicio de pobres (den nye fattighus) og mange andre. Det er sagt at teater av Calderon de la Barca har to ulemper: fattigdom av oppfinnelse – så noen ganger ikke nøler med å gjenoppta motiver allerede dekket av Lope de Vega og andre – og svak karakterisering av tegn (allerede Goethe bemerket at tegn av Calderon de la Barca ofte synes å soldater av støpte ledning i samme mugg). Reinhekla er også den totale conformism i forhold til offisielle ideer til filippinsk Spania: selskapet av teater calderoniano er utvilsomt statisk, en aristocraticismo sclerotizzato. Dette imidlertid ikke bety mye til kunstnerisk verdi og teatralsk mesterverk av Calderón de la Barca, som motstår den gang i kraft av en smertefull Christian begrep av liv og en intens energi’ teater og poesi. Den samme barokk språk, som spiacque til århundrer av rasjonalisme (XVIII og daterer seg), fascinerer i dag (etter at opplevelser av avant-garde) for den strålende originalitet: i bestemte at av biler sacramentales

Corneille, Pierre
Den franske dramatikeren (Rouen salongbaren 1606-Paris 1684). Født av en borgerlig familie (hans far var kontrolløren av vann og skog), han studerte på jesuittkollegiet Rouen. Utmerket student, arter i Latin, du reiste tilbake så ofte gamle litteratur, for begge sider declamatori, både for temaer. Seneca og Lucan var hennes favoritt forfattere. I 1628 Corneille begynte den bekjennelsen av talsmann real i sin opprinnelige byen og kanskje ikke tenkte aldri å kunne vie til teater. Kjærligheten til en jente som hadde inspirert ham til å skrive en sonett og ikke bli ekskludert, det samme Mélite komedie der de satt. Opera, representert først i Rouen, og deretter i Paris i 1629, hadde en diskré suksess og stimulert til vier seg til teater. I 1632 skrev han Clitandre ou l’Innocence délivrée og før 1635 hadde allerede i den aktive fire andre komedier, der emnet romantikken er støttet av en stil full av vitalitet. Hans første tragedie, Médée, er i 1635. Det var i mellomtiden overført til Paris og nøt beskyttelse av Richelieuu. Det var faktisk en del av selskaper i “fem forfattere” med Boisrobert, Colletet, Estoile og Rotrou, som hadde oppgaven med å sette i vers emner født fra fantasien til cardinal. Men Corneille, at han aldri hadde den dyd av courtier, snart mistet sympathies av protector og trolig også subsidier. Suksessen til Médée, i hvilken påvirkning av Seneca var altfor tydelig, og laget fra prologue til triumf som deretter ble vigslet av hans mest berømte opera, Cid. I henhold til noen, tragedien bør datarsi 1636, året da Corneille skrev den illusjonen comique, men dokumenter som har kommet til lys ganske nylig bekreftet at cid bør plasseres i 1637, eller at den første representasjon på Théâtre du Marais er 1637. Tragedien om kjærlighet og plikt, avslører i en konflikt av følelser, dybden av tegn av hovedpersonene i en dynamisk teatralsk at Aristotelian regler observerer, hvis ikke den unity av sted, strengt den gang. Corneille, i virkeligheten, dårlig akseptert konseptet i tre enheter av sted, handling, tid, men alltid prøvd å forbli trofast, spesielt til den siste, fordi dens teater sammenstøt av lidenskaper og dramatikken i vil, syntese og umiddelbar hendelsene er avgjørende for legging av idéen, kan ikke den furore og full av sjel forlenget i tid. Det Cid for lykkelig slutt som feirer kjærligheten til hovedpersonen og Chimène, anses tragicomedy, mer enn ren tragedie, og absolutt også triumferte for elementer sentimental referert er rik. Suksessen til opera løftet avind og klager fra en del av moderne forfattere (Scudéry og Mairet) og, hvis ikke en misunnelse av forfatteren, Corneille tegnet en ergrelse fra beskyttelse av kardinal Richelieu. I dag er det en tendens til å redusere betraktelig den rancor av minister mot den heldige dramatikeren. Den såkalte “Querelle du Cid” har sin offisielle dokumentasjonen i synspunkter til de l’Académie sur le “Cid”, utarbeidet av Chapelain (1638): Det er imidlertid sannsynlig at Richelieu ville sett i bevis på oppdrag av megleren av litteratur at academy ble grunnlagt av ham (og deretter meget kritisert) hadde å ta. Kunstneren, grue, ble beskyttet av beskyldning om plagiat, men han forble imponert, så mye at han ikke ønsker mer imitere arbeider av andre og dens tragedier, etter at Cid, vil trekke bare til historie. Av stolthet, Corneille effektivisert sine kvaliteter poetisk med viktige prinsipper som gjorde troen hans taler og dens prefaces og samme Examens med som ledsaget publiseringen av fungerer. Den mest gyldige svar angrep den gav med nye tragedier. To i ett år bare (1640): Horace (Horace) og Cinna. Horace er nok en gang drama om kjærlighet og plikt, for de synspunktene som binder duelists (Horatii og Curiatii) til kvinner av de motstående familier. Corneille dedikert til Richelieu, kanskje med en form for ironi, kanskje for å demonstrere at de tre “enheter” (Met) kunne ikke hindre ham å opprette fungerer like gyldig. Selv Cinna, inspirert av avhandlingen De clementia av Seneca, var vellykket. Men absolutt opera mer høy etter Cid og faktisk for kritikk, et mesterverk i absolutt forstand, er Polyeucte (1642), utvilsomt anser som “Canon” av tragedien corneliana. Saken har blitt gitt til Corneille fra historiske Surius. Polyeucte er den kristne drama av Guds kjærlighet triumferende på menneskelig kjærlighet og av seier i den religiøse ordtak som muterer i kjærlighet er en følelse av conjugal lojalitet. Et år etter at representasjon av hans mesterverk Corneille satte i scene La Mort de Pompée og menteur, åpenbarer seg i det siste og i suiten du Menteur, komedie forfatter. Det er en periode svært fruktbart for poeten, som i 1644 skrev og representert Rodogune og, senere, Héraclius (1646). Hans berømmelse hadde blitt store. Algte ham på Academy (1647), deretter skrev Nicomède (1651). Et år etter at den faller av Pertharite ta ham med overraskelse og avvilì. Han returnerte til Rouen, hvor han jobbet på oversettelse av imitasjon av Kristus som avlastning fra hennes bekymringer familie sposatosi (i 1640, var sønner av dårlig helse som gav ham ikke noen smerter og at premorirono). Han viet seg på samme tid til omsorg for en komplett utgave av hans gjerninger. Han returnerte til teater bare i 1659, på invitasjon av – Boreoperasjonsleder Fouquet, og hadde suksess med Edipe. Bor i Paris, Corneille er fullt ut forstått at tiden ble endret: Den grønne ungdom hadde passert og med det Ludvig XIII og vel- cessiva regency av Anne i Østerrike. Nå med Louis XIV og den nye wienerklassisismen til arts og bokstaver, Forgården og det offentlige foretrukne Quinault og Racine. En poetisk verden nye hadde tatt plassen til ett basert, som den store modeller av antikken, i kontrast til lidenskaper: årsak kjære til Corneille, som tragedien ble definert teater av lyst og plikt. Han fortsatte å skrive uten mer nå, men toppunkt av Polyeucte og Cinna. Stilen til den som er ansett som en av de største diktere i Frankrike skinner frem i all sin kraft også i andre arbeider: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), Pulchérie (1672), Suréna (1674), som han avsluttet sin virksomhet som en dramatiker bort for alltid fra teateret, ti år etter at han døde i generell likegyldighet. I Corneille, hvor følelse og stolthet er vist som umistelige kvaliteter av individualitet til supreme ofre, og kanskje mer i retorikken som i sin sanne sense tragiske, Frankrike har ofte reflektert, for en tilslutning til psykologiske liv av mann for hver gang, ut av litterære teorier.
Det artister
Capiscuola av amerikansk pop art er vurdert R. Rauschenberg og J. Johns, selv om deres arbeid differensierte vises på mange måter fra som kunstnere aktive i den midtre fase av pop-opplevelser som C. Oldenburg, A. Warhol, R. Lichtenstein, J. Rosenquist, T. Wesselman, J. spise (i tillegg til W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner og L. elver). Personlighet og ulike uttrykk hadde pop art engelsk representert av P. Blake, R. Hamilton, R. Smith, D. Hockney, R. B. Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, P. Caufield, P. Phillips, E. Paolozzi osv. spredningen av pop art i Europa siden 1963, har gitt opphav til ulike tolkninger i henhold til ulike kulturelle tradisjon. I Italia pop erfaringer ble utført av G. Bertini, E. Baj, M. hjulet, som fulgte G. Guerreschi og G. Romagnoni(for visse forskning interesser skal regnes pop artister om Devalle, Pistoletto, osv.). Mellom representanter for pop art fransk og tysk er henholdsvis Niki de Saint Phalle, Christo,, kampsport Raysse, P. Klasen og W. Gallia. Esauritasi som kunstnerisk gjeldende angir, Pop art har gitt verdifull veiledning til påfølgende opplev uttrykksfull, fra konseptuelle kunsten å arte povera, fra hyper-realisme til mec art. til pionerer, hovedpersonene og epigone pop art på Royal Academy of Arts i London har dedikert i 1991 en flott anmeldelse, deretter presenteres også i Köln og Madrid.

Op Art
Loc. Engelsk (fra optisk art, art optisk) brukes i italiensk som sf. Å definere en bevegelse moderne kunstneriske dukket opp på slutten av femtitallet av XX tallet i post-informel klima. Begrepet registrert i kunstnerisk vokabular som et resultat av utstillingen “Mottakelig Eye”, som samlet i New York (1965) europeiske kunstnere engasjert i visuell forskning, refererer til et bredt spekter av eksperimentell forskning på perseptuell prosesser basert på grunnlag av Gestalt Psychologie (Shape psykologi), fra hvilken definisjon av Argan “gestaltica Art”. New York-gjennomgang av 1965 fastsatt en utbredelsen av amerikansk opplevelse på de samfunn, opp til å absorbere, nøyaktig i bruk av generiske termen op art, verdi og mål på viktige europeiske bidrag innenfor rammen av ulike trender av kinetic art, som også tilhører aktiviteter på gjeldende op. som ledet prosessen med geometrisk abstraksjon, op art tilbyr visuelle forslag av bevegelse (noen ganger imponert av en spesiell mekanisme) gjennom matematikk organisasjon av geometriske former og kombinasjoner av rene farger på en måte som å handle på følsomhet perseptuell psychophysics (og ikke på den tradisjonelle psykologisk støtte og kulturelle) av tilskuere, som dermed blir involvert i En aktiv deltakelse. En form for art basert på en ren visuell, for de er gyldige til og med navnene på visuell kunst, optisk art, etc., samt begrepene “programmering”, “design”, fordi det er nettopp på grunnlag av disse operasjonene er basert på formelle realisering, grafikk og farging av opera. I historisk perspektiv de ulike trender av visuell forskning flytter fra kulturell bakgrunn og presis: fra bidrag til avant-garde russiske plast (constructivism) og kubismen (i bestemt at orfico, med punktlig opplevelser av Robert Delaunay og Sonia Delaunay), til prestasjoner av Kupka og de av futurisme, fra neoplasticismo Mondrian i søk på nederlandsk blad De Stijl, opp til avgjørende bidrag påløpne i konteksten av Bauhaus av J. Albers, forsker på Max Bill, Vasarely og Julio Le Parc og B. Munari.

Biografi
Poeten og dramatikeren spansk Madrid (1600-1681). Sønn av en tjenestemann, hadde oppnådd dannelse i historiske fag på jesuittkollegiet Madrid og deretter i universitetet i Alcalá og Salamanca: klassisk kultur og scholastic teologi forble alltid det avgjørende støtter i sitt syn på verden. Vi har nyheter om noen stunt utført av unge Calderon de la Barca i at Madrid filippinsk som chronicles er overfylt med autentisk komedier av panseret og sverd (slåsskamper, dueller, rotter, sanksjoner politiets offisielle og muntert svarte, osv.); du ignorerer imidlertid fullt av elske livet og kjærlig av fremtidige poeten, som han bør ikke være fri for eventyr. Enkelte er bare som hadde, kanskje av en skuespiller, en naturlig sønn kalt første i visse dokumenter, “nevø” og senere (når Calderon de la Barca hadde allerede presten) ærlig talt gjenkjennes. Lite er kjent for sin militære liv, hvis ikke som tok del i kampanjen i 1640 i Catalonia, oppfører seg honorably. Fra noen allusion inneholdt ne el sitio de Breda (beleiring av Breda) og andre tragedier, forutsettes det en tilstedeværelse av Calderon de la Barca også i Flandern. Imidlertid var den veslevoksne hennes kall av poetisk og dramatisk: I 1622 tok han del i en konkurranse poetisk på Saint Isidore av Madrid og ble hyllet av Lope de Vega, minst fra 1629 han hjemsøkes av teatre og begynte å komponere teatralsk fungerer. I 1636 sin intermezzo, Los tres mayores prodigios (de tre største underverker), i virkeligheten heller middelmådig, var veldig varmt applauderte forgården til Filip IV – maksimal sentrum av teatralsk aktiviteter i landet – og kanskje dette er grunnen til at han ble tildelt på tvers av Santiago, som innebar en anerkjennelse av hidalguía. I 1651 Calderon de la Barca ble en prest og ble først utnevnt chaplain av Reyes Neuvos av Toledo (1653) og deretter honorære chaplain av Court, i Madrid. Her tilbrakte han de siste 20 årene av livet, respektert og agiato, frivillig tilbaketrukket fra “overnaturlige rykte”, i et vakkert hus fulle av bøker, malerier og musikkinstrumenter, men gir til teater mange fungerer, spesielt religiøs betydning.

Den kritiske
Av de fem “deler” av teatralsk utgitt arbeider mens Calderon de la Barca var i livet (1636, 1637, 1664, 1672 og 1677), ingen ble tilberedt av ham og den siste var faktisk avslås av forfatteren; Calderon de la Barca publisert bare veldig sent (1677), en samling av tolv biler sacramentales, tydelig at bare en del av hans teater at appassionava, minst i gamle alder. Heldigvis, på kvelden før sin død (1680), på forespørsel til hertugen av Veragua, med rette bekymret for apocryphal fungerer og dårlig som ble godskrevet, Calderón de la Barca kompilert en liste over sine verdslige komedier, på grunnlag av dette Juan de Vera Tassis publisert den mafiabossens edition (1682-91), i hovedsak ufullstendig – mange fungerer calderoniane gikk opp på denne måten mistet, selv om det alltid er mulig å noen funn, som for eksempel de som oppstod i Tsjekkoslovakia i 1958 Storhertugen i Gandía – som serveres som en basis for bakre versjoner og samler hva gjenstår av teater av Calderon de la Barca: ca. 120 komedier og dramaer, 80 biler sacramentales, tyve klippene tar og andre Mindre operetter. Calderon de la Barca hadde deretter en eksistens i komplekse glade og et “liv” posthumously lykkeligere likevel: hadde faktisk mange etterfølgere, mine efterfølgere og epigone, selv i Amerika, og fortsatte å være representert, riktignok med noen avbrudd til romantikken, da han hadde en relaunching parlamentet, med beundrere som Goethe og Shelley, og deretter glansfremmende stoffer som Verlaine, at fortegnet til Shakespeare. La Vida es sueño og flere andre hans dramaer er nå anerkjent som udiskutable mesterverk av universal teater. Og det er nesten et felles sted å sammenligne den til Dante til høyden på religiøse poesi og teologi (en Dante, er åpenbare, middelalderske ikke men Counter-Reformation og barokke).

Den fungerer
For praktisk kritisk, det er vanlig å klassifisere works av Calderon de la Barca i forskjellige grupper: A) tragedier og komedier av religiøse emne, hentet fra bibelen, fra den legendariske hellige og hagiographic tradisjon, blant som mesterverk som El mágico imponerende (Magician av mirakler), devoción de la Cruz (den hengivenhet til Cross), El purgatorio de San Patricio (skjærsilden i videospillet av Saint Patrick) og Los Dos amantes av himmelen ( de to elskere av himmelen); B) historiske dramaer, blant som kommer hovedsakelig El Principe konstant ( prince konstant) og El Alcalde de Zalamea (borgermesteren i Zalamea); C) komedier av veving og panseret og sverd, som understreker den summen muligheten for Det dramatikeren, i stand til å tegne nye effekter, med humoristiske nåde fra arcinote situasjoner og vanlige stedene: La dama duende (La dama ghost), El escondido y de tapada (den skjulte og skilsmisse), hus med Dos Puertas mala es de guardar ( et hus med to dører er vanskelig å bevare), etc.; (d) komedier knightley og mytologiske, noen ganger romantikk som El Castillo de Lindabridis (slott av Lindabris), Puente de Mantible (broen til kjevebeinet), noen ganger veldig delikate teatralsk stridigheter som echo y Narkissus’ hus, hudblødninger de la Rosa (den lilla av rosa); E) dramaer av ære og nidkjærhet, håndtering med crudeness en av de viktigste årsakene til sosial moral spansk gylne århundre: El médico de su honra (legen deres Ære), en som skilles ut agravio som skilles ut venganza (en hemmelighet forbrytelse hevn), El pintor de su deshonra (maleren av sin vanære), El mayor monstruo, los celos (den største monster er nidkjærhet); F) komedier “filosofiske” eller symbolsk, med mesterverk som La Vida es sueño (1635; livet er drøm), true og supreme dramatiske syntese av ideer moralske og religiøse av barokk Spania; G) farces, klippene tar og andre mindre operetter, glinsende frisk humor; h) gruppen av 80 biler sacramentales, eucharistic dramaer i en act som strenge teologiske argument er enlivened med effekter som ofte uforglemmelig, ved en sprute av uuttømmelig høy lyrik: El Gran Teatro del Mundo (grand teater av verden), ingen hay más flaks Que Dios (har Ingen mer flaks av Gud), El Nuevo hospicio de pobres (den nye fattighus) og mange andre. Det er sagt at teater av Calderon de la Barca har to ulemper: fattigdom av oppfinnelse – så noen ganger ikke nøler med å gjenoppta motiver allerede dekket av Lope de Vega og andre – og svak karakterisering av tegn (allerede Goethe bemerket at tegn av Calderon de la Barca ofte synes å soldater av støpte ledning i samme mugg). Reinhekla er også den totale conformism i forhold til offisielle ideer til filippinsk Spania: selskapet av teater calderoniano er utvilsomt statisk, en aristocraticismo sclerotizzato. Dette imidlertid ikke bety mye til kunstnerisk verdi og teatralsk mesterverk av Calderón de la Barca, som motstår den gang i kraft av en smertefull Christian begrep av liv og en intens energi’ teater og poesi. Den samme barokk språk, som spiacque til århundrer av rasjonalisme (XVIII og daterer seg), fascinerer i dag (etter at opplevelser av avant-garde) for den strålende originalitet: i bestemte at av biler sacramentales

Corneille, Pierre
Den franske dramatikeren (Rouen salongbaren 1606-Paris 1684). Født av en borgerlig familie (hans far var kontrolløren av vann og skog), han studerte på jesuittkollegiet Rouen. Utmerket student, arter i Latin, du reiste tilbake så ofte gamle litteratur, for begge sider declamatori, både for temaer. Seneca og Lucan var hennes favoritt forfattere. I 1628 Corneille begynte den bekjennelsen av talsmann real i sin opprinnelige byen og kanskje ikke tenkte aldri å kunne vie til teater. Kjærligheten til en jente som hadde inspirert ham til å skrive en sonett og ikke bli ekskludert, det samme Mélite komedie der de satt. Opera, representert først i Rouen, og deretter i Paris i 1629, hadde en diskré suksess og stimulert til vier seg til teater. I 1632 skrev han Clitandre ou l’Innocence délivrée og før 1635 hadde allerede i den aktive fire andre komedier, der emnet romantikken er støttet av en stil full av vitalitet. Hans første tragedie, Médée, er i 1635. Det var i mellomtiden overført til Paris og nøt beskyttelse av Richelieuu. Det var faktisk en del av selskaper i “fem forfattere” med Boisrobert, Colletet, Estoile og Rotrou, som hadde oppgaven med å sette i vers emner født fra fantasien til cardinal. Men Corneille, at han aldri hadde den dyd av courtier, snart mistet sympathies av protector og trolig også subsidier. Suksessen til Médée, i hvilken påvirkning av Seneca var altfor tydelig, og laget fra prologue til triumf som deretter ble vigslet av hans mest berømte opera, Cid. I henhold til noen, tragedien bør datarsi 1636, året da Corneille skrev den illusjonen comique, men dokumenter som har kommet til lys ganske nylig bekreftet at cid bør plasseres i 1637, eller at den første representasjon på Théâtre du Marais er 1637. Tragedien om kjærlighet og plikt, avslører i en konflikt av følelser, dybden av tegn av hovedpersonene i en dynamisk teatralsk at Aristotelian regler observerer, hvis ikke den unity av sted, strengt den gang. Corneille, i virkeligheten, dårlig akseptert konseptet i tre enheter av sted, handling, tid, men alltid prøvd å forbli trofast, spesielt til den siste, fordi dens teater sammenstøt av lidenskaper og dramatikken i vil, syntese og umiddelbar hendelsene er avgjørende for legging av idéen, kan ikke den furore og full av sjel forlenget i tid. Det Cid for lykkelig slutt som feirer kjærligheten til hovedpersonen og Chimène, anses tragicomedy, mer enn ren tragedie, og absolutt også triumferte for elementer sentimental referert er rik. Suksessen til opera løftet avind og klager fra en del av moderne forfattere (Scudéry og Mairet) og, hvis ikke en misunnelse av forfatteren, Corneille tegnet en ergrelse fra beskyttelse av kardinal Richelieu. I dag er det en tendens til å redusere betraktelig den rancor av minister mot den heldige dramatikeren. Den såkalte “Querelle du Cid” har sin offisielle dokumentasjonen i synspunkter til de l’Académie sur le “Cid”, utarbeidet av Chapelain (1638): Det er imidlertid sannsynlig at Richelieu ville sett i bevis på oppdrag av megleren av litteratur at academy ble grunnlagt av ham (og deretter meget kritisert) hadde å ta. Kunstneren, grue, ble beskyttet av beskyldning om plagiat, men han forble imponert, så mye at han ikke ønsker mer imitere arbeider av andre og dens tragedier, etter at Cid, vil trekke bare til historie. Av stolthet, Corneille effektivisert sine kvaliteter poetisk med viktige prinsipper som gjorde troen hans taler og dens prefaces og samme Examens med som ledsaget publiseringen av fungerer. Den mest gyldige svar angrep den gav med nye tragedier. To i ett år bare (1640): Horace (Horace) og Cinna. Horace er nok en gang drama om kjærlighet og plikt, for de synspunktene som binder duelists (Horatii og Curiatii) til kvinner av de motstående familier. Corneille dedikert til Richelieu, kanskje med en form for ironi, kanskje for å demonstrere at de tre “enheter” (Met) kunne ikke hindre ham å opprette fungerer like gyldig. Selv Cinna, inspirert av avhandlingen De clementia av Seneca, var vellykket. Men absolutt opera mer høy etter Cid og faktisk for kritikk, et mesterverk i absolutt forstand, er Polyeucte (1642), utvilsomt anser som “Canon” av tragedien corneliana. Saken har blitt gitt til Corneille fra historiske Surius. Polyeucte er den kristne drama av Guds kjærlighet triumferende på menneskelig kjærlighet og av seier i den religiøse ordtak som muterer i kjærlighet er en følelse av conjugal lojalitet. Et år etter at representasjon av hans mesterverk Corneille satte i scene La Mort de Pompée og menteur, åpenbarer seg i det siste og i suiten du Menteur, komedie forfatter. Det er en periode svært fruktbart for poeten, som i 1644 skrev og representert Rodogune og, senere, Héraclius (1646). Hans berømmelse hadde blitt store. Algte ham på Academy (1647), deretter skrev Nicomède (1651). Et år etter at den faller av Pertharite ta ham med overraskelse og avvilì. Han returnerte til Rouen, hvor han jobbet på oversettelse av imitasjon av Kristus som avlastning fra hennes bekymringer familie sposatosi (i 1640, var sønner av dårlig helse som gav ham ikke noen smerter og at premorirono). Han viet seg på samme tid til omsorg for en komplett utgave av hans gjerninger. Han returnerte til teater bare i 1659, på invitasjon av – Boreoperasjonsleder Fouquet, og hadde suksess med Edipe. Bor i Paris, Corneille er fullt ut forstått at tiden ble endret: Den grønne ungdom hadde passert og med det Ludvig XIII og vel- cessiva regency av Anne i Østerrike. Nå med Louis XIV og den nye wienerklassisismen til arts og bokstaver, Forgården og det offentlige foretrukne Quinault og Racine. En poetisk verden nye hadde tatt plassen til ett basert, som den store modeller av antikken, i kontrast til lidenskaper: årsak kjære til Corneille, som tragedien ble definert teater av lyst og plikt. Han fortsatte å skrive uten mer nå, men toppunkt av Polyeucte og Cinna. Stilen til den som er ansett som en av de største diktere i Frankrike skinner frem i all sin kraft også i andre arbeider: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), Pulchérie (1672), Suréna (1674), som han avsluttet sin virksomhet som en dramatiker bort for alltid fra teateret, ti år etter at han døde i generell likegyldighet. I Corneille, hvor følelse og stolthet er vist som umistelige kvaliteter av individualitet til supreme ofre, og kanskje mer i retorikken som i sin sanne sense tragiske, Frankrike har ofte reflektert, for en tilslutning til psykologiske liv av mann for hver gang, ut av litterære teorier.
Det artister
Capiscuola av amerikansk pop art er vurdert R. Rauschenberg og J. Johns, selv om deres arbeid differensierte vises på mange måter fra som kunstnere aktive i den midtre fase av pop-opplevelser som C. Oldenburg, A. Warhol, R. Lichtenstein, J. Rosenquist, T. Wesselman, J. spise (i tillegg til W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner og L. elver). Personlighet og ulike uttrykk hadde pop art engelsk representert av P. Blake, R. Hamilton, R. Smith, D. Hockney, R. B. Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, P. Caufield, P. Phillips, E. Paolozzi osv. spredningen av pop art i Europa siden 1963, har gitt opphav til ulike tolkninger i henhold til ulike kulturelle tradisjon. I Italia pop erfaringer ble utført av G. Bertini, E. Baj, M. hjulet, som fulgte G. Guerreschi og G. Romagnoni(for visse forskning interesser skal regnes pop artister om Devalle, Pistoletto, osv.). Mellom representanter for pop art fransk og tysk er henholdsvis Niki de Saint Phalle, Christo,, kampsport Raysse, P. Klasen og W. Gallia. Esauritasi som kunstnerisk gjeldende angir, Pop art har gitt verdifull veiledning til påfølgende opplev uttrykksfull, fra konseptuelle kunsten å arte povera, fra hyper-realisme til mec art. til pionerer, hovedpersonene og epigone pop art på Royal Academy of Arts i London har dedikert i 1991 en flott anmeldelse, deretter presenteres også i Köln og Madrid.

Op Art
Loc. Engelsk (fra optisk art, art optisk) brukes i italiensk som sf. Å definere en bevegelse moderne kunstneriske dukket opp på slutten av femtitallet av XX tallet i post-informel klima. Begrepet registrert i kunstnerisk vokabular som et resultat av utstillingen “Mottakelig Eye”, som samlet i New York (1965) europeiske kunstnere engasjert i visuell forskning, refererer til et bredt spekter av eksperimentell forskning på perseptuell prosesser basert på grunnlag av Gestalt Psychologie (Shape psykologi), fra hvilken definisjon av Argan “gestaltica Art”. New York-gjennomgang av 1965 fastsatt en utbredelsen av amerikansk opplevelse på de samfunn, opp til å absorbere, nøyaktig i bruk av generiske termen op art, verdi og mål på viktige europeiske bidrag innenfor rammen av ulike trender av kinetic art, som også tilhører aktiviteter på gjeldende op. som ledet prosessen med geometrisk abstraksjon, op art tilbyr visuelle forslag av bevegelse (noen ganger imponert av en spesiell mekanisme) gjennom matematikk organisasjon av geometriske former og kombinasjoner av rene farger på en måte som å handle på følsomhet perseptuell psychophysics (og ikke på den tradisjonelle psykologisk støtte og kulturelle) av tilskuere, som dermed blir involvert i En aktiv deltakelse. En form for art basert på en ren visuell, for de er gyldige til og med navnene på visuell kunst, optisk art, etc., samt begrepene “programmering”, “design”, fordi det er nettopp på grunnlag av disse operasjonene er basert på formelle realisering, grafikk og farging av opera. I historisk perspektiv de ulike trender av visuell forskning flytter fra kulturell bakgrunn og presis: fra bidrag til avant-garde russiske plast (constructivism) og kubismen (i bestemt at orfico, med punktlig opplevelser av Robert Delaunay og Sonia Delaunay), til prestasjoner av Kupka og de av futurisme, fra neoplasticismo Mondrian i søk på nederlandsk blad De Stijl, opp til avgjørende bidrag påløpne i konteksten av Bauhaus av J. Albers, forsker på Max Bill, Vasarely og Julio Le Parc og B. Munari.

Biografi
Poeten og dramatikeren spansk Madrid (1600-1681). Sønn av en tjenestemann, hadde oppnådd dannelse i historiske fag på jesuittkollegiet Madrid og deretter i universitetet i Alcalá og Salamanca: klassisk kultur og scholastic teologi forble alltid det avgjørende støtter i sitt syn på verden. Vi har nyheter om noen stunt utført av unge Calderon de la Barca i at Madrid filippinsk som chronicles er overfylt med autentisk komedier av panseret og sverd (slåsskamper, dueller, rotter, sanksjoner politiets offisielle og muntert svarte, osv.); du ignorerer imidlertid fullt av elske livet og kjærlig av fremtidige poeten, som han bør ikke være fri for eventyr. Enkelte er bare som hadde, kanskje av en skuespiller, en naturlig sønn kalt første i visse dokumenter, “nevø” og senere (når Calderon de la Barca hadde allerede presten) ærlig talt gjenkjennes. Lite er kjent for sin militære liv, hvis ikke som tok del i kampanjen i 1640 i Catalonia, oppfører seg honorably. Fra noen allusion inneholdt ne el sitio de Breda (beleiring av Breda) og andre tragedier, forutsettes det en tilstedeværelse av Calderon de la Barca også i Flandern. Imidlertid var den veslevoksne hennes kall av poetisk og dramatisk: I 1622 tok han del i en konkurranse poetisk på Saint Isidore av Madrid og ble hyllet av Lope de Vega, minst fra 1629 han hjemsøkes av teatre og begynte å komponere teatralsk fungerer. I 1636 sin intermezzo, Los tres mayores prodigios (de tre største underverker), i virkeligheten heller middelmådig, var veldig varmt applauderte forgården til Filip IV – maksimal sentrum av teatralsk aktiviteter i landet – og kanskje dette er grunnen til at han ble tildelt på tvers av Santiago, som innebar en anerkjennelse av hidalguía. I 1651 Calderon de la Barca ble en prest og ble først utnevnt chaplain av Reyes Neuvos av Toledo (1653) og deretter honorære chaplain av Court, i Madrid. Her tilbrakte han de siste 20 årene av livet, respektert og agiato, frivillig tilbaketrukket fra “overnaturlige rykte”, i et vakkert hus fulle av bøker, malerier og musikkinstrumenter, men gir til teater mange fungerer, spesielt religiøs betydning.

Den kritiske
Av de fem “deler” av teatralsk utgitt arbeider mens Calderon de la Barca var i livet (1636, 1637, 1664, 1672 og 1677), ingen ble tilberedt av ham og den siste var faktisk avslås av forfatteren; Calderon de la Barca publisert bare veldig sent (1677), en samling av tolv biler sacramentales, tydelig at bare en del av hans teater at appassionava, minst i gamle alder. Heldigvis, på kvelden før sin død (1680), på forespørsel til hertugen av Veragua, med rette bekymret for apocryphal fungerer og dårlig som ble godskrevet, Calderón de la Barca kompilert en liste over sine verdslige komedier, på grunnlag av dette Juan de Vera Tassis publisert den mafiabossens edition (1682-91), i hovedsak ufullstendig – mange fungerer calderoniane gikk opp på denne måten mistet, selv om det alltid er mulig å noen funn, som for eksempel de som oppstod i Tsjekkoslovakia i 1958 Storhertugen i Gandía – som serveres som en basis for bakre versjoner og samler hva gjenstår av teater av Calderon de la Barca: ca. 120 komedier og dramaer, 80 biler sacramentales, tyve klippene tar og andre Mindre operetter. Calderon de la Barca hadde deretter en eksistens i komplekse glade og et “liv” posthumously lykkeligere likevel: hadde faktisk mange etterfølgere, mine efterfølgere og epigone, selv i Amerika, og fortsatte å være representert, riktignok med noen avbrudd til romantikken, da han hadde en relaunching parlamentet, med beundrere som Goethe og Shelley, og deretter glansfremmende stoffer som Verlaine, at fortegnet til Shakespeare. La Vida es sueño og flere andre hans dramaer er nå anerkjent som udiskutable mesterverk av universal teater. Og det er nesten et felles sted å sammenligne den til Dante til høyden på religiøse poesi og teologi (en Dante, er åpenbare, middelalderske ikke men Counter-Reformation og barokke).

Den fungerer
For praktisk kritisk, det er vanlig å klassifisere works av Calderon de la Barca i forskjellige grupper: A) tragedier og komedier av religiøse emne, hentet fra bibelen, fra den legendariske hellige og hagiographic tradisjon, blant som mesterverk som El mágico imponerende (Magician av mirakler), devoción de la Cruz (den hengivenhet til Cross), El purgatorio de San Patricio (skjærsilden i videospillet av Saint Patrick) og Los Dos amantes av himmelen ( de to elskere av himmelen); B) historiske dramaer, blant som kommer hovedsakelig El Principe konstant ( prince konstant) og El Alcalde de Zalamea (borgermesteren i Zalamea); C) komedier av veving og panseret og sverd, som understreker den summen muligheten for Det dramatikeren, i stand til å tegne nye effekter, med humoristiske nåde fra arcinote situasjoner og vanlige stedene: La dama duende (La dama ghost), El escondido y de tapada (den skjulte og skilsmisse), hus med Dos Puertas mala es de guardar ( et hus med to dører er vanskelig å bevare), etc.; (d) komedier knightley og mytologiske, noen ganger romantikk som El Castillo de Lindabridis (slott av Lindabris), Puente de Mantible (broen til kjevebeinet), noen ganger veldig delikate teatralsk stridigheter som echo y Narkissus’ hus, hudblødninger de la Rosa (den lilla av rosa); E) dramaer av ære og nidkjærhet, håndtering med crudeness en av de viktigste årsakene til sosial moral spansk gylne århundre: El médico de su honra (legen deres Ære), en som skilles ut agravio som skilles ut venganza (en hemmelighet forbrytelse hevn), El pintor de su deshonra (maleren av sin vanære), El mayor monstruo, los celos (den største monster er nidkjærhet); F) komedier “filosofiske” eller symbolsk, med mesterverk som La Vida es sueño (1635; livet er drøm), true og supreme dramatiske syntese av ideer moralske og religiøse av barokk Spania; G) farces, klippene tar og andre mindre operetter, glinsende frisk humor; h) gruppen av 80 biler sacramentales, eucharistic dramaer i en act som strenge teologiske argument er enlivened med effekter som ofte uforglemmelig, ved en sprute av uuttømmelig høy lyrik: El Gran Teatro del Mundo (grand teater av verden), ingen hay más flaks Que Dios (har Ingen mer flaks av Gud), El Nuevo hospicio de pobres (den nye fattighus) og mange andre. Det er sagt at teater av Calderon de la Barca har to ulemper: fattigdom av oppfinnelse – så noen ganger ikke nøler med å gjenoppta motiver allerede dekket av Lope de Vega og andre – og svak karakterisering av tegn (allerede Goethe bemerket at tegn av Calderon de la Barca ofte synes å soldater av støpte ledning i samme mugg). Reinhekla er også den totale conformism i forhold til offisielle ideer til filippinsk Spania: selskapet av teater calderoniano er utvilsomt statisk, en aristocraticismo sclerotizzato. Dette imidlertid ikke bety mye til kunstnerisk verdi og teatralsk mesterverk av Calderón de la Barca, som motstår den gang i kraft av en smertefull Christian begrep av liv og en intens energi’ teater og poesi. Den samme barokk språk, som spiacque til århundrer av rasjonalisme (XVIII og daterer seg), fascinerer i dag (etter at opplevelser av avant-garde) for den strålende originalitet: i bestemte at av biler sacramentales

Corneille, Pierre
Den franske dramatikeren (Rouen salongbaren 1606-Paris 1684). Født av en borgerlig familie (hans far var kontrolløren av vann og skog), han studerte på jesuittkollegiet Rouen. Utmerket student, arter i Latin, du reiste tilbake så ofte gamle litteratur, for begge sider declamatori, både for temaer. Seneca og Lucan var hennes favoritt forfattere. I 1628 Corneille begynte den bekjennelsen av talsmann real i sin opprinnelige byen og kanskje ikke tenkte aldri å kunne vie til teater. Kjærligheten til en jente som hadde inspirert ham til å skrive en sonett og ikke bli ekskludert, det samme Mélite komedie der de satt. Opera, representert først i Rouen, og deretter i Paris i 1629, hadde en diskré suksess og stimulert til vier seg til teater. I 1632 skrev han Clitandre ou l’Innocence délivrée og før 1635 hadde allerede i den aktive fire andre komedier, der emnet romantikken er støttet av en stil full av vitalitet. Hans første tragedie, Médée, er i 1635. Det var i mellomtiden overført til Paris og nøt beskyttelse av Richelieuu. Det var faktisk en del av selskaper i “fem forfattere” med Boisrobert, Colletet, Estoile og Rotrou, som hadde oppgaven med å sette i vers emner født fra fantasien til cardinal. Men Corneille, at han aldri hadde den dyd av courtier, snart mistet sympathies av protector og trolig også subsidier. Suksessen til Médée, i hvilken påvirkning av Seneca var altfor tydelig, og laget fra prologue til triumf som deretter ble vigslet av hans mest berømte opera, Cid. I henhold til noen, tragedien bør datarsi 1636, året da Corneille skrev den illusjonen comique, men dokumenter som har kommet til lys ganske nylig bekreftet at cid bør plasseres i 1637, eller at den første representasjon på Théâtre du Marais er 1637. Tragedien om kjærlighet og plikt, avslører i en konflikt av følelser, dybden av tegn av hovedpersonene i en dynamisk teatralsk at Aristotelian regler observerer, hvis ikke den unity av sted, strengt den gang. Corneille, i virkeligheten, dårlig akseptert konseptet i tre enheter av sted, handling, tid, men alltid prøvd å forbli trofast, spesielt til den siste, fordi dens teater sammenstøt av lidenskaper og dramatikken i vil, syntese og umiddelbar hendelsene er avgjørende for legging av idéen, kan ikke den furore og full av sjel forlenget i tid. Det Cid for lykkelig slutt som feirer kjærligheten til hovedpersonen og Chimène, anses tragicomedy, mer enn ren tragedie, og absolutt også triumferte for elementer sentimental referert er rik. Suksessen til opera løftet avind og klager fra en del av moderne forfattere (Scudéry og Mairet) og, hvis ikke en misunnelse av forfatteren, Corneille tegnet en ergrelse fra beskyttelse av kardinal Richelieu. I dag er det en tendens til å redusere betraktelig den rancor av minister mot den heldige dramatikeren. Den såkalte “Querelle du Cid” har sin offisielle dokumentasjonen i synspunkter til de l’Académie sur le “Cid”, utarbeidet av Chapelain (1638): Det er imidlertid sannsynlig at Richelieu ville sett i bevis på oppdrag av megleren av litteratur at academy ble grunnlagt av ham (og deretter meget kritisert) hadde å ta. Kunstneren, grue, ble beskyttet av beskyldning om plagiat, men han forble imponert, så mye at han ikke ønsker mer imitere arbeider av andre og dens tragedier, etter at Cid, vil trekke bare til historie. Av stolthet, Corneille effektivisert sine kvaliteter poetisk med viktige prinsipper som gjorde troen hans taler og dens prefaces og samme Examens med som ledsaget publiseringen av fungerer. Den mest gyldige svar angrep den gav med nye tragedier. To i ett år bare (1640): Horace (Horace) og Cinna. Horace er nok en gang drama om kjærlighet og plikt, for de synspunktene som binder duelists (Horatii og Curiatii) til kvinner av de motstående familier. Corneille dedikert til Richelieu, kanskje med en form for ironi, kanskje for å demonstrere at de tre “enheter” (Met) kunne ikke hindre ham å opprette fungerer like gyldig. Selv Cinna, inspirert av avhandlingen De clementia av Seneca, var vellykket. Men absolutt opera mer høy etter Cid og faktisk for kritikk, et mesterverk i absolutt forstand, er Polyeucte (1642), utvilsomt anser som “Canon” av tragedien corneliana. Saken har blitt gitt til Corneille fra historiske Surius. Polyeucte er den kristne drama av Guds kjærlighet triumferende på menneskelig kjærlighet og av seier i den religiøse ordtak som muterer i kjærlighet er en følelse av conjugal lojalitet. Et år etter at representasjon av hans mesterverk Corneille satte i scene La Mort de Pompée og menteur, åpenbarer seg i det siste og i suiten du Menteur, komedie forfatter. Det er en periode svært fruktbart for poeten, som i 1644 skrev og representert Rodogune og, senere, Héraclius (1646). Hans berømmelse hadde blitt store. Algte ham på Academy (1647), deretter skrev Nicomède (1651). Et år etter at den faller av Pertharite ta ham med overraskelse og avvilì. Han returnerte til Rouen, hvor han jobbet på oversettelse av imitasjon av Kristus som avlastning fra hennes bekymringer familie sposatosi (i 1640, var sønner av dårlig helse som gav ham ikke noen smerter og at premorirono). Han viet seg på samme tid til omsorg for en komplett utgave av hans gjerninger. Han returnerte til teater bare i 1659, på invitasjon av – Boreoperasjonsleder Fouquet, og hadde suksess med Edipe. Bor i Paris, Corneille er fullt ut forstått at tiden ble endret: Den grønne ungdom hadde passert og med det Ludvig XIII og vel- cessiva regency av Anne i Østerrike. Nå med Louis XIV og den nye wienerklassisismen til arts og bokstaver, Forgården og det offentlige foretrukne Quinault og Racine. En poetisk verden nye hadde tatt plassen til ett basert, som den store modeller av antikken, i kontrast til lidenskaper: årsak kjære til Corneille, som tragedien ble definert teater av lyst og plikt. Han fortsatte å skrive uten mer nå, men toppunkt av Polyeucte og Cinna. Stilen til den som er ansett som en av de største diktere i Frankrike skinner frem i all sin kraft også i andre arbeider: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), Pulchérie (1672), Suréna (1674), som han avsluttet sin virksomhet som en dramatiker bort for alltid fra teateret, ti år etter at han døde i generell likegyldighet. I Corneille, hvor følelse og stolthet er vist som umistelige kvaliteter av individualitet til supreme ofre, og kanskje mer i retorikken som i sin sanne sense tragiske, Frankrike har ofte reflektert, for en tilslutning til psykologiske liv av mann for hver gang, ut av litterære teorier.