BuddyPress.org

Den spanske maleren (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Han er utdannet i Sevilla, og det livlige sentrum av en figurative kultur av den realistiske natur. I 1617 åpnet han sin egen butikk i Llerena, i Extremadura, men i 1629 slo han seg tilbake til Sevilla og forble det (bortsett fra et opphold i Madrid i 1634) til 1659 ca. Når redusert, i forhold til ekstrem fattigdom, flyttet han til Madrid hvor han forsøkte forgjeves å bli satt inn i det kulturelle klimaet i byen. Aktiviteten av Zurbaran er esplicò nesten utelukkende i produksjon av hellige bilder av meget høy nummer (ca. 600) og kvalitet noen ganger ikke sublime, skyldes utstrakt bruk av samarbeidspartnere, i artikkelen til øyeblikk av krise av maleren, spesielt i de siste årene av livet når det ble betraktet som gikk forbi hans utholdene i favør av Murillo. Stilen til Zurbaran består av både naturalismen typisk sevillian, utviklet og førte til høyeste resultat for bruk av farger, alltid gjennomført innredet og imponerende selv i mørke toner; både disegnativa tradisjon av mannerer spansk, som bærer maleren å løse sine komposisjoner i tall i første etasje, fra elegante konturer og incisors, tydelig atskilt fra den nøytrale midler eller mørke, utenfor enhver historisk atmosfære. De fleste av hans arbeider ble utført som en hengiven sykluser for kirker og klostre i Sevilla og andre spanske byer (for øyeblikket er spredt blant ulike museer), oppriktig medskyldige i den religiøse ordtak populære (malerier for Merced Calzada i Sevilla, 1629; malerier for Nuestra Señora de la Defension i Jerez de la Frontera, 1638-39). Den berømte serien av hellige pierce ved misticheggianti stikkord til feiring dekorative elegant. Rundt 1633 Zurbaran viet seg også for en kort tid å Natura morta, forlater en av de største mesterverk av sjangeren, med absolutt renhet: retten av sedertre, en kurv av appelsiner og kopp med rosa (1633, allerede i Firenze, Contini Bonacossi samling, fra 1973 i Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Påvirkning av Zurbaran, heller ikke i Spania, ble i stedet enormt i Latin-Amerika, særlig i Peru, der maleren sendt mange verk i perioden 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Den spanske maleren Sevilla (1617-1682). Den kunstneriske begynnelser av Murillo var hovedsakelig knyttet til byen jul, først som en student av middelmådig Juan del Castillo, deretter som uavhengige maleren, sensitive til art av Ribera, Zurbarán, Velázquez, den ungdommelige works, sterk i design og modellert, men vesentlig små originaler det også demonstrere en sharer av generisk caravaggismo svevende i spansk miljø. Kontakter med italiensk maleri, gjennom B. Cavallino og A. Vaccari, flamsk og (kanskje besøkt de kongelige samlinger under en reise til Madrid i 1648, der han kunne studere works av Rubens, Van Dyck), aktualisert en original tolkning av colorismo veneto som kobler sammen en lett bruk dypt scenographic og barokk; disse figurene allerede vises i elleve malerier med mirakler av fransiskanske Saints for klosteret i mot parken ordre i Sevilla (1645-48), i dag spredt, og i den fødselen av jomfru (Paris, Louvre), triumphal begynnelsen på en lang aktivitet på service av confraternities og religiøse forordninger innen som Murillo viste seg å være oppriktig tolk og overbevisende av mystikk counter-reform. Tolkningen realistiske forsiktig, populære folkemusikk og kommunikativ i den hellige episode, stadig mer åpenbare i works moden (syklus for Hospice for veldedighet i Sevilla, ca. 1670-80: lægedom for paralytic ved bassenget, London, National Gallery, retur av den forlorne sønn, Washington, National Gallery), sluttet seg til den sofistikerte farger og høy kvalitet formelle, har gjort av komposisjoner av Murillo motiver den mest populære av de religiøse oleografia (tenker på de utallige versjoner av feilfrie begrep, som noen i Madrid Prado), som har kommet for å endre, i slitasje på bildet, den virkelige og høy kunstnerisk verdi. Sykluser av malerier av genus popolaresco (gutter som spiser frukt, Monaco, Alte Pinakothek galiciske; vinduet, Washington, National Gallery), effektive åpninger på picaresque verden som innviet en sjanger destinatoa stor suksess til det attende århundre sendte, og portretter av den naturalistiske innstilling (mannen med krage, Madrid, Prado), vil bidra til å forklare den dypeste inspirasjon til kunstneren, som tar sikte på å forbedre de uttrykksfulle muligheter av farge, noen ganger med compiacimenti virtuous. “Å utdype se Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “å utdype se Gedea Art vol. 7 pp 262-269”

Det Ordforrådet vårt
Sm. [Fra fransk rokokko, endring, lettsindig av rocaille]. Den dekorative stilen som utviklet i Paris rundt 1730 og som dominerte på andre stiler for om tyve år, spredning og deretter høyre mot slutten av århundret i de nordlige regioner i Frankrike, Italia og sentrale Europa opp til Russland. Med verdien av Adj., som tilhører, akkurat denne stilen: mobile, fasade, rokokko smak; for utvidelse, kunstige lambiccato, men ikke uten nåde: en frisyre rokokko.

Art: I Frankrike
Sterkt imøtegått av moderne classicistiche strømninger og tardobarocche, rokokko ble vurdert negativt gjennom det nittende århundre før den første kritiske analysen utføres av brødrene De Goncourt, som advart både nær forbindelse med en bestemt oppfatning av det sosiale livet, både det estetiske revolusjonerende forteller ham. Ideologisk rokokko er kunstnerisk uttrykk av adelen av cosmopolitan kommer på slutten av sin historiske funksjon, som masker samvittigheten til nedgangen med et prinsipp om evasion fra virkeligheten, skaper en fiktiv verden på myten om den evig ungdom og av unruffled serenity. Sosial atferd justeres deretter på konsepter av raffinement og eleganse, til underholdningsaspektet til én artikkel og filosofiske libertinism fra en annen. På flukt fra virkeligheten oppstår både på det intellektuelle nivå og på eksistensiell og alle detaljer i miljøet skal gis til vei i livet: alt må være vakker, virkelig er “fint”, ettersom begrepet skjønnhet består av seg selv bare hva er delikate og skjøre, nyansert, klar, pittoreske. Under dette aspektet vi forstår da “nødvendigheten” av en bestemt type klær (vestments les av silke og muslin i pastellfarger, hvit parykk som embellishes ansiktet og gjør uten alder, deretter evig unge), som tilsvarer en bestemt type miljø der til live. Den estetisk revolusjon av rokokko oppstår i faktum i harmonisk samspill mellom alle detaljene i innredningen, som bidrar likt til alle arts (og “mindre” er evaluert åpenbart på linje med de tradisjonelt “Noble”) refererer til oppretting av organiske miljøer og homogen. De historiske fakta fra der du starter rokokko (selv om lokalene er sporbare siden siste år av XVII århundre) er overføringen av court fra Versailles i Paris etter døden i Louis XIV (1715), bestilt av regent hertugen av Orléans, det faktum at bestemmes for adelen, de trenger å omorganisere private palasser av hovedstaden, med lange år bebodd bare av og til. For å fjerne den avgrensede områder utviklet raskt i den perioden av regency smaken for bleke vegger, “åpen” av vell av speil og illeggiadrite stukkaturarbeider lys for små møbler og lakkert i pastellfarger, for ledere også fra den lyse nyanser, for smykker av minste størrelse og motivet frivole, i klar opposisjon til innredningen Louis XIV, overdådige (men også tung) dominert av mørke farger og av gilding. Sjelden var i Frankrike den store arkitektoniske realisering, som usufruirono strukturer barokk fortsatt så mye som svært nøktern og funksjonell, rettet i praksis som en støtte til dekorasjon, mest av at interiøret fasader, utredes fra en hel serie av repertories (det er tilbakekalt, som i 1734 av J. A. Meissonnier, som tegninger påvirket sterkt på produksjon av carvers og bergensgullsmedene av skyggenes); denne innredningen var basert på uendelige variasjoner, bedre hvis asymmetrisk, buet linje som definert naturlige elementer (blader, blomster, dyr) i henhold til en ånd grasiøs som ofte referert til eksotiske eleganse og utmerket i øst (mesterverk i denne sense er Hôtel de Matignon av nr. Pineau i 1720-31 og Hôtel de Soubise av G. Boffrand, også dekorert av F. Boucher, 1736). I fransk arkitektur er faktisk mye mer hyppige i konstruksjoner av små dimensjoner for parker og hager (readapted noen ganger disse “Engelsk” i henhold til kanoner av den pittoreske, mer egnet til ny smak): paviljonger på jakt, den “Casini av herligheter”, Sans Soucis-, monrepos, ermitages, alle koblet med behovene til sin jordiske liv. Skulpturen var en fine dekorative eksklusivt, mykgjørende formene, beriket av beskrivende detaljer og generelt fremstille mytologiske figurer i henhold til en erklærte hensikt erotiske. Maleriet, fra klar farge og strålende spres ut til trykk og nyansene på en rask tegning og ødelagt, har smale analogier med porselen, gravering, tekstiler for møbler, siden skildrer pastoral scener, idyll, gjestebudene galanti og campestri, erotiske episoder, Daglig chronicles, pumping med ironisk aksenter skadelig eller prinsippene for et liv frivole men raffinerte. For Frankrike er det vanlig å skille mellom en første periode Regency (1715-30) i generering av arkitekt G. M. Oppenordt av interiørdesigneren F. A. Vassé og av ebanist Ch. Cressent, av malere J.-A. Watteau, J. B. Pater og J.-M. Nattier; en periode rocaille (1730-45) som finner sitt høyeste uttrykk i Meissonnier, Pineau, i Boucher og Chardin; en siste periode Pompadour (1745-64) involuto allerede i visse dekorative uhåndterligheten og i artikkelen påvirket av linearismo classicist, representert av arkitekten J. A. Gabriel, dekorerende av J. Verbeckt og J. H. Fragonard.

Art: i andre europeiske land.
Utenfor Frankrike rokokko ble utbredt i korte assolutistiche som antas som en modell av sosialt liv den franske adelen, idealisert som aksjen til vite hvordan å leve og smak. I tiåret 1730-40 kunstnere og franske håndverkere ble faktisk invitert i alle domstolene i Europa, med utgangspunkt i fenomenet av internasjonaliseringen av figurative kultur typisk for hele andre halvdel av århundret. Dette fenomenet levde presist på figuren av vandrende artist (For Italia det er nok å tenke på Tiepolo og Rosalba Carriera), som stimulerte over alle utvikling av kompetanse på kanoner er felles for hele Europa, i henhold til en prosessen styres ikke bare av utviklingen av smak, men også, og erklært av samme fyrster, av lover i økonomiske ekspansjon. Lignende bevegelser til rokokko, selv om ikke helt identifisert med det, ble manifestert i England (i møbler spesiell, gjennom sin tolkning, dessuten, rokokko smak ble introdusert i Amerika og i enkelte temaer illustrasjon fra Hogarth til Gainsborough) og i Spania (churriguerismo). For Italia det kan tale av rokokko spesielt for dekorativ kunst, som brukte i den internasjonale smak (stukkatur av Serpotta; “kinesisk skap” for Palace i Portici, nå på Capodimonte, alt i porselen og speil), mens arkitektoniske konstruksjoner til lunefulle planter buer fant sted bare i private bygninger av små dimensjoner (Villa Palagonia i Bagheria nær Palermo), som fremdeles er levende barokk-tradisjon, knyttet særlig til committenza kirkearkitektur. For hva angår den italienske mobile, smaken av fransk rokokko utviklet gjennom delvis innføring av stilistiske elementer av Louis XV og den pågående transformasjon av elementer av den barokke ornamenter (barokk stil). I Venezia, i rammen av uavhengig utvikling (og omtales i stor del til utenlandske klienter) for at maling, kan du definere i rokokko stil valg av motiver som kameravinklene, fantastisk utsikt og scenen til liv (Marco Ricci, Zais, Guardi og Longhi) og utbredt bruk av pastell og akvarell (Rosalba Carriera). Stilen i rokokko møtte sin store utvikling i tysk-talende land i henhold til to mål nøyaktig og tydelig differensiert: På den ene side den arkitektur og kompetansen til domstolene, som utarbeidet også originale former, men alltid inne i fransk modell, på den andre siden av arkitektur, forstått som en syntese mellom plass og innredning, kirker og klostre, som representerer den siste store autonome uttrykk for denne bestemte gren av arkitektur. Rundt en rekke tyske domstoler proliferarono slott, den edle residences, små konstruksjoner av nytelse, som antatt i størrelse empatisk eller selv retoriske planter til buede linjer og elliptisk av privat konstruksjon fransk (bare de kongelige slottene du gjenskapt den monumentality classicist Versailles) og utviklet dekorasjonen i toner mer eller mindre moderat, i henhold til nøyaktige lokale varianter (residence for prince-biskop av Würzburg, 1719-44, B. Neumann, med samarbeid av R. de kokte og J. L. Hildebrandt, og fresker av Tiepolo; Palazzina di Caccia av Amalienburg i Park Nymphenburg i München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiøs arkitektur blomstret spesielt i Bayern og i Bohemia, med brødrene Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer og, i Østerrike, spesielt med Fischer von Erlach, som utviklet lokaler allerede eksisterende i arkitektur lokale tardobarocca å ankomme til å bygge bygninger preget av romslighet og lysstyrke (en unik plass til anlegget rundt, Elliptisk eller oval, hvite vegger, store og mange vinduer, stukkatur og gilding som understreker den strukturelle elementer og innramming kanvas og 1300-1700), der de utfører en perfekt harmoni og en interrelation totalt mellom den konstruktive elementer og figurative. Også bildeindeksen produksjon ikke antas en autonom rolle men, gitt den spesielle behov, ble regissert nesten utelukkende for å illustrere historiske fag-feiring i allegoriske toner-mytologiske eller religiøse temaer; det deretter utviklet seg til store kanvas og fresker som, til tross for betydelige skryt og vaporosità utførelse, utlede fra den barokke utsmykninger Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Generell beskrivelse
Loc. Engelsk (forkortelse for populær kunst, populære art) brukes i italiensk som sf. Introdusert av lærde L. Flieder og R. Banham og vedtatt i 1961 av kritikeren engelsk L. Alloway, begrepet indikerer et kunstnerisk bevegelse av avant-garde født i parallell i Storbritannia og USA rundt 1955, som en reaksjon på lakkering av abstrakt expressionists. Det kunstnere av pop art tegne former og språk fra repertoaret av masse-medier, dvs. av kommunikasjonsmidler og masse kultur: tv, reklame, bilder, fotografier, tegneserier, forbruksvarer, osv.; de derfor tjene bilder og objekter som allerede finnes som, manipulert og presenteres på ulike måter, du laster en ny expressiveness. Målet med bevegelsen er å trekke fra den kunstneriske driften til sin karakter av unik opplevelse og subjektive, for riaccostare i stedet art til hverdagens virkelighet. Det oppsett av kjøkkenbenken og daglig liv av pop art, mediert av ulike opplevelser av kubismen, futurisme, Dadaism og surrealisme, hadde sin første definisjon i Storbritannia gjennom aktiviteter av den uavhengige gruppen av London (1953-58). Den første opera engelsk pop, opprettet av Richard Hamilton, ble innskrevet i utstillingen “Dette er i morgen” som ble holdt i London i 1956. I USA pop art op fra utmattelse av abstrakt opplevelser, ved den stopper på slutten av den uformelle og spesielt ved exaltations av “objekt konsumert” av kunstnere av nye Dada.
Den spanske maleren (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Han er utdannet i Sevilla, og det livlige sentrum av en figurative kultur av den realistiske natur. I 1617 åpnet han sin egen butikk i Llerena, i Extremadura, men i 1629 slo han seg tilbake til Sevilla og forble det (bortsett fra et opphold i Madrid i 1634) til 1659 ca. Når redusert, i forhold til ekstrem fattigdom, flyttet han til Madrid hvor han forsøkte forgjeves å bli satt inn i det kulturelle klimaet i byen. Aktiviteten av Zurbaran er esplicò nesten utelukkende i produksjon av hellige bilder av meget høy nummer (ca. 600) og kvalitet noen ganger ikke sublime, skyldes utstrakt bruk av samarbeidspartnere, i artikkelen til øyeblikk av krise av maleren, spesielt i de siste årene av livet når det ble betraktet som gikk forbi hans utholdene i favør av Murillo. Stilen til Zurbaran består av både naturalismen typisk sevillian, utviklet og førte til høyeste resultat for bruk av farger, alltid gjennomført innredet og imponerende selv i mørke toner; både disegnativa tradisjon av mannerer spansk, som bærer maleren å løse sine komposisjoner i tall i første etasje, fra elegante konturer og incisors, tydelig atskilt fra den nøytrale midler eller mørke, utenfor enhver historisk atmosfære. De fleste av hans arbeider ble utført som en hengiven sykluser for kirker og klostre i Sevilla og andre spanske byer (for øyeblikket er spredt blant ulike museer), oppriktig medskyldige i den religiøse ordtak populære (malerier for Merced Calzada i Sevilla, 1629; malerier for Nuestra Señora de la Defension i Jerez de la Frontera, 1638-39). Den berømte serien av hellige pierce ved misticheggianti stikkord til feiring dekorative elegant. Rundt 1633 Zurbaran viet seg også for en kort tid å Natura morta, forlater en av de største mesterverk av sjangeren, med absolutt renhet: retten av sedertre, en kurv av appelsiner og kopp med rosa (1633, allerede i Firenze, Contini Bonacossi samling, fra 1973 i Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Påvirkning av Zurbaran, heller ikke i Spania, ble i stedet enormt i Latin-Amerika, særlig i Peru, der maleren sendt mange verk i perioden 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Den spanske maleren Sevilla (1617-1682). Den kunstneriske begynnelser av Murillo var hovedsakelig knyttet til byen jul, først som en student av middelmådig Juan del Castillo, deretter som uavhengige maleren, sensitive til art av Ribera, Zurbarán, Velázquez, den ungdommelige works, sterk i design og modellert, men vesentlig små originaler det også demonstrere en sharer av generisk caravaggismo svevende i spansk miljø. Kontakter med italiensk maleri, gjennom B. Cavallino og A. Vaccari, flamsk og (kanskje besøkt de kongelige samlinger under en reise til Madrid i 1648, der han kunne studere works av Rubens, Van Dyck), aktualisert en original tolkning av colorismo veneto som kobler sammen en lett bruk dypt scenographic og barokk; disse figurene allerede vises i elleve malerier med mirakler av fransiskanske Saints for klosteret i mot parken ordre i Sevilla (1645-48), i dag spredt, og i den fødselen av jomfru (Paris, Louvre), triumphal begynnelsen på en lang aktivitet på service av confraternities og religiøse forordninger innen som Murillo viste seg å være oppriktig tolk og overbevisende av mystikk counter-reform. Tolkningen realistiske forsiktig, populære folkemusikk og kommunikativ i den hellige episode, stadig mer åpenbare i works moden (syklus for Hospice for veldedighet i Sevilla, ca. 1670-80: lægedom for paralytic ved bassenget, London, National Gallery, retur av den forlorne sønn, Washington, National Gallery), sluttet seg til den sofistikerte farger og høy kvalitet formelle, har gjort av komposisjoner av Murillo motiver den mest populære av de religiøse oleografia (tenker på de utallige versjoner av feilfrie begrep, som noen i Madrid Prado), som har kommet for å endre, i slitasje på bildet, den virkelige og høy kunstnerisk verdi. Sykluser av malerier av genus popolaresco (gutter som spiser frukt, Monaco, Alte Pinakothek galiciske; vinduet, Washington, National Gallery), effektive åpninger på picaresque verden som innviet en sjanger destinatoa stor suksess til det attende århundre sendte, og portretter av den naturalistiske innstilling (mannen med krage, Madrid, Prado), vil bidra til å forklare den dypeste inspirasjon til kunstneren, som tar sikte på å forbedre de uttrykksfulle muligheter av farge, noen ganger med compiacimenti virtuous. “Å utdype se Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “å utdype se Gedea Art vol. 7 pp 262-269”

Det Ordforrådet vårt
Sm. [Fra fransk rokokko, endring, lettsindig av rocaille]. Den dekorative stilen som utviklet i Paris rundt 1730 og som dominerte på andre stiler for om tyve år, spredning og deretter høyre mot slutten av århundret i de nordlige regioner i Frankrike, Italia og sentrale Europa opp til Russland. Med verdien av Adj., som tilhører, akkurat denne stilen: mobile, fasade, rokokko smak; for utvidelse, kunstige lambiccato, men ikke uten nåde: en frisyre rokokko.

Art: I Frankrike
Sterkt imøtegått av moderne classicistiche strømninger og tardobarocche, rokokko ble vurdert negativt gjennom det nittende århundre før den første kritiske analysen utføres av brødrene De Goncourt, som advart både nær forbindelse med en bestemt oppfatning av det sosiale livet, både det estetiske revolusjonerende forteller ham. Ideologisk rokokko er kunstnerisk uttrykk av adelen av cosmopolitan kommer på slutten av sin historiske funksjon, som masker samvittigheten til nedgangen med et prinsipp om evasion fra virkeligheten, skaper en fiktiv verden på myten om den evig ungdom og av unruffled serenity. Sosial atferd justeres deretter på konsepter av raffinement og eleganse, til underholdningsaspektet til én artikkel og filosofiske libertinism fra en annen. På flukt fra virkeligheten oppstår både på det intellektuelle nivå og på eksistensiell og alle detaljer i miljøet skal gis til vei i livet: alt må være vakker, virkelig er “fint”, ettersom begrepet skjønnhet består av seg selv bare hva er delikate og skjøre, nyansert, klar, pittoreske. Under dette aspektet vi forstår da “nødvendigheten” av en bestemt type klær (vestments les av silke og muslin i pastellfarger, hvit parykk som embellishes ansiktet og gjør uten alder, deretter evig unge), som tilsvarer en bestemt type miljø der til live. Den estetisk revolusjon av rokokko oppstår i faktum i harmonisk samspill mellom alle detaljene i innredningen, som bidrar likt til alle arts (og “mindre” er evaluert åpenbart på linje med de tradisjonelt “Noble”) refererer til oppretting av organiske miljøer og homogen. De historiske fakta fra der du starter rokokko (selv om lokalene er sporbare siden siste år av XVII århundre) er overføringen av court fra Versailles i Paris etter døden i Louis XIV (1715), bestilt av regent hertugen av Orléans, det faktum at bestemmes for adelen, de trenger å omorganisere private palasser av hovedstaden, med lange år bebodd bare av og til. For å fjerne den avgrensede områder utviklet raskt i den perioden av regency smaken for bleke vegger, “åpen” av vell av speil og illeggiadrite stukkaturarbeider lys for små møbler og lakkert i pastellfarger, for ledere også fra den lyse nyanser, for smykker av minste størrelse og motivet frivole, i klar opposisjon til innredningen Louis XIV, overdådige (men også tung) dominert av mørke farger og av gilding. Sjelden var i Frankrike den store arkitektoniske realisering, som usufruirono strukturer barokk fortsatt så mye som svært nøktern og funksjonell, rettet i praksis som en støtte til dekorasjon, mest av at interiøret fasader, utredes fra en hel serie av repertories (det er tilbakekalt, som i 1734 av J. A. Meissonnier, som tegninger påvirket sterkt på produksjon av carvers og bergensgullsmedene av skyggenes); denne innredningen var basert på uendelige variasjoner, bedre hvis asymmetrisk, buet linje som definert naturlige elementer (blader, blomster, dyr) i henhold til en ånd grasiøs som ofte referert til eksotiske eleganse og utmerket i øst (mesterverk i denne sense er Hôtel de Matignon av nr. Pineau i 1720-31 og Hôtel de Soubise av G. Boffrand, også dekorert av F. Boucher, 1736). I fransk arkitektur er faktisk mye mer hyppige i konstruksjoner av små dimensjoner for parker og hager (readapted noen ganger disse “Engelsk” i henhold til kanoner av den pittoreske, mer egnet til ny smak): paviljonger på jakt, den “Casini av herligheter”, Sans Soucis-, monrepos, ermitages, alle koblet med behovene til sin jordiske liv. Skulpturen var en fine dekorative eksklusivt, mykgjørende formene, beriket av beskrivende detaljer og generelt fremstille mytologiske figurer i henhold til en erklærte hensikt erotiske. Maleriet, fra klar farge og strålende spres ut til trykk og nyansene på en rask tegning og ødelagt, har smale analogier med porselen, gravering, tekstiler for møbler, siden skildrer pastoral scener, idyll, gjestebudene galanti og campestri, erotiske episoder, Daglig chronicles, pumping med ironisk aksenter skadelig eller prinsippene for et liv frivole men raffinerte. For Frankrike er det vanlig å skille mellom en første periode Regency (1715-30) i generering av arkitekt G. M. Oppenordt av interiørdesigneren F. A. Vassé og av ebanist Ch. Cressent, av malere J.-A. Watteau, J. B. Pater og J.-M. Nattier; en periode rocaille (1730-45) som finner sitt høyeste uttrykk i Meissonnier, Pineau, i Boucher og Chardin; en siste periode Pompadour (1745-64) involuto allerede i visse dekorative uhåndterligheten og i artikkelen påvirket av linearismo classicist, representert av arkitekten J. A. Gabriel, dekorerende av J. Verbeckt og J. H. Fragonard.

Art: i andre europeiske land.
Utenfor Frankrike rokokko ble utbredt i korte assolutistiche som antas som en modell av sosialt liv den franske adelen, idealisert som aksjen til vite hvordan å leve og smak. I tiåret 1730-40 kunstnere og franske håndverkere ble faktisk invitert i alle domstolene i Europa, med utgangspunkt i fenomenet av internasjonaliseringen av figurative kultur typisk for hele andre halvdel av århundret. Dette fenomenet levde presist på figuren av vandrende artist (For Italia det er nok å tenke på Tiepolo og Rosalba Carriera), som stimulerte over alle utvikling av kompetanse på kanoner er felles for hele Europa, i henhold til en prosessen styres ikke bare av utviklingen av smak, men også, og erklært av samme fyrster, av lover i økonomiske ekspansjon. Lignende bevegelser til rokokko, selv om ikke helt identifisert med det, ble manifestert i England (i møbler spesiell, gjennom sin tolkning, dessuten, rokokko smak ble introdusert i Amerika og i enkelte temaer illustrasjon fra Hogarth til Gainsborough) og i Spania (churriguerismo). For Italia det kan tale av rokokko spesielt for dekorativ kunst, som brukte i den internasjonale smak (stukkatur av Serpotta; “kinesisk skap” for Palace i Portici, nå på Capodimonte, alt i porselen og speil), mens arkitektoniske konstruksjoner til lunefulle planter buer fant sted bare i private bygninger av små dimensjoner (Villa Palagonia i Bagheria nær Palermo), som fremdeles er levende barokk-tradisjon, knyttet særlig til committenza kirkearkitektur. For hva angår den italienske mobile, smaken av fransk rokokko utviklet gjennom delvis innføring av stilistiske elementer av Louis XV og den pågående transformasjon av elementer av den barokke ornamenter (barokk stil). I Venezia, i rammen av uavhengig utvikling (og omtales i stor del til utenlandske klienter) for at maling, kan du definere i rokokko stil valg av motiver som kameravinklene, fantastisk utsikt og scenen til liv (Marco Ricci, Zais, Guardi og Longhi) og utbredt bruk av pastell og akvarell (Rosalba Carriera). Stilen i rokokko møtte sin store utvikling i tysk-talende land i henhold til to mål nøyaktig og tydelig differensiert: På den ene side den arkitektur og kompetansen til domstolene, som utarbeidet også originale former, men alltid inne i fransk modell, på den andre siden av arkitektur, forstått som en syntese mellom plass og innredning, kirker og klostre, som representerer den siste store autonome uttrykk for denne bestemte gren av arkitektur. Rundt en rekke tyske domstoler proliferarono slott, den edle residences, små konstruksjoner av nytelse, som antatt i størrelse empatisk eller selv retoriske planter til buede linjer og elliptisk av privat konstruksjon fransk (bare de kongelige slottene du gjenskapt den monumentality classicist Versailles) og utviklet dekorasjonen i toner mer eller mindre moderat, i henhold til nøyaktige lokale varianter (residence for prince-biskop av Würzburg, 1719-44, B. Neumann, med samarbeid av R. de kokte og J. L. Hildebrandt, og fresker av Tiepolo; Palazzina di Caccia av Amalienburg i Park Nymphenburg i München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiøs arkitektur blomstret spesielt i Bayern og i Bohemia, med brødrene Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer og, i Østerrike, spesielt med Fischer von Erlach, som utviklet lokaler allerede eksisterende i arkitektur lokale tardobarocca å ankomme til å bygge bygninger preget av romslighet og lysstyrke (en unik plass til anlegget rundt, Elliptisk eller oval, hvite vegger, store og mange vinduer, stukkatur og gilding som understreker den strukturelle elementer og innramming kanvas og 1300-1700), der de utfører en perfekt harmoni og en interrelation totalt mellom den konstruktive elementer og figurative. Også bildeindeksen produksjon ikke antas en autonom rolle men, gitt den spesielle behov, ble regissert nesten utelukkende for å illustrere historiske fag-feiring i allegoriske toner-mytologiske eller religiøse temaer; det deretter utviklet seg til store kanvas og fresker som, til tross for betydelige skryt og vaporosità utførelse, utlede fra den barokke utsmykninger Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Generell beskrivelse
Loc. Engelsk (forkortelse for populær kunst, populære art) brukes i italiensk som sf. Introdusert av lærde L. Flieder og R. Banham og vedtatt i 1961 av kritikeren engelsk L. Alloway, begrepet indikerer et kunstnerisk bevegelse av avant-garde født i parallell i Storbritannia og USA rundt 1955, som en reaksjon på lakkering av abstrakt expressionists. Det kunstnere av pop art tegne former og språk fra repertoaret av masse-medier, dvs. av kommunikasjonsmidler og masse kultur: tv, reklame, bilder, fotografier, tegneserier, forbruksvarer, osv.; de derfor tjene bilder og objekter som allerede finnes som, manipulert og presenteres på ulike måter, du laster en ny expressiveness. Målet med bevegelsen er å trekke fra den kunstneriske driften til sin karakter av unik opplevelse og subjektive, for riaccostare i stedet art til hverdagens virkelighet. Det oppsett av kjøkkenbenken og daglig liv av pop art, mediert av ulike opplevelser av kubismen, futurisme, Dadaism og surrealisme, hadde sin første definisjon i Storbritannia gjennom aktiviteter av den uavhengige gruppen av London (1953-58). Den første opera engelsk pop, opprettet av Richard Hamilton, ble innskrevet i utstillingen “Dette er i morgen” som ble holdt i London i 1956. I USA pop art op fra utmattelse av abstrakt opplevelser, ved den stopper på slutten av den uformelle og spesielt ved exaltations av “objekt konsumert” av kunstnere av nye Dada.
Den spanske maleren (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Han er utdannet i Sevilla, og det livlige sentrum av en figurative kultur av den realistiske natur. I 1617 åpnet han sin egen butikk i Llerena, i Extremadura, men i 1629 slo han seg tilbake til Sevilla og forble det (bortsett fra et opphold i Madrid i 1634) til 1659 ca. Når redusert, i forhold til ekstrem fattigdom, flyttet han til Madrid hvor han forsøkte forgjeves å bli satt inn i det kulturelle klimaet i byen. Aktiviteten av Zurbaran er esplicò nesten utelukkende i produksjon av hellige bilder av meget høy nummer (ca. 600) og kvalitet noen ganger ikke sublime, skyldes utstrakt bruk av samarbeidspartnere, i artikkelen til øyeblikk av krise av maleren, spesielt i de siste årene av livet når det ble betraktet som gikk forbi hans utholdene i favør av Murillo. Stilen til Zurbaran består av både naturalismen typisk sevillian, utviklet og førte til høyeste resultat for bruk av farger, alltid gjennomført innredet og imponerende selv i mørke toner; både disegnativa tradisjon av mannerer spansk, som bærer maleren å løse sine komposisjoner i tall i første etasje, fra elegante konturer og incisors, tydelig atskilt fra den nøytrale midler eller mørke, utenfor enhver historisk atmosfære. De fleste av hans arbeider ble utført som en hengiven sykluser for kirker og klostre i Sevilla og andre spanske byer (for øyeblikket er spredt blant ulike museer), oppriktig medskyldige i den religiøse ordtak populære (malerier for Merced Calzada i Sevilla, 1629; malerier for Nuestra Señora de la Defension i Jerez de la Frontera, 1638-39). Den berømte serien av hellige pierce ved misticheggianti stikkord til feiring dekorative elegant. Rundt 1633 Zurbaran viet seg også for en kort tid å Natura morta, forlater en av de største mesterverk av sjangeren, med absolutt renhet: retten av sedertre, en kurv av appelsiner og kopp med rosa (1633, allerede i Firenze, Contini Bonacossi samling, fra 1973 i Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Påvirkning av Zurbaran, heller ikke i Spania, ble i stedet enormt i Latin-Amerika, særlig i Peru, der maleren sendt mange verk i perioden 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Den spanske maleren Sevilla (1617-1682). Den kunstneriske begynnelser av Murillo var hovedsakelig knyttet til byen jul, først som en student av middelmådig Juan del Castillo, deretter som uavhengige maleren, sensitive til art av Ribera, Zurbarán, Velázquez, den ungdommelige works, sterk i design og modellert, men vesentlig små originaler det også demonstrere en sharer av generisk caravaggismo svevende i spansk miljø. Kontakter med italiensk maleri, gjennom B. Cavallino og A. Vaccari, flamsk og (kanskje besøkt de kongelige samlinger under en reise til Madrid i 1648, der han kunne studere works av Rubens, Van Dyck), aktualisert en original tolkning av colorismo veneto som kobler sammen en lett bruk dypt scenographic og barokk; disse figurene allerede vises i elleve malerier med mirakler av fransiskanske Saints for klosteret i mot parken ordre i Sevilla (1645-48), i dag spredt, og i den fødselen av jomfru (Paris, Louvre), triumphal begynnelsen på en lang aktivitet på service av confraternities og religiøse forordninger innen som Murillo viste seg å være oppriktig tolk og overbevisende av mystikk counter-reform. Tolkningen realistiske forsiktig, populære folkemusikk og kommunikativ i den hellige episode, stadig mer åpenbare i works moden (syklus for Hospice for veldedighet i Sevilla, ca. 1670-80: lægedom for paralytic ved bassenget, London, National Gallery, retur av den forlorne sønn, Washington, National Gallery), sluttet seg til den sofistikerte farger og høy kvalitet formelle, har gjort av komposisjoner av Murillo motiver den mest populære av de religiøse oleografia (tenker på de utallige versjoner av feilfrie begrep, som noen i Madrid Prado), som har kommet for å endre, i slitasje på bildet, den virkelige og høy kunstnerisk verdi. Sykluser av malerier av genus popolaresco (gutter som spiser frukt, Monaco, Alte Pinakothek galiciske; vinduet, Washington, National Gallery), effektive åpninger på picaresque verden som innviet en sjanger destinatoa stor suksess til det attende århundre sendte, og portretter av den naturalistiske innstilling (mannen med krage, Madrid, Prado), vil bidra til å forklare den dypeste inspirasjon til kunstneren, som tar sikte på å forbedre de uttrykksfulle muligheter av farge, noen ganger med compiacimenti virtuous. “Å utdype se Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “å utdype se Gedea Art vol. 7 pp 262-269”

Det Ordforrådet vårt
Sm. [Fra fransk rokokko, endring, lettsindig av rocaille]. Den dekorative stilen som utviklet i Paris rundt 1730 og som dominerte på andre stiler for om tyve år, spredning og deretter høyre mot slutten av århundret i de nordlige regioner i Frankrike, Italia og sentrale Europa opp til Russland. Med verdien av Adj., som tilhører, akkurat denne stilen: mobile, fasade, rokokko smak; for utvidelse, kunstige lambiccato, men ikke uten nåde: en frisyre rokokko.

Art: I Frankrike
Sterkt imøtegått av moderne classicistiche strømninger og tardobarocche, rokokko ble vurdert negativt gjennom det nittende århundre før den første kritiske analysen utføres av brødrene De Goncourt, som advart både nær forbindelse med en bestemt oppfatning av det sosiale livet, både det estetiske revolusjonerende forteller ham. Ideologisk rokokko er kunstnerisk uttrykk av adelen av cosmopolitan kommer på slutten av sin historiske funksjon, som masker samvittigheten til nedgangen med et prinsipp om evasion fra virkeligheten, skaper en fiktiv verden på myten om den evig ungdom og av unruffled serenity. Sosial atferd justeres deretter på konsepter av raffinement og eleganse, til underholdningsaspektet til én artikkel og filosofiske libertinism fra en annen. På flukt fra virkeligheten oppstår både på det intellektuelle nivå og på eksistensiell og alle detaljer i miljøet skal gis til vei i livet: alt må være vakker, virkelig er “fint”, ettersom begrepet skjønnhet består av seg selv bare hva er delikate og skjøre, nyansert, klar, pittoreske. Under dette aspektet vi forstår da “nødvendigheten” av en bestemt type klær (vestments les av silke og muslin i pastellfarger, hvit parykk som embellishes ansiktet og gjør uten alder, deretter evig unge), som tilsvarer en bestemt type miljø der til live. Den estetisk revolusjon av rokokko oppstår i faktum i harmonisk samspill mellom alle detaljene i innredningen, som bidrar likt til alle arts (og “mindre” er evaluert åpenbart på linje med de tradisjonelt “Noble”) refererer til oppretting av organiske miljøer og homogen. De historiske fakta fra der du starter rokokko (selv om lokalene er sporbare siden siste år av XVII århundre) er overføringen av court fra Versailles i Paris etter døden i Louis XIV (1715), bestilt av regent hertugen av Orléans, det faktum at bestemmes for adelen, de trenger å omorganisere private palasser av hovedstaden, med lange år bebodd bare av og til. For å fjerne den avgrensede områder utviklet raskt i den perioden av regency smaken for bleke vegger, “åpen” av vell av speil og illeggiadrite stukkaturarbeider lys for små møbler og lakkert i pastellfarger, for ledere også fra den lyse nyanser, for smykker av minste størrelse og motivet frivole, i klar opposisjon til innredningen Louis XIV, overdådige (men også tung) dominert av mørke farger og av gilding. Sjelden var i Frankrike den store arkitektoniske realisering, som usufruirono strukturer barokk fortsatt så mye som svært nøktern og funksjonell, rettet i praksis som en støtte til dekorasjon, mest av at interiøret fasader, utredes fra en hel serie av repertories (det er tilbakekalt, som i 1734 av J. A. Meissonnier, som tegninger påvirket sterkt på produksjon av carvers og bergensgullsmedene av skyggenes); denne innredningen var basert på uendelige variasjoner, bedre hvis asymmetrisk, buet linje som definert naturlige elementer (blader, blomster, dyr) i henhold til en ånd grasiøs som ofte referert til eksotiske eleganse og utmerket i øst (mesterverk i denne sense er Hôtel de Matignon av nr. Pineau i 1720-31 og Hôtel de Soubise av G. Boffrand, også dekorert av F. Boucher, 1736). I fransk arkitektur er faktisk mye mer hyppige i konstruksjoner av små dimensjoner for parker og hager (readapted noen ganger disse “Engelsk” i henhold til kanoner av den pittoreske, mer egnet til ny smak): paviljonger på jakt, den “Casini av herligheter”, Sans Soucis-, monrepos, ermitages, alle koblet med behovene til sin jordiske liv. Skulpturen var en fine dekorative eksklusivt, mykgjørende formene, beriket av beskrivende detaljer og generelt fremstille mytologiske figurer i henhold til en erklærte hensikt erotiske. Maleriet, fra klar farge og strålende spres ut til trykk og nyansene på en rask tegning og ødelagt, har smale analogier med porselen, gravering, tekstiler for møbler, siden skildrer pastoral scener, idyll, gjestebudene galanti og campestri, erotiske episoder, Daglig chronicles, pumping med ironisk aksenter skadelig eller prinsippene for et liv frivole men raffinerte. For Frankrike er det vanlig å skille mellom en første periode Regency (1715-30) i generering av arkitekt G. M. Oppenordt av interiørdesigneren F. A. Vassé og av ebanist Ch. Cressent, av malere J.-A. Watteau, J. B. Pater og J.-M. Nattier; en periode rocaille (1730-45) som finner sitt høyeste uttrykk i Meissonnier, Pineau, i Boucher og Chardin; en siste periode Pompadour (1745-64) involuto allerede i visse dekorative uhåndterligheten og i artikkelen påvirket av linearismo classicist, representert av arkitekten J. A. Gabriel, dekorerende av J. Verbeckt og J. H. Fragonard.

Art: i andre europeiske land.
Utenfor Frankrike rokokko ble utbredt i korte assolutistiche som antas som en modell av sosialt liv den franske adelen, idealisert som aksjen til vite hvordan å leve og smak. I tiåret 1730-40 kunstnere og franske håndverkere ble faktisk invitert i alle domstolene i Europa, med utgangspunkt i fenomenet av internasjonaliseringen av figurative kultur typisk for hele andre halvdel av århundret. Dette fenomenet levde presist på figuren av vandrende artist (For Italia det er nok å tenke på Tiepolo og Rosalba Carriera), som stimulerte over alle utvikling av kompetanse på kanoner er felles for hele Europa, i henhold til en prosessen styres ikke bare av utviklingen av smak, men også, og erklært av samme fyrster, av lover i økonomiske ekspansjon. Lignende bevegelser til rokokko, selv om ikke helt identifisert med det, ble manifestert i England (i møbler spesiell, gjennom sin tolkning, dessuten, rokokko smak ble introdusert i Amerika og i enkelte temaer illustrasjon fra Hogarth til Gainsborough) og i Spania (churriguerismo). For Italia det kan tale av rokokko spesielt for dekorativ kunst, som brukte i den internasjonale smak (stukkatur av Serpotta; “kinesisk skap” for Palace i Portici, nå på Capodimonte, alt i porselen og speil), mens arkitektoniske konstruksjoner til lunefulle planter buer fant sted bare i private bygninger av små dimensjoner (Villa Palagonia i Bagheria nær Palermo), som fremdeles er levende barokk-tradisjon, knyttet særlig til committenza kirkearkitektur. For hva angår den italienske mobile, smaken av fransk rokokko utviklet gjennom delvis innføring av stilistiske elementer av Louis XV og den pågående transformasjon av elementer av den barokke ornamenter (barokk stil). I Venezia, i rammen av uavhengig utvikling (og omtales i stor del til utenlandske klienter) for at maling, kan du definere i rokokko stil valg av motiver som kameravinklene, fantastisk utsikt og scenen til liv (Marco Ricci, Zais, Guardi og Longhi) og utbredt bruk av pastell og akvarell (Rosalba Carriera). Stilen i rokokko møtte sin store utvikling i tysk-talende land i henhold til to mål nøyaktig og tydelig differensiert: På den ene side den arkitektur og kompetansen til domstolene, som utarbeidet også originale former, men alltid inne i fransk modell, på den andre siden av arkitektur, forstått som en syntese mellom plass og innredning, kirker og klostre, som representerer den siste store autonome uttrykk for denne bestemte gren av arkitektur. Rundt en rekke tyske domstoler proliferarono slott, den edle residences, små konstruksjoner av nytelse, som antatt i størrelse empatisk eller selv retoriske planter til buede linjer og elliptisk av privat konstruksjon fransk (bare de kongelige slottene du gjenskapt den monumentality classicist Versailles) og utviklet dekorasjonen i toner mer eller mindre moderat, i henhold til nøyaktige lokale varianter (residence for prince-biskop av Würzburg, 1719-44, B. Neumann, med samarbeid av R. de kokte og J. L. Hildebrandt, og fresker av Tiepolo; Palazzina di Caccia av Amalienburg i Park Nymphenburg i München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiøs arkitektur blomstret spesielt i Bayern og i Bohemia, med brødrene Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer og, i Østerrike, spesielt med Fischer von Erlach, som utviklet lokaler allerede eksisterende i arkitektur lokale tardobarocca å ankomme til å bygge bygninger preget av romslighet og lysstyrke (en unik plass til anlegget rundt, Elliptisk eller oval, hvite vegger, store og mange vinduer, stukkatur og gilding som understreker den strukturelle elementer og innramming kanvas og 1300-1700), der de utfører en perfekt harmoni og en interrelation totalt mellom den konstruktive elementer og figurative. Også bildeindeksen produksjon ikke antas en autonom rolle men, gitt den spesielle behov, ble regissert nesten utelukkende for å illustrere historiske fag-feiring i allegoriske toner-mytologiske eller religiøse temaer; det deretter utviklet seg til store kanvas og fresker som, til tross for betydelige skryt og vaporosità utførelse, utlede fra den barokke utsmykninger Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Generell beskrivelse
Loc. Engelsk (forkortelse for populær kunst, populære art) brukes i italiensk som sf. Introdusert av lærde L. Flieder og R. Banham og vedtatt i 1961 av kritikeren engelsk L. Alloway, begrepet indikerer et kunstnerisk bevegelse av avant-garde født i parallell i Storbritannia og USA rundt 1955, som en reaksjon på lakkering av abstrakt expressionists. Det kunstnere av pop art tegne former og språk fra repertoaret av masse-medier, dvs. av kommunikasjonsmidler og masse kultur: tv, reklame, bilder, fotografier, tegneserier, forbruksvarer, osv.; de derfor tjene bilder og objekter som allerede finnes som, manipulert og presenteres på ulike måter, du laster en ny expressiveness. Målet med bevegelsen er å trekke fra den kunstneriske driften til sin karakter av unik opplevelse og subjektive, for riaccostare i stedet art til hverdagens virkelighet. Det oppsett av kjøkkenbenken og daglig liv av pop art, mediert av ulike opplevelser av kubismen, futurisme, Dadaism og surrealisme, hadde sin første definisjon i Storbritannia gjennom aktiviteter av den uavhengige gruppen av London (1953-58). Den første opera engelsk pop, opprettet av Richard Hamilton, ble innskrevet i utstillingen “Dette er i morgen” som ble holdt i London i 1956. I USA pop art op fra utmattelse av abstrakt opplevelser, ved den stopper på slutten av den uformelle og spesielt ved exaltations av “objekt konsumert” av kunstnere av nye Dada.