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Die Künstler
Capiscuola der amerikanischen Pop Art gelten als R.Rauschenberg und J. Johns, auch wenn ihre Arbeit differenziert in vielerlei Hinsicht scheint von diesem Künstler aktiv in die mittlere Phase des Pop Erfahrungen wie C. Oldenburg, A. Warhol, Lichtenstein, R. J. Rosenquist, T. Wesselman, J. Speisen (zusätzlich zu W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner und L. Flüsse). Persönlichkeit und verschiedene Ausdrücke hatte die pop art Deutsch von S. Blake, R., R. Hamilton Smith, D. Hockney, R.B.Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, S. Caufield, S. Phillips, E. Paolozzi, etc. Die Verbreitung der Pop Art in Europa vertreten seit 1963 gegeben hat, zu unterschiedlichen Auslegungen in den verschiedenen kulturellen Tradition. In Italien pop Erfahrungen wurden durch G. Bertini, E. Baj, M. das Rad durchgeführt, zu denen folgte G. Guerreschi und G. Romagnoni (für bestimmte Forschungsinteressen gelten als pop Künstler Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Zwischen den Vertretern der Pop Art Französisch und Deutsch sind bzw. Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, S. Klasen und W. Gaul. Esauritasi als künstlerische Aktuelle gibt, Pop Art hat wertvolle Orientierungshilfen für spätere Erfahrung expressive, von der Konzeptkunst, Arte povera, von der hyper-Realismus in die mec Kunst zu Pionieren, Protagonisten und Epigone der Pop Art der Königlichen Akademie der Künste in London im Jahr 1991 gewidmet hat einen großen Bericht, später auch in Köln und Madrid vorgestellt.

Op Art
Loc. Englisch (von der optischen Kunst, Kunst optische) in Italienisch als sf verwendet. Um eine Bewegung, die die zeitgenössische künstlerische am Ende der 50er Jahre des XX Jahrhunderts entstandenen – informel Klima definieren. Der Begriff eingegeben in der künstlerischen Vokabular als Ergebnis der Ausstellung “Die Responsive Eye”, die zusammen in New York versammelt (1965) Europäischer Künstler in der visuellen Forschung, bezieht sich auf ein breites Spektrum von experimentellen Forschung über wahrnehmungsprozesse auf der Basis von Grundlagen der Gestalttherapie / Shape (Psychologie), aus denen die Definition von Argan “gestaltica Kunst”. Die New York Review von 1965 bestimmt eine Prävalenz der amerikanischen Erfahrung auf jene Gemeinschaften, bis zu absorbieren, gerade in der Verwendung der generischen Begriff Op Art, den Wert und das Maß der wichtigen europäischen Beitrag im Rahmen der verschiedenen Trends der kinetischen Kunst, zu denen auch die Tätigkeit der aktuelle Op., welche den Prozess der geometrischen Abstraktion führen gehört, wird die Op Art bietet optische Anregungen der Bewegung (manchmal durch einen speziellen Mechanismus beeindruckt) durch Mathematik Organisation von geometrischen Formen und Kombinationen von reinen Farben so wie auf Empfindlichkeit perceptual Psychophysik zu handeln (und nicht auf die traditionelle psychologische Unterstützung und kulturellen) der Zuschauer, die somit beteiligt ist Eine aktive Teilnahme. Eine Form der Kunst auf rein visuelle, für die sie gültig sind auch die Namen der visuellen Kunst, Optische Kunst, etc., sowie die Konzepte der “Programmierung”, “Design”, denn gerade auf der Grundlage dieser Vorgänge ist die formale Umsetzung, Grafiken und Färbung der Oper. In der historischen Perspektive die verschiedenen Trends der visuellen Forschung von kulturellen Hintergrund und präzise: zum Beitrag der avantgardistischen Russischen Kunststoffe (konstruktivismus) und Kubismus (insbesondere, dass orfico, mit der pünktlichen Erfahrungen von Robert Delaunay, Sonia Delaunay), auf die Errungenschaften von Kupka und denen des Futurismus, von neoplasticismo Mondrian auf der Suche nach dem niederländischen Magazin De Stijl bis zu wesentliche Beiträge im Rahmen des Bauhauses von J.Albers abgegrenzte, Forschungen von Max Bill, Vasarely und Julio Le Parc und B. Munari.

Biographie
Der Dichter und Dramatiker spanisch Madrid (1600-1681). Der Sohn eines Beamten, hatte die Ausbildung in den Geisteswissenschaften am Jesuitenkolleg in Madrid durchgeführt und dann in der Universität von Alcalá und Salamanca: klassische Kultur und der scholastischen Theologie blieb immer die wesentliche Unterstützung ihrer Vision von der Welt. Wir haben Nachrichten von einigen Stunt von jungen Calderon De La Barca in, dass Madrid Filipino durchgeführt, deren Chronik überfüllt sind mit authentischen Komödien der Haube und Schwert (Schlägereien, Duelle, Ratten, Sanktionen Polizeibeamten und freundlich beantwortet, etc.); sie ignorieren jedoch voll die Liebe leben und lieben der Zukunft Dichter, die er nicht haben sollte frei von Abenteuer zu werden. Sicher ist nur, dass hatte, vielleicht durch eine Schauspielerin, eine natürliche Sohn zuerst in bestimmten Dokumenten genannt, “Neffe” und später (wenn Calderon De La Barca hatte bereits Priester) offen anerkennen. Ist wenig über seine militärischen Leben bekannt, wenn nicht, die sich an der Kampagne von 1640 in Katalonien nahm, ehrenhaft verhalten. Von einigen Anspielung ne El Sitio de Breda (der Belagerung von Breda) und andere Tragödien, es ist ein Vorhandensein von Calderon de la Barca auch in Flandern. Jedoch war frühreif ihre Berufung der poetischen und dramatischen: im Jahre 1622 nahm er an einem Wettbewerb teil, poetische in St. Isidor von Madrid und wurde von Lope de Vega gelobt; mindestens von 1629 er das Theater besucht und begann theatralische Werke zu komponieren. Im Jahre 1636 seine Intermezzo, Los tres mayores prodigios (den drei größten Wunder), in Wirklichkeit eher mittelmäßig, war sehr herzlich, das Gericht von Philip IV applaudiert – Die maximale Zentrum des theatralischen Aktivitäten des Landes – und vielleicht ist dies der Grund, warum er das Kreuz von Santiago, die eine Anerkennung der hidalguía stillschweigend ausgezeichnet wurde. 1651 Calderon De La Barca wurde Priester und war zuerst ernannten Kaplan der Reyes Nuevos von Toledo (1653) und dann ehrenamtliche Kaplan der Gerichtshof in Madrid. Hier verbrachte er die letzten zwanzig Jahre leben, respektiert und agiato, freiwillig abgeschieden von “weltlichen Gerücht”, in einem wunderschönen Haus voller Bücher, Gemälde und Musikinstrumente, noch an das Theater viele Werke, vor allem religiöse Angelegenheit.

Die kritische
Von den fünf “Teile” des theatralischen Werke veröffentlicht, während Calderon De La Barca im Leben (1636, 1637, 1664, 1672 und 1677), keine wurde persönlich von ihm und der Letzte war in der Tat von der Thema missbilligt vorbereitet; Calderon De La Barca erst sehr spät (1677), eine Sammlung von zwölf Autos sacramentales, die nur einen Teil seiner Theater, dass die appassionava, zumindest im Alter war. Zum Glück, am Vorabend seines Todes (1680), auf Antrag der Herzog von veragua, zu Recht für den apokryphen Werke und schlecht, dass zugeschrieben wurden, Calderón de la Barca eine Liste ihrer säkularen Komödien zusammengestellt; auf der Grundlage dieser Juan de Vera Tassis veröffentlicht die posthume Edition (1682-91), weitgehend unvollständig – viele Werke calderoniane ging auf diese Weise verloren, obgleich es immer einige Entdeckung, wie jene, die in der Tschechoslowakei im Jahre 1958 der Großherzog von Gandía -, die als Basis für die hinteren Editionen serviert und sammelt Was bleibt von der Theater von Calderon De La Barca: Über 120 Komödien und Dramen, 80 Autos sacramentales, zwanzig Zwischenspielen und anderen aufgetreten ist möglich Kleinere Operetten. Calderon De La Barca hatte dann eine Existenz in komplexen glücklich und ein “Leben” noch posthum Glücklicher: hatte in der Tat zahlreiche Nachfolger, Nachahmer und Epigone, selbst in Amerika, und weiterhin vertreten zu sein, wenn auch mit einigen Unterbrechungen bis Romantik, als er eine Wiederbelebung des Europäischen Parlaments, mit bewunderern wie Goethe und Shelley, und dann Erweiterer als Verlaine, dass die zu Shakespeare vorangestellt. La Vida es Sueño und mehrere andere seine Dramen sind jetzt als unbestrittenen Meisterwerke der universellen Theater anerkannt. Und es ist fast ein gemeinsamer Ort es zu Dante zu vergleichen, um die Höhe des religiösen Poesie und Theologie (a Dante, offensichtlich ist, mittelalterlichen nicht aber die Gegenreformation und Barock).

Corneille, Pierre
Französischer Dramatiker (Rouen 1606 – Paris 1684). Einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Inspektor der Gewässer und Wälder), studierte er am Jesuitenkolleg von Rouen. Exzellente student, Arten in Latein, sie zogen damals oft antike Literatur, für beide Aspekte declamatori, sowohl für die Themen. Seneca und Lucan waren ihre Lieblingsautoren. 1628 Corneille begann der Beruf des Rechtsanwalts real in seiner Geburtsstadt und vielleicht auch nie in der Lage sein, dem Theater zu widmen. Die Liebe zu einem Mädchen hatte inspirierte ihn zu schreiben, ein Sonett und nicht ausgeschlossen werden kann, die gleichen Mélite Komödie, in der die eingefügten. Die Oper, zuerst in Rouen dargestellt, dann in Paris im Jahre 1629, hatte eine dezente Erfolg und angeregt, sich dem Theater zu widmen. Im Jahr 1632 schrieb er Clitandre ou l’Innocence délivrée und Vor 1635 hatte bereits auf seiner aktiven vier anderen Komödien, in denen das Thema Romantik durch einen Stil voller Vitalität unterstützt wird. Seine erste Tragödie, Médée, ist von 1635. Es war in der Zwischenzeit nach Paris überführt und genossen den Schutz der Richelieuu. Es war in der Tat ein Teil der Unternehmen der “fünf Autoren” mit Boisrobert, Colletet, der Estoile und Rotrou, der die Aufgabe, in den Versen Themen aus der Phantasie des Kardinal geboren hatte. Aber Corneille, dass er nie die Tugend der Höfling, bald verloren die Sympathien der Protector und wahrscheinlich auch die Subventionen. Der Erfolg der Médée, in der der Einfluss von Seneca allzu offensichtlich wurde, aus dem Prolog zu triumphieren, die dann von seinem berühmtesten Oper geweiht war, der Cid. Nach einigen, die Tragödie sollte datarsi 1636, Jahr, in dem Corneille schrieb die Illusion comique; aber Dokumente, die ans Licht gekommen haben vor kurzem bestätigt, dass die Cid 1637 gestellt werden müssen, oder dass die erste Vertretung am Théâtre du Marais ist 1637. Die Tragödie der Liebe und der Pflicht, zeigt in einem Konflikt der Gefühle, die Tiefe der Charaktere der Protagonisten in einem dynamischen THEATRALISCHE, der Aristotelischen Regeln beobachtet, wenn nicht die Einheit von Ort, streng an die Zeit. Corneille, in Wirklichkeit schlecht akzeptiert das Konzept der drei Einheiten von Ort, Zeit, aber immer versucht, treu zu bleiben, besonders auf den letzten, weil sein Theater Kampf der Leidenschaften und das Drama der werden, die Synthese und die unmittelbare Ereignisse auf die Jagd nach der Einschätzung von wesentlicher Bedeutung ist, nicht auf die Wut und voller Seele in der Zeit verlängert. Die Cid für das Happy End, feiert die Liebe des Protagonisten und der Chimène, gilt als Tragikomödie, mehr als reine Tragödie, und sicherlich auch gesiegt für Elemente ausgeglichen bezeichnet. Der Erfolg der Oper hob beneidet und Beschwerden der Teil der zeitgenössischen Autoren (Scudéry und mairet) und, wenn nicht ein Neid nach Autor, Corneille zeichnete ein Groll von Protector von Kardinal Richelieu. Heute gibt es eine Tendenz, die Rachsucht der Minister zum Glück Dramatiker zu reduzieren. Die so genannte “Querelle du Cid” hat seine offizielle Dokumentation in Empfindungen de l’Académie sur le “Cid”, verfasst von chapelain (1638): Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Richelieu wollte, Beweise die Aufgaben der Schiedsrichter der Literatur, dass die Akademie von ihm gegründeten (und dann sehr kritisierten) hatte. Der Künstler, betrübt, wurde durch den Vorwurf des Plagiats verteidigt, aber Er blieb beeindruckt, so sehr, dass er nicht mehr imitieren Werke von anderen und seiner Tragödien, nachdem die Cid, nur um Geschichte zeichnen. Von stolz, Corneille vertieft seine Qualitäten poetische mit kritischen Grundsätze, von denen sich der Glaube seine Reden und seine Vorworte und die gleichen Examens, mit denen begleitet die Veröffentlichung der Werke. Die gültige Antwort greift die mit neuen Tragödien ausgelöst haben. Zwei in nur einem Jahr (1640): Horace (Horace) und Cinna. Horace ist wieder einmal das Drama der Liebe und die Pflicht, für die Empfindungen, die duellisten (Horatii und Curiatii) binden an Frauen der gegnerischen Familien. Corneille es zum Richelieu gewidmet, vielleicht mit einem Anflug von Ironie, vielleicht, um zu zeigen, dass die drei “Einheiten” (Met) nicht verhindern konnte ihn arbeitet gleichermaßen gültig zu erstellen. Auch Cinna, durch die Abhandlung De clementia Seneca inspiriert, war erfolgreich. Aber auf jeden Fall die Oper mehr hoch, nachdem die Cid und in der Tat für die Kritik, das Meisterwerk im absoluten Sinne, ist polyeucte (1642), zweifellos als die “Canon” der Tragödie corneliana. Die Angelegenheit wurde Corneille aus historischen Surius zur Verfügung gestellt worden. Polyeucte ist die christliche Drama der Liebe Gottes triumphiert über die menschliche Liebe und des Sieges der religiöser Gefühle, die in der Liebe mutiert ist ein Gefühl der ehelichen Treue. Ein Jahr nach der Darstellung von seinem Meisterwerk Corneille in Szene La Mort De Pompée gelegt hat und menteur, zeigt er sich offen in der zweiten und in der Suite du Menteur, comedy thema. Es ist eine zutiefst fruchtbare für die Dichter, der im Jahre 1644 schrieb und vertreten Rodogune und, später, Héraclius (1646). Sein Ruhm hatte groß geworden. Ihn an der Akademie (1647) gewählt, dann schrieb Nicomède (1651). Ein Jahr nach dem Sturz von Pertharite nehmen ihn überrascht und die avvilì. Er kehrte nach Rouen, wo er an der Übersetzung der Nachfolge Christi arbeitete als Entlastung von ihre Sorgen Familie sposatosi (in 1640, hatte Söhne von Gesundheitsstörungen, die Ihm nicht ein paar Schmerzen und dass die premorirono). Er widmete sich gleichzeitig für eine Gesamtausgabe seiner Werke zu kümmern. Kehrte er an das Theater nur im Jahre 1659, auf Einladung der Betriebsleiter Fouquet, und hatte Erfolg mit Edipe. Der Aufenthalt in Paris, Corneille ist vollständig verstanden, dass die Zeiten sich geändert wurden: die Grüne Jugend war vorüber und mit ihm die Herrschaft von Louis XIII und der Suk-cessiva Regentschaft von Anna von Österreich. Jetzt mit Ludwig XIV. und Die neue Klassik in der Kunst und Literatur, das Gericht und die Öffentlichkeit bevorzugten Quinault und Racine. Eine poetische Welt neue genommen hatte, der Ort der basieren, wie die großen Vorbilder der Antike, auf den Kontrast der Leidenschaften: Grund lieber zu Corneille, deren Tragödie definiert wurde Theater der Wunsch und die Pflicht. Er fuhr fort, ohne mehr zu schreiben, aber der Scheitelpunkte von polyeucte und Cinna. Der Stil des Einen, der als einer der größten Dichter Frankreichs und erstrahlt in seiner ganzen Kraft auch in anderen Werken: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), (1672), Pulchérie Suréna (1674), mit dem er seine Aktivitäten als Dramatiker weg für immer vom Theater geschlossen; zehn Jahre nach seinem Tod in der allgemeinen Gleichgültigkeit. In Corneille, wo Gefühl und Stolz als unersetzliche Qualitäten von Individualität das höchste Opfer dargestellt, und vielleicht mehr in der Rhetorik, die im eigentlichen Sinne tragisch, Frankreich oft reflektiert hat, für ein Festhalten an der psychologischen Leben der Mensch zu jeder Zeit, aus literarischen Theorien.
Die Künstler
Capiscuola der amerikanischen Pop Art gelten als R.Rauschenberg und J. Johns, auch wenn ihre Arbeit differenziert in vielerlei Hinsicht scheint von diesem Künstler aktiv in die mittlere Phase des Pop Erfahrungen wie C. Oldenburg, A. Warhol, Lichtenstein, R. J. Rosenquist, T. Wesselman, J. Speisen (zusätzlich zu W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner und L. Flüsse). Persönlichkeit und verschiedene Ausdrücke hatte die pop art Deutsch von S. Blake, R., R. Hamilton Smith, D. Hockney, R.B.Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, S. Caufield, S. Phillips, E. Paolozzi, etc. Die Verbreitung der Pop Art in Europa vertreten seit 1963 gegeben hat, zu unterschiedlichen Auslegungen in den verschiedenen kulturellen Tradition. In Italien pop Erfahrungen wurden durch G. Bertini, E. Baj, M. das Rad durchgeführt, zu denen folgte G. Guerreschi und G. Romagnoni (für bestimmte Forschungsinteressen gelten als pop Künstler Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Zwischen den Vertretern der Pop Art Französisch und Deutsch sind bzw. Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, S. Klasen und W. Gaul. Esauritasi als künstlerische Aktuelle gibt, Pop Art hat wertvolle Orientierungshilfen für spätere Erfahrung expressive, von der Konzeptkunst, Arte povera, von der hyper-Realismus in die mec Kunst zu Pionieren, Protagonisten und Epigone der Pop Art der Königlichen Akademie der Künste in London im Jahr 1991 gewidmet hat einen großen Bericht, später auch in Köln und Madrid vorgestellt.

Die Werke
Für die Bequemlichkeit entscheidend, es üblich, die Werke von Calderon De La Barca zu klassifizieren, verschiedene Gruppen: A) Tragödien und Komödien der religiösen Thema, aus der Bibel, aus dem legendären der Heiligen und der hagiographischen Tradition, darunter Meisterwerke wie El mágico außerordentlichen (der Magier der Wunder), die Devoción de la Cruz (die Verehrung des Kreuzes), El purgatorio de San Patricio (das Fegefeuer von Saint Patrick) und Los Dos amantes des Himmels (die beiden Liebenden des Himmels); b) historische Dramen, vor allem El Principe konstante entstehen (Prinz konstant) und El Alcalde de Fuencaliente (der Bürgermeister von Fuencaliente); C) Komödien der Weberei und Haube und Schwert, die betont die Summe Fähigkeit von Der Dramatiker, neue Effekte zu zeichnen, mit humorvollen Gnade von arcinote Situationen und gemeinsame Orte: La Dama duende (La Dama Ghost), El escondido y Die tapada (die versteckten und verschleierten), Haus mit Dos Puertas mala es de Guardar (ein Haus mit zwei Türen ist schwer zu erhalten), etc.; (d) Komödien ritterliche und mythologischen, manchmal Romanze als El Castillo de Lindabridis (Schloss von Lindabris), die Puente de Mantible (die Brücke der Unterkiefer), manchmal sehr empfindlichen theatralischen Fabeln als Echo y Narzisse, Purpura de la Rosa (das Violett der Rosa); E) Dramen von Ehre und Eifersucht, mit grobheit einer der Hauptgründe für soziale Moral Spanischen Goldenen Jahrhundert Umgang: El Médico De Su honra (der Arzt Ihrer Ehre), eine abgesondert agravio abgesondert venganza (ein geheimes Geheimnis Straftat Rache), El Pintor de su deshonra (der Maler seine Blöße), el monstruo Bürgermeister, Los celos (das größte Monster ist Eifersucht); F) Komödien “philosophischen” oder symbolische, mit Meisterwerken wie La Vida es sueño (1635; das Leben ist Traum), wahre und höchste dramatische Synthese von Ideen moralischen und religiösen barocker Spanien; G) Farcen, Einlagen und andere kleinere Operetten, glitzernden frischen Humor; h) die Gruppe der 80 Autos sacramentales, eucharistische Dramen in einem Akt, in dem die strikte theologische Argument beseelt ist mit Auswirkungen oft unvergessliche, durch einen Spurt der unerschöpflichen hohe Lyrik: El Gran Teatro del Mundo (das Grand Theater der Welt), kein Heu más Glück Que Dios (hat Keine mehr Glück Gottes), El Nuevo Hospicio de pobres (Das neue Hospiz für die Armen) und viele andere. Es wird gesagt, dass das Theater von Calderon De La Barca hat zwei wesentliche Nachteile: die Armut der Erfindung – also manchmal nicht zögern wieder Themen bereits von Lope de Vega und anderen – und schwache Charakterisierung von Zeichen abgedeckt (bereits Goethe bemerkte, dass die Zeichen von Calderon De La Barca oft an Soldaten von geschmolzenem scheinen in der gleichen Form führen). Krasse ist auch die Gesamtzahl der Konformismus in bezug auf die offiziellen Ideen der Philippinischen Spanien: die Firma des Theaters calderoniano ist zweifellos statisch, ein aristocraticismo sclerotizzato. Dies bedeutet jedoch nicht, viel zu den künstlerischen Wert und theatralische Meisterwerke von Calderón de la Barca, welche die Zeit aufgrund einer schmerzhaften christlichen Lebens und eine intensive Energie ‘Theater und Poesie zu widerstehen. Die gleiche barocke Sprache, dass spiacque auf Jahrhunderte des Rationalismus (XVIII und XIX), fasziniert heute (nach den Erfahrungen der Avantgarde) für die schillernde Originalität: Insbesondere der Autos sacramentales
Corneille, Pierre
Französischer Dramatiker (Rouen 1606 – Paris 1684). Einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Inspektor der Gewässer und Wälder), studierte er am Jesuitenkolleg von Rouen. Exzellente student, Arten in Latein, sie zogen damals oft antike Literatur, für beide Aspekte declamatori, sowohl für die Themen. Seneca und Lucan waren ihre Lieblingsautoren. 1628 Corneille begann der Beruf des Rechtsanwalts real in seiner Geburtsstadt und vielleicht auch nie in der Lage sein, dem Theater zu widmen. Die Liebe zu einem Mädchen hatte inspirierte ihn zu schreiben, ein Sonett und nicht ausgeschlossen werden kann, die gleichen Mélite Komödie, in der die eingefügten. Die Oper, zuerst in Rouen dargestellt, dann in Paris im Jahre 1629, hatte eine dezente Erfolg und angeregt, sich dem Theater zu widmen. Im Jahr 1632 schrieb er Clitandre ou l’Innocence délivrée und Vor 1635 hatte bereits auf seiner aktiven vier anderen Komödien, in denen das Thema Romantik durch einen Stil voller Vitalität unterstützt wird. Seine erste Tragödie, Médée, ist von 1635. Es war in der Zwischenzeit nach Paris überführt und genossen den Schutz der Richelieuu. Es war in der Tat ein Teil der Unternehmen der “fünf Autoren” mit Boisrobert, Colletet, der Estoile und Rotrou, der die Aufgabe, in den Versen Themen aus der Phantasie des Kardinal geboren hatte. Aber Corneille, dass er nie die Tugend der Höfling, bald verloren die Sympathien der Protector und wahrscheinlich auch die Subventionen. Der Erfolg der Médée, in der der Einfluss von Seneca allzu offensichtlich wurde, aus dem Prolog zu triumphieren, die dann von seinem berühmtesten Oper geweiht war, der Cid. Nach einigen, die Tragödie sollte datarsi 1636, Jahr, in dem Corneille schrieb die Illusion comique; aber Dokumente, die ans Licht gekommen haben vor kurzem bestätigt, dass die Cid 1637 gestellt werden müssen, oder dass die erste Vertretung am Théâtre du Marais ist 1637. Die Tragödie der Liebe und der Pflicht, zeigt in einem Konflikt der Gefühle, die Tiefe der Charaktere der Protagonisten in einem dynamischen THEATRALISCHE, der Aristotelischen Regeln beobachtet, wenn nicht die Einheit von Ort, streng an die Zeit. Corneille, in Wirklichkeit schlecht akzeptiert das Konzept der drei Einheiten von Ort, Zeit, aber immer versucht, treu zu bleiben, besonders auf den letzten, weil sein Theater Kampf der Leidenschaften und das Drama der werden, die Synthese und die unmittelbare Ereignisse auf die Jagd nach der Einschätzung von wesentlicher Bedeutung ist, nicht auf die Wut und voller Seele in der Zeit verlängert. Die Cid für das Happy End, feiert die Liebe des Protagonisten und der Chimène, gilt als Tragikomödie, mehr als reine Tragödie, und sicherlich auch gesiegt für Elemente ausgeglichen bezeichnet. Der Erfolg der Oper hob beneidet und Beschwerden der Teil der zeitgenössischen Autoren (Scudéry und mairet) und, wenn nicht ein Neid nach Autor, Corneille zeichnete ein Groll von Protector von Kardinal Richelieu. Heute gibt es eine Tendenz, die Rachsucht der Minister zum Glück Dramatiker zu reduzieren. Die so genannte “Querelle du Cid” hat seine offizielle Dokumentation in Empfindungen de l’Académie sur le “Cid”, verfasst von chapelain (1638): Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Richelieu wollte, Beweise die Aufgaben der Schiedsrichter der Literatur, dass die Akademie von ihm gegründeten (und dann sehr kritisierten) hatte. Der Künstler, betrübt, wurde durch den Vorwurf des Plagiats verteidigt, aber Er blieb beeindruckt, so sehr, dass er nicht mehr imitieren Werke von anderen und seiner Tragödien, nachdem die Cid, nur um Geschichte zeichnen. Von stolz, Corneille vertieft seine Qualitäten poetische mit kritischen Grundsätze, von denen sich der Glaube seine Reden und seine Vorworte und die gleichen Examens, mit denen begleitet die Veröffentlichung der Werke. Die gültige Antwort greift die mit neuen Tragödien ausgelöst haben. Zwei in nur einem Jahr (1640): Horace (Horace) und Cinna. Horace ist wieder einmal das Drama der Liebe und die Pflicht, für die Empfindungen, die duellisten (Horatii und Curiatii) binden an Frauen der gegnerischen Familien. Corneille es zum Richelieu gewidmet, vielleicht mit einem Anflug von Ironie, vielleicht, um zu zeigen, dass die drei “Einheiten” (Met) nicht verhindern konnte ihn arbeitet gleichermaßen gültig zu erstellen. Auch Cinna, durch die Abhandlung De clementia Seneca inspiriert, war erfolgreich. Aber auf jeden Fall die Oper mehr hoch, nachdem die Cid und in der Tat für die Kritik, das Meisterwerk im absoluten Sinne, ist polyeucte (1642), zweifellos als die “Canon” der Tragödie corneliana. Die Angelegenheit wurde Corneille aus historischen Surius zur Verfügung gestellt worden. Polyeucte ist die christliche Drama der Liebe Gottes triumphiert über die menschliche Liebe und des Sieges der religiöser Gefühle, die in der Liebe mutiert ist ein Gefühl der ehelichen Treue. Ein Jahr nach der Darstellung von seinem Meisterwerk Corneille in Szene La Mort De Pompée gelegt hat und menteur, zeigt er sich offen in der zweiten und in der Suite du Menteur, comedy thema. Es ist eine zutiefst fruchtbare für die Dichter, der im Jahre 1644 schrieb und vertreten Rodogune und, später, Héraclius (1646). Sein Ruhm hatte groß geworden. Ihn an der Akademie (1647) gewählt, dann schrieb Nicomède (1651). Ein Jahr nach dem Sturz von Pertharite nehmen ihn überrascht und die avvilì. Er kehrte nach Rouen, wo er an der Übersetzung der Nachfolge Christi arbeitete als Entlastung von ihre Sorgen Familie sposatosi (in 1640, hatte Söhne von Gesundheitsstörungen, die Ihm nicht ein paar Schmerzen und dass die premorirono). Er widmete sich gleichzeitig für eine Gesamtausgabe seiner Werke zu kümmern. Kehrte er an das Theater nur im Jahre 1659, auf Einladung der Betriebsleiter Fouquet, und hatte Erfolg mit Edipe. Der Aufenthalt in Paris, Corneille ist vollständig verstanden, dass die Zeiten sich geändert wurden: die Grüne Jugend war vorüber und mit ihm die Herrschaft von Louis XIII und der Suk-cessiva Regentschaft von Anna von Österreich. Jetzt mit Ludwig XIV. und Die neue Klassik in der Kunst und Literatur, das Gericht und die Öffentlichkeit bevorzugten Quinault und Racine. Eine poetische Welt neue genommen hatte, der Ort der basieren, wie die großen Vorbilder der Antike, auf den Kontrast der Leidenschaften: Grund lieber zu Corneille, deren Tragödie definiert wurde Theater der Wunsch und die Pflicht. Er fuhr fort, ohne mehr zu schreiben, aber der Scheitelpunkte von polyeucte und Cinna. Der Stil des Einen, der als einer der größten Dichter Frankreichs und erstrahlt in seiner ganzen Kraft auch in anderen Werken: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), (1672), Pulchérie Suréna (1674), mit dem er seine Aktivitäten als Dramatiker weg für immer vom Theater geschlossen; zehn Jahre nach seinem Tod in der allgemeinen Gleichgültigkeit. In Corneille, wo Gefühl und Stolz als unersetzliche Qualitäten von Individualität das höchste Opfer dargestellt, und vielleicht mehr in der Rhetorik, die im eigentlichen Sinne tragisch, Frankreich oft reflektiert hat, für ein Festhalten an der psychologischen Leben der Mensch zu jeder Zeit, aus literarischen Theorien.
Französischer Dramatiker (Rouen 1606 – Paris 1684). Einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Inspektor der Gewässer und Wälder), studierte er am Jesuitenkolleg von Rouen. Exzellente student, Arten in Latein, sie zogen damals oft antike Literatur, für beide Aspekte declamatori, sowohl für die Themen. Seneca und Lucan waren ihre Lieblingsautoren. 1628 Corneille begann der Beruf des Rechtsanwalts real in seiner Geburtsstadt und vielleicht auch nie in der Lage sein, dem Theater zu widmen. Die Liebe zu einem Mädchen hatte inspirierte ihn zu schreiben, ein Sonett und nicht ausgeschlossen werden kann, die gleichen Mélite Komödie, in der die eingefügten. Die Oper, zuerst in Rouen dargestellt, dann in Paris im Jahre 1629, hatte eine dezente Erfolg und angeregt, sich dem Theater zu widmen. Im Jahr 1632 schrieb er Clitandre ou l’Innocence délivrée und Vor 1635 hatte bereits auf seiner aktiven vier anderen Komödien, in denen das Thema Romantik durch einen Stil voller Vitalität unterstützt wird. Seine erste Tragödie, Médée, ist von 1635. Es war in der Zwischenzeit nach Paris überführt und genossen den Schutz der Richelieuu. Es war in der Tat ein Teil der Unternehmen der “fünf Autoren” mit Boisrobert, Colletet, der Estoile und Rotrou, der die Aufgabe, in den Versen Themen aus der Phantasie des Kardinal geboren hatte. Aber Corneille, dass er nie die Tugend der Höfling, bald verloren die Sympathien der Protector und wahrscheinlich auch die Subventionen. Der Erfolg der Médée, in der der Einfluss von Seneca allzu offensichtlich wurde, aus dem Prolog zu triumphieren, die dann von seinem berühmtesten Oper geweiht war, der Cid. Nach einigen, die Tragödie sollte datarsi 1636, Jahr, in dem Corneille schrieb die Illusion comique; aber Dokumente, die ans Licht gekommen haben vor kurzem bestätigt, dass die Cid 1637 gestellt werden müssen, oder dass die erste Vertretung am Théâtre du Marais ist 1637. Die Tragödie der Liebe und der Pflicht, zeigt in einem Konflikt der Gefühle, die Tiefe der Charaktere der Protagonisten in einem dynamischen THEATRALISCHE, der Aristotelischen Regeln beobachtet, wenn nicht die Einheit von Ort, streng an die Zeit. Corneille, in Wirklichkeit schlecht akzeptiert das Konzept der drei Einheiten von Ort, Zeit, aber immer versucht, treu zu bleiben, besonders auf den letzten, weil sein Theater Kampf der Leidenschaften und das Drama der werden, die Synthese und die unmittelbare Ereignisse auf die Jagd nach der Einschätzung von wesentlicher Bedeutung ist, nicht auf die Wut und voller Seele in der Zeit verlängert. Die Cid für das Happy End, feiert die Liebe des Protagonisten und der Chimène, gilt als Tragikomödie, mehr als reine Tragödie, und sicherlich auch gesiegt für Elemente ausgeglichen bezeichnet. Der Erfolg der Oper hob beneidet und Beschwerden der Teil der zeitgenössischen Autoren (Scudéry und mairet) und, wenn nicht ein Neid nach Autor, Corneille zeichnete ein Groll von Protector von Kardinal Richelieu. Heute gibt es eine Tendenz, die Rachsucht der Minister zum Glück Dramatiker zu reduzieren. Die so genannte “Querelle du Cid” hat seine offizielle Dokumentation in Empfindungen de l’Académie sur le “Cid”, verfasst von chapelain (1638): Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Richelieu wollte, Beweise die Aufgaben der Schiedsrichter der Literatur, dass die Akademie von ihm gegründeten (und dann sehr kritisierten) hatte. Der Künstler, betrübt, wurde durch den Vorwurf des Plagiats verteidigt, aber Er blieb beeindruckt, so sehr, dass er nicht mehr imitieren Werke von anderen und seiner Tragödien, nachdem die Cid, nur um Geschichte zeichnen. Von stolz, Corneille vertieft seine Qualitäten poetische mit kritischen Grundsätze, von denen sich der Glaube seine Reden und seine Vorworte und die gleichen Examens, mit denen begleitet die Veröffentlichung der Werke. Die gültige Antwort greift die mit neuen Tragödien ausgelöst haben. Zwei in nur einem Jahr (1640): Horace (Horace) und Cinna. Horace ist wieder einmal das Drama der Liebe und die Pflicht, für die Empfindungen, die duellisten (Horatii und Curiatii) binden an Frauen der gegnerischen Familien. Corneille es zum Richelieu gewidmet, vielleicht mit einem Anflug von Ironie, vielleicht, um zu zeigen, dass die drei “Einheiten” (Met) nicht verhindern konnte ihn arbeitet gleichermaßen gültig zu erstellen. Auch Cinna, durch die Abhandlung De clementia Seneca inspiriert, war erfolgreich. Aber auf jeden Fall die Oper mehr hoch, nachdem die Cid und in der Tat für die Kritik, das Meisterwerk im absoluten Sinne, ist polyeucte (1642), zweifellos als die “Canon” der Tragödie corneliana. Die Angelegenheit wurde Corneille aus historischen Surius zur Verfügung gestellt worden. Polyeucte ist die christliche Drama der Liebe Gottes triumphiert über die menschliche Liebe und des Sieges der religiöser Gefühle, die in der Liebe mutiert ist ein Gefühl der ehelichen Treue. Ein Jahr nach der Darstellung von seinem Meisterwerk Corneille in Szene La Mort De Pompée gelegt hat und menteur, zeigt er sich offen in der zweiten und in der Suite du Menteur, comedy thema. Es ist eine zutiefst fruchtbare für die Dichter, der im Jahre 1644 schrieb und vertreten Rodogune und, später, Héraclius (1646). Sein Ruhm hatte groß geworden. Ihn an der Akademie (1647) gewählt, dann schrieb Nicomède (1651). Ein Jahr nach dem Sturz von Pertharite nehmen ihn überrascht und die avvilì. Er kehrte nach Rouen, wo er an der Übersetzung der Nachfolge Christi arbeitete als Entlastung von ihre Sorgen Familie sposatosi (in 1640, hatte Söhne von Gesundheitsstörungen, die Ihm nicht ein paar Schmerzen und dass die premorirono). Er widmete sich gleichzeitig für eine Gesamtausgabe seiner Werke zu kümmern. Kehrte er an das Theater nur im Jahre 1659, auf Einladung der Betriebsleiter Fouquet, und hatte Erfolg mit Edipe. Der Aufenthalt in Paris, Corneille ist vollständig verstanden, dass die Zeiten sich geändert wurden: die Grüne Jugend war vorüber und mit ihm die Herrschaft von Louis XIII und der Suk-cessiva Regentschaft von Anna von Österreich. Jetzt mit Ludwig XIV. und Die neue Klassik in der Kunst und Literatur, das Gericht und die Öffentlichkeit bevorzugten Quinault und Racine. Eine poetische Welt neue genommen hatte, der Ort der basieren, wie die großen Vorbilder der Antike, auf den Kontrast der Leidenschaften: Grund lieber zu Corneille, deren Tragödie definiert wurde Theater der Wunsch und die Pflicht. Er fuhr fort, ohne mehr zu schreiben, aber der Scheitelpunkte von polyeucte und Cinna. Der Stil des Einen, der als einer der größten Dichter Frankreichs und erstrahlt in seiner ganzen Kraft auch in anderen Werken: la Toison d’Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), (1672), Pulchérie Suréna (1674), mit dem er seine Aktivitäten als Dramatiker weg für immer vom Theater geschlossen; zehn Jahre nach seinem Tod in der allgemeinen Gleichgültigkeit. In Corneille, wo Gefühl und Stolz als unersetzliche Qualitäten von Individualität das höchste Opfer dargestellt, und vielleicht mehr in der Rhetorik, die im eigentlichen Sinne tragisch, Frankreich oft reflektiert hat, für ein Festhalten an der psychologischen Leben der Mensch zu jeder Zeit, aus literarischen Theorien.